리뷰: 라이벌, 아콜라 극장 ✭✭✭✭✭

라이벌스

아르콜라 극장

2014년 10월 16일

별 5개

리뷰어 - 팀 호흐스트라서

요즘 셰리던의 두 걸작, 라이벌스와 스캔들의 학교를 무대에서 만날 기회가 예전보다 줄어든 듯한데, 이는 참으로 아쉬운 일이다. 두 작품 모두 전 연령대 배우들에게 온갖 형태의 수준 높은 무대 기술을 펼칠 수 있는 훌륭한 기회를 제공하고, 남녀 모두에게 비중과 재치가 동등한 역할이 고루 주어지기 때문이다. 와일드의 작품들은 덜 알려진 것들까지도 꾸준히 공연되는 편인데, 스타일화된 도전 과제가 столь 비슷한 이 두 걸작이 훨씬 덜 눈에 띈다는 점은 의아하다. 그래서 달스턴의 아르콜라 극장에서 앞으로 며칠 더 공연되는 셰리던의 첫 대성공작을 아주 훌륭하게 새로 해석한 이번 프로덕션을 맞이하게 된 것은 더없이 반갑다. 아직 기회가 있을 때 꼭 보시길….

라이벌스는 완벽한 작품은 아니다. 1775년 초연에서는 실패했고, 대폭적인 삭제와 개작을 거친 뒤에도 후반부는 다소 늘어질 수 있다. 그 지점에서는 줄거리의 상당 부분이 이미 풀려 있어, 텍스트가 속도감 있게 수행되지 않거나 기발한 동선·비즈니스가 충분하지 않으면 관객의 집중이 흐트러지기 쉽다. 또한 작품을 편안하게 ‘시대극 의상극’ 정도로 다루며, 말라프로프 부인, 앤서니 앱솔루트 경, 그리고 서로를 향해/피해/결국 마주하게 되는 두 커플을 연기하는 배우들의 스타 차량으로만 소비하는 제작도 나오기 쉽다. 그러나 이 작품은 끝내 마지못해 중매극의 리듬으로 가라앉기 전까지, 훨씬 더 날카롭고 불편한 기운을 품어야 한다.

분노의 잦은 폭발, 성적 좌절, 도시가 시골을—영국인이 아일랜드인을—차별하는 시선, 아들이 아버지에게, 하인이 주인과 안주인에게 품는 적대감이 모든 장면을 관통하는 실처럼 이어진다. 또한 여성혐오적이거나 인간혐오적인, 성별화된 허영의 여러 유형이 많은 웃음의 뿌리를 이루는데, 그중 일부는 지금 보아도 불편할 만큼 잔혹하고 조롱적이다. 초연 당시 다소 스캔들로 번진 반응을 지배했던 것은 이 작품의 ‘교양’이라기보다 ‘거칠음’이었다. 우리가 이 작품을 다시 보게 만들려면, 어떤 프로덕션이든 이러한 성질을 반드시 포착해야 한다.

참신함을 위해 무리하게 현대화하는 길을 택하지 않고, 대신 텍스트 깊숙이 파고들어 새롭고 설득력 있는 해답을 찾아낸 캐스트와 크리에이티브 팀의 용기는 크게 칭찬받아 마땅하다.

연출가 셀리나 캐델은 프로그램북에서 이렇게 쓴다. ‘오늘날 배우들은 내용 위에 정서를 “입히는” 데 매우 익숙해져 있고, 언어와의 관계는 훨씬 덜 견고해졌다. 따라서 복고(레스토레이션) 코미디에서 배우의 과제는, 인물이 언어를 통해서—오로지 언어만을 통해서—어떻게 존재하는지 찾아내는 것이다.’ 이들은 가짜 자연주의 대신, 마치 와일드의 ‘진지한 사람들을 위한 하찮은 코미디’가 이미 그 안에 들어 있는 것처럼, 인위 속에서 자연을 찾아내는 도전을 기꺼이 받아들인다. 배우들은 역할을 지극히 진지하게 수행하고, 그 덕분에 유머는 오히려 더 자연스럽고 더 커진다. 또한 셰리던이 정교하게 빚어낸 대사들을 서둘러 내뱉지 않음으로써, 텍스트에 딱 맞는 속도를 찾아냈다. 균형 잡힌 문장과 조건·완곡절이 차곡차곡 쌓이는 긴 문장을 타고 가는 일은, 부서지는 파도의 마루에서 균형을 잡는 서퍼 같은 기술을 요구한다…너무 뒤로 물러서면 관객을 놓치고, 문장을 허겁지겁 쏟아내면 펀치라인을 놓친다.

이 작품의 캐스트는 필요할 때는 충분히 시간을 들이고, 장면이 역동성과 신체적 상호작용을 요구할 때는 속도를 올리는 데 모두 모범적이었다. 페이지 위의 언어를 신뢰하고 그를 통해 캐릭터를 섬세하게 구축했기에, 플롯의 추진력이 느슨해지는 마지막 장면들에서 보상이 더욱 컸다. 그 정도로 디테일한 연기가 그 시점에서는 그 자체로 고유한 웃음을 만들어낸다. 배우들은, 접촉과 신체적 교류가 제한되고 형식적이던 시대에는, 섬세한 재치에서 대담한 음담패설까지 언어의 전 스펙트럼이 오늘날의 연극이라면 몸짓과 태도로 표현했을 감정·좌절·질투의 범위를 대신 수행해야 한다는 점을 정확히 알고 있었다. ‘네 번째 벽’을 자주 허물고 우리가 연극을 보고 있음을 상기시키는 것도—18세기 관객이 이 경험을 바라보던 방식 그대로—전혀 문제될 것이 없지만, 그러려면 언어를 절대적인 존중으로 다루고 사력을 다해 밀어붙여야 한다. 상상력의 가능성을 이렇게 확신에 차고, 또 진짜 ‘입체적으로’ 즐기며 전달하는 대사를 듣는 것은 드문 기쁨이었다.

이렇게 잘 다듬어진 캐스트에서 약한 고리는 없으며, 특정한 연기를 콕 집어 말하는 일은 결국 불공정할 수밖에 없다. 그럼에도 익숙한 텍스트를 새롭게 보게 만드는 기술적 역량 측면에서, 잭 앱솔루트를 연기한 이언 배철러와 그의 아버지 역의 니컬러스 르 프레보스트는 반드시 칭찬해야겠다. 르 프레보스트는 분노를 ‘낼 듯 말 듯’ 위협하다가 전혀 예상치 못한 순간에 터뜨리는 방식으로 코믹 타이밍의 교본을 보여줬고, 배철러는 캡틴 잭과 엔사인(소위) 베벌리라는 다층적 역할의 모든 면을 세련된 기지로 빈틈없이 채워냈다.

젬마 존스는 말라프로프 부인을 회색 실크와 분홍 튤로 부풀어 오른 퍼프볼처럼 보글보글 끓고 안달 내는 인물로 효과적으로 만들어냈고, 무엇보다 자신의 ‘창의적인 말장난’을 지나치게 강조하지 않은 점에서 높은 점수를 받고 마땅하다. ‘예의의 파인애플’은 단독 개그가 아니라 훌륭한 한 문단의 결말로 정확히 자리를 잡았다.

제니 레인스퍼드는 리디아를 우아하게 늘어뜨리되, 보통보다 한층 더 날카로움과 투지를 지닌 인물로 그려냈고, 저스틴 미첼은 온갖 일을 떠안는 줄리아를 조용하면서도 정확히 절제된 톤으로 빚어낸 모범적인 연기를 보여줬다. 애덤 잭슨-스미스는 포클랜드를 마치 존 클리즈처럼 연기했는데, 그 덕분에 지치도록 자기파괴적인 양심의 가책에 매달리는 이 인물을 이해하는 데 유용한 준거점이 생겼다.

아일랜드인과 ‘도시에 막 올라온’ 시골 농부라는 전형적 역할은 대본에서 덜 입체적으로 발전돼 있지만, 그날 밤에는 충분히 잘 소화됐다. 하인들 역시 개입과 코멘터리의 순간들을 모두 멋스럽게 챙겼다.

단 한 가지 트집을 잡자면 무대 운용에 있었다. 아르콜라는 형태가 까다로운 공간이라 장면들이 자연스럽게 이어지려면 매우 섬세한 핸들링이 필요하다(최근 캐러셀 프로덕션에서 훌륭하게 해낸 것처럼). 이번에는 장면 전환 사이의 ‘비즈니스’가 약간 많았다. 무대장치 이동(예: 야외 장면을 표시하기 위해 불필요한 항아리 오려내기 장치를 올렸다 내리는 것), 음악 인터루드, 반복 개그 등이 그 예다. 이렇게 긴 작품이고 대사 전달이 столь 정확했는데, 특히 구조적으로 약한 후반부에서 장면들이 더 매끈하게 흘러가지 못한 점은 아쉬웠다. 배스가 배경이긴 하지만, 배스를 ‘실제로’ 보여줄 필요는—적어도 그처럼 공들여—없다.

그럼에도 이 지적은 잠시 접어두면, 이번 프로덕션은 오래 사랑받아온 작품을 기억에 남고 생각거리 많은 방식으로 되짚어주는 무대이자, 현재 런던에서 손꼽히게 웃긴 극장 나들이 중 하나다. 제 ‘비문(墓碑銘)들의 뒤틀림’에 동의하지 않아도 좋다. 다만 놓치지만 마시길….