ĐÁNH GIÁ: Vở kịch The Rivals tại Nhà hát Arcola ✭✭✭✭✭

The Rivals

Nhà hát Arcola

16 tháng 10 năm 2014

5 Sao

Người đánh giá - Tim Hochstrasser

Các vở diễn dựa trên hai kiệt tác của Sheridan, "The Rivals" và "The School for Scandal", dường như ít xuất hiện hơn trong những ngày này. Đây thật sự là một điều đáng tiếc, bởi mỗi vở kịch đều mang đến vô vàn cơ hội cho nghệ thuật dàn dựng sân khấu đỉnh cao, dành cho dàn diễn viên ở mọi lứa tuổi với những vai diễn có sức nặng và sự sắc sảo tương đương cho cả nam lẫn nữ. Trong khi tất cả các vở kịch của Wilde, ngay cả những tác phẩm ít tên tuổi hơn, đều được công diễn thường xuyên, thì thật khó hiểu khi hai tuyệt tác này — vốn mang những thử thách tương đồng về phong cách — lại ít được chú ý hơn hẳn. Vì vậy, thật đáng mừng khi có cơ hội được thưởng thức một phiên bản mới đầy ấn tượng cho thành công lớn đầu tay của Sheridan, hiện vẫn đang được trình diễn thêm vài ngày nữa tại Nhà hát Arcola, Dalston. Hãy tranh thủ đón xem khi bạn còn có thể….

"The Rivals" không phải là một vở kịch hoàn hảo. Nó từng thất bại khi ra mắt lần đầu năm 1775, và ngay cả sau khi đã cắt gọt và chỉnh sửa đáng kể, nửa sau của vở kịch vẫn có thể tạo cảm giác lê thê. Phần lớn các nút thắt cốt truyện đã được tháo gỡ tại thời điểm đó, và sự chú ý của khán giả dễ bị phân tán nếu văn bản không được trình diễn với nhịp độ nhanh, cùng sự sáng tạo trong các chuyển động và hành động trên sân khấu. Các bản dựng cũng dễ rơi vào lối mòn quá an toàn, biến nó thành một vở kịch phục trang chỉ để làm nền cho các ngôi sao thủ vai Bà Malaprop, Ngài Anthony Absolute, và hai cặp đôi với những màn xoay chuyển quanh nhau. Tuy nhiên, đúng lý ra nó phải là một vở kịch sắc bén, mang chút gai góc và chỉ miễn cưỡng chịu ổn định vào nhịp điệu mai mối ở đoạn kết.

Những cơn thịnh nộ bộc phát liên tiếp, nỗi khao khát tình dục, sự phân biệt giữa thành thị và nông thôn, giữa người Anh và người Ireland, cùng sự đối đầu giữa con cái và cha mẹ, đầy tớ và chủ nhân chính là những sợi chỉ xuyên suốt mọi cảnh phim. Các sắc thái của sự phù phiếm về giới tính — bao gồm cả ác cảm với phụ nữ và sự chán ghét loài người — tạo nên gốc rễ của nhiều tình huống hài hước, mà một vài trong số đó vẫn còn mang vẻ tàn nhẫn và giễu cợt đầy khó chịu. Chính sự thô mộc chứ không phải sự tinh tế của một vở hài kịch phong tục là yếu tố chủ đạo trong lần ra mắt đầy tai tiếng ban đầu của nó; bất kỳ bản dựng nào cũng cần nắm bắt được những phẩm chất này nếu muốn chúng ta có một cái nhìn mới mẻ hơn về tác phẩm.

Phải dành lời khen ngợi lớn cho dàn diễn viên và đội ngũ sáng tạo khi họ đã can đảm cưỡng lại việc hiện đại hóa vở kịch chỉ để tìm kiếm sự mới lạ, mà thay vào đó là đào sâu vào văn bản để tìm ra những câu trả lời mới đầy thuyết phục.

Đạo diễn Selina Cadell đã viết trong tập chương trình rằng: ‘diễn viên ngày nay thường có thói quen áp đặt tâm trạng lên nội dung, mối liên kết của họ với ngôn ngữ yếu hơn rất nhiều. Do đó, thách thức đối với diễn viên trong kịch hài thời Phục Hưng là tìm ra cách nhân vật tồn tại thông qua ngôn ngữ và chỉ ngôn ngữ mà thôi.’ Thay vì sử dụng chủ nghĩa tự nhiên giả tạo, họ đón nhận thử thách tìm thấy bản chất tự nhiên trong sự hoa mỹ, như thể đó đã là vở ‘hài kịch tầm thường dành cho những người nghiêm túc’ của Wilde. Các diễn viên thủ vai với sự nghiêm túc tuyệt đối và chính nhờ điều đó mà tính hài hước trở nên tự nhiên hơn bội phần. Hơn nữa, họ tìm thấy nhịp độ chính xác cho văn bản bằng cách không hấp tấp khi thể hiện những lời thoại được trau chuốt tỉ mỉ của Sheridan. Việc làm chủ những câu văn dài đó, với sự tích tụ của các mệnh đề cân bằng và bổ trợ, đòi hỏi kỹ năng giống như một vận động viên lướt trên đỉnh sóng… nếu kìm lại quá mức, bạn sẽ mất khán giả; nếu nói liến thoắng, bạn sẽ đánh mất điểm đắt giá của câu thoại.

Mỗi diễn viên ở đây đều là những tấm gương mẫu mực trong việc tận dụng thời gian khi cần thiết và đẩy nhanh nhịp độ khi phân cảnh đòi hỏi sự năng động và tương tác vật lý. Bằng cách tin tưởng vào ngôn từ trên trang giấy và phát triển nhân vật cẩn thận thông qua đó, thành quả thu lại càng lớn hơn trong những cảnh cuối cùng khi đà phát triển cốt truyện chững lại: chính những màn trình diễn chi tiết như vậy đã tự thân tạo nên sự hài hước ở giai đoạn đó. Mỗi diễn viên đều nhận ra rằng trong một thời đại mà sự va chạm và tiếp xúc giữa người với người bị hạn chế và gò bó, ngôn ngữ — với đủ mọi sắc thái từ sự dí dỏm tinh tế đến vẻ thô tục táo bạo — phải diễn tả được hết các cung bậc cảm xúc, sự thất vọng và ghen tuông mà trong một vở kịch hiện đại có thể được biểu thị bằng ngôn ngữ cơ thể. Việc thường xuyên phá vỡ ‘bức tường thứ tư’ để nhắc nhở khán giả rằng chúng ta đang xem một vở kịch là hoàn toàn có thể chấp nhận được, và đó cũng là cách khán giả thế kỷ 18 trải nghiệm điều này. Nhưng để đạt được hiệu quả, ngôn ngữ cần được đối đãi với sự tôn trọng tuyệt đối và diễn bằng cả sinh mạng. Thật là một niềm vui hiếm có khi được nghe những lời thoại được truyền tải với sự tự tin và sự tận hưởng ba chiều trọn vẹn từ những khả năng tưởng tượng của nó.

Không có mắt xích yếu nào trong dàn diễn viên được rèn giũa tinh xảo này và việc chỉ ra những màn trình diễn riêng biệt là điều không thể tránh khỏi sự bất công. Nhưng vì kỹ năng kỹ thuật giúp chúng ta suy nghĩ lại về một văn bản quen thuộc, tôi phải ca ngợi vai Jack Absolute của Iain Batchelor và màn trình diễn của Nicholas Le Prevost trong vai người cha. Bằng cách đe dọa giận dữ nhưng lại trì hoãn nó cho đến thời điểm không ngờ tới, Le Prevost đã mang đến một bài học bậc thầy về căn chỉnh thời gian hài hước; và Batchelor đã lấp đầy mọi khía cạnh trong vai diễn đa diện Captain Jack và Ensign Beverley của mình với sự sáng tạo đầy lịch thiệp.

Gemma Jones đã hóa thân thành một Bà Malaprop đầy xáo động và cầu kỳ một cách hiệu quả, trong bộ đồ lụa xám và vải tuyn hồng, và cô xứng đáng được khen ngợi vì KHÔNG phô trương cách dùng từ sáng tạo của mình quá lộ liễu. Cụm từ ‘The pineapple of politeness’ (Đỉnh cao của sự lịch thiệp) đã tìm thấy đúng vị trí là sự kết tinh của một đoạn văn tuyệt vời chứ không phải một trò đùa đơn lẻ.

Jenny Rainsford thì héo hon một cách quý phái trong vai Lydia với sự sắc sảo và quyết liệt hơn so với thông thường, và Justine Mitchell là hình mẫu của sự kiềm chế lặng lẽ nhưng tinh tế trong vai Julia đầy nhẫn nhịn. Adam Jackson-Smith đóng vai Faulkland như thể anh là John Cleese, điều này giúp chúng ta có một điểm tham chiếu hữu ích cho những nguyên tắc tự gây khó dễ một cách mệt mỏi của nhân vật.

Các vai phụ tiêu biểu như người Ireland và anh nông dân mới lên tỉnh dù trong kịch bản chưa được khai thác sâu nhưng đã được thể hiện rất tốt trong đêm diễn. Tất cả các vai người hầu đều nắm bắt được những khoảnh khắc can thiệp và bình phẩm của họ một cách đầy phong thái.

Nếu có một điều khiến tôi chưa hài lòng thì đó nằm ở việc dàn dựng. Arcola là một không gian có hình dáng khá bất tiện, đòi hỏi sự xử lý rất cẩn thận để các cảnh có thể chuyển tiếp mượt mà (như bản dựng Carousel gần đây đã làm rất tốt). Tại đây, có hơi nhiều tiểu tiết thừa thãi giữa các cảnh, dù là việc di chuyển đạo cụ (chẳng hạn như một tấm bảng cắt hình chiếc bình kiểu cổ được nâng lên hạ xuống không cần thiết để ám chỉ cảnh ngoài trời), hay trong các đoạn nhạc giải lao hoặc các trò đùa lặp đi lặp lại. Trong một vở kịch dài như thế này và khi việc truyền tải ngôn ngữ đã quá chuẩn xác, thật đáng tiếc khi các cảnh không thể trôi chảy một cách liền mạch hơn, đặc biệt là trong nửa sau vốn có cấu trúc yếu hơn. Dù bối cảnh thực tế diễn ra tại Bath, chúng ta không cần phải nhìn thấy Bath qua hình ảnh trực quan, hoặc ít nhất là không cần đến mức cầu kỳ như vậy.

Tuy nhiên, bỏ qua điểm yếu đó, bản dựng này vẫn là một cách tiếp cận đáng nhớ và gợi mở nhiều suy nghĩ về một tác phẩm kinh điển được yêu thích, và là một trong những đêm xem kịch vui nhộn nhất hiện có tại thành phố. Bạn không nhất thiết phải đồng ý với ‘sự lộn xộn từ ngữ’ của tôi, chỉ là đừng bỏ lỡ nó….