BEWERTUNG: The Rivals, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Die Rivalen

Arcola Theatre

16. Oktober 2014

5 Sterne

Kritik – Tim Hochstrasser

Inszenierungen von Sheridans zwei großen Stücken, Die Rivalen und Die Schule des Klatsches, sind heutzutage seltener zu sehen – was sehr schade ist, bedenkt man die wunderbare Bandbreite an Möglichkeiten, die jedes der beiden Stücke für erstklassige Bühnenkunst aller Art bietet: für Schauspielerinnen und Schauspieler über das gesamte Altersspektrum hinweg, mit Rollen von gleicher Bedeutung und Schlagfertigkeit für Männer wie Frauen. Wenn sämtliche Stücke Wildes – selbst die schwächeren – regelmäßig gespielt werden, wirkt es umso erstaunlicher, dass diese beiden Meisterwerke, die in ihren stilisierten Herausforderungen so ähnlich sind, deutlich weniger präsent sind. Umso erfreulicher also, dass man jetzt die Gelegenheit hat, eine sehr gelungene neue Fassung von Sheridans erstem großen Erfolg zu begrüßen, die im Arcola Theatre in Dalston noch ein paar Tage läuft. Unbedingt hingehen, solange es noch geht…

Die Rivalen ist kein perfektes Stück. Bei der Uraufführung 1775 fiel es durch, und selbst nach umfangreichen Kürzungen und Umarbeitungen kann sich die zweite Hälfte ziehen. Zu diesem Zeitpunkt ist ein Großteil der Handlung bereits entwirrt, und die Aufmerksamkeit des Publikums kann nachlassen, wenn der Text nicht mit Tempo gespielt wird – und mit einer Menge erfinderischer Bewegung und szenischem „Business“. Produktionen können auch leicht zu behaglich werden, wenn man das Ganze als Kostümschinken behandelt, der vor allem ein Starvehikel ist: für die Darstellerin von Mrs Malaprop, für Sir Anthony Absolute und für die beiden Paare, deren Manöver umeinander herum, voneinander weg und schließlich zueinander die Hauptarbeit leisten. Eigentlich aber sollte es ein kantiges Stück sein, das sich erst ganz am Ende – und eher widerwillig – in den Rhythmus einer Verkuppelungskomödie fügt.

Ständige Ausbrüche von Wut, sexuelle Frustration, die Geringschätzung der Provinz durch die Stadt und der Iren durch die Engländer sowie Feindseligkeiten von Sohn gegen Vater, Diener gegen Herr und Herrin ziehen sich wie Leitfäden durch jede Szene. Und verschiedene Ausprägungen geschlechtlich codierter Eitelkeit – misogyner wie misanthropischer Art – bilden die Wurzel eines Großteils des Humors, der zum Teil noch immer verstörend grausam und verspottend wirkt. Es war die Grobheit des Stücks, nicht seine kultivierte Seite als Sittenkomödie, die seine ursprüngliche, durchaus skandalumwitterte Aufnahme prägte; jede Inszenierung muss diese Qualitäten treffen, wenn sie uns dazu bringen soll, das Stück neu zu betrachten.

Umso mehr ist es dem Ensemble und dem Kreativteam hoch anzurechnen, dass sie den Mut haben, der Versuchung einer bloßen Aktualisierung um der Neuheit willen zu widerstehen – und stattdessen tief in den Text hinabzusteigen, um neue und überzeugende Antworten zu finden.

Regisseurin Selina Cadell schreibt im Programmheft, „Schauspieler:innen sind heute sehr daran gewöhnt, dem Inhalt Stimmung überzustülpen – ihre Beziehung zur Sprache ist weit weniger sicher. Die Herausforderung für Schauspieler:innen in der Restaurationskomödie besteht daher darin, herauszufinden, wie die Figur durch die Sprache – und nur durch die Sprache – existiert.“ Statt eines unechten Naturalismus nehmen sie die Aufgabe an, Natur im Kunstgriff zu finden – als wäre es bereits Wildes „triviale Komödie für ernsthafte Leute“. Die Schauspieler spielen ihre Rollen todernst, und genau dadurch wird der Humor umso größer. Außerdem finden sie das exakt richtige Tempo, indem sie Sheridans kunstvoll gearbeitete Reden nicht hastig herunterrattern. Diese langen Sätze zu reiten, mit ihrem Aufeinanderstapeln ausgleichender und einschränkender Nebensätze, erfordert ein Können wie das eines Surfers auf dem Kamm einer brechenden Welle… hält man zu sehr zurück, verliert man das Publikum; plappert man die Sequenzen herunter, verfehlt man die Pointe.

Jede und jeder im Ensemble war hier beispielhaft darin, sich Zeit zu nehmen, wenn es nötig war, und das Tempo anzuziehen, wenn die Szene Dynamik und körperliche Interaktion verlangte. Indem sie der Sprache auf der Seite vertrauten und die Figuren sorgfältig aus ihr heraus entwickelten, waren die Erträge umso größer in den letzten Szenen, wenn der Handlungsantrieb nachlässt: So detaillierte Darstellungen entwickeln dann ihren ganz eigenen Humor. Jede*r erkannte, dass in einer Epoche, in der Berührung und menschlicher Kontakt eingeschränkt und formell waren, die Sprache in ihrer ganzen Bandbreite – vom feinen Witz bis zur derben Zweideutigkeit – die Palette an Emotionen, Frustrationen und Eifersüchteleien ausdrücken muss, die in einem modernen Stück durch Körpersprache angedeutet würden. Es ist – und war – völlig akzeptabel, die „vierte Wand“ häufig zu durchbrechen und uns daran zu erinnern, dass wir im Theater sitzen; so erlebte auch ein Publikum des 18. Jahrhunderts diese Erfahrung. Damit das funktioniert, muss die Sprache jedoch mit größtem Respekt behandelt und mit aller Konsequenz ausgespielt werden. Es war ein seltenes Vergnügen, Text mit solcher Sicherheit zu hören – und mit einem geradezu dreidimensionalen Genuss an seinen imaginativen Möglichkeiten.

In diesem fein eingespielten Ensemble gibt es keine schwachen Glieder, und es ist zwangsläufig ungerecht, einzelne Leistungen herauszugreifen. Aber für ihre technische Brillanz, mit der sie uns einen vertrauten Text neu denken lassen, muss ich Iain Batchelors Jack Absolute und Nicholas Le Prevost als dessen Vater besonders loben. Indem Le Prevost immer wieder Zorn androhte, ihn aber erst dann wirklich „lieferte“, wenn man es nicht mehr erwartet, gab er eine Meisterklasse im komischen Timing; und Batchelor füllte jede Facette seiner vielschichtigen Rolle als Captain Jack und Ensign Beverley mit souveräner Erfindungskraft.

Gemma Jones schäumte und schnatterte wirkungsvoll als Mrs Malaprop – ein puscheliges Wesen aus grauer Seide und pinkfarbenem Tüll – und verdient Anerkennung dafür, ihren kreativen Umgang mit Sprache gerade NICHT zu dick aufzutragen. „Die Ananas der Höflichkeit“ fand ihren Platz als Höhepunkt eines wunderbaren Absatzes, nicht als isolierter Gag.

Jenny Rainsford ließ als Lydia elegant die Seele baumeln, mit mehr Biss und Kampfgeist in dieser Rolle, als man es üblicherweise sieht, und Justine Mitchell war ein Muster an stiller, doch präzise zurückgenommener Haltung als die vielgeplagte Julia. Adam Jackson-Smith spielte Faulkland, als wäre er John Cleese – was dem Publikum einen hilfreichen Bezugspunkt für die unerquicklich selbstsabotierenden Skrupel dieser Figur gab.

Die Typenrollen des Iren und des frisch in der Stadt gelandeten Landwirts sind im Text weniger ausgearbeitet, wurden an diesem Abend aber gut getroffen. Alle Dienerfiguren nahmen ihre Momente des Eingreifens und Kommentierens mit Verve.

Wenn ich einen Einwand hätte, dann beträfe er die szenische Einrichtung. Das Arcola ist ein ungünstig geschnittener Raum und verlangt sehr sorgfältige Handhabung, damit Szenen mühelos ineinander übergehen (wie es jüngst in der Produktion von Carousel so gut gelang). Hier gab es zwischen den Szenen ein bisschen zu viel „Business“ – sei es beim Umstellen des Bühnenbilds (z. B. ein unnötiger ausgeschnittener Urnen-Aufsteller, der hoch- und runtergelassen wurde, um eine Außen-Szene zu markieren), sei es in musikalischen Zwischenspielen oder Running Gags. Bei einem so langen Stück und einer sprachlich derart stimmigen Spielweise war es schade, dass die Szenen nicht nahtloser fließen konnten – zumal in der strukturell schwächeren zweiten Hälfte. Und obwohl die Handlung in Bath spielt, müssen wir Bath nicht wortwörtlich vorgeführt bekommen – zumindest nicht in irgendeiner ausladenden Ausgestaltung.

Doch abgesehen davon ist diese Inszenierung ein einprägsamer, anregender Blick auf einen alten Liebling – und einer der lustigsten Theaterabende, die man derzeit in London haben kann. Man muss meiner „Verhunzung von Grabinschriften“ nicht zustimmen – aber verpassen sollte man es nicht….