CRÍTICA: Os Rivais, Teatro Arcola ✭✭✭✭✭

Os Rivais

Arcola Theatre

16 de outubro de 2014

5 estrelas

Crítica — Tim Hochstrasser

As produções das duas grandes peças de Sheridan, The Rivals e The School for Scandal, parecem hoje menos frequentes — o que é uma grande pena, tendo em conta a magnífica amplitude de oportunidades que cada uma oferece para um trabalho cénico de alta qualidade, de todos os tipos, com elencos que cobrem todo o espectro etário e papéis de igual peso e espírito para homens e mulheres. Quando todas as peças de Wilde, até as menos conseguidas, voltam regularmente à cena, é intrigante que estas duas obras-primas, tão semelhantes nos seus desafios estilizados, sejam muito menos visíveis. Por isso, é particularmente bem-vinda a oportunidade de saudar uma excelente nova versão do primeiro grande êxito de Sheridan, ainda em cena por mais alguns dias no Arcola Theatre, em Dalston. Aproveite enquanto pode…

The Rivals não é uma peça perfeita. Falhou quando foi apresentada pela primeira vez em 1775 e, mesmo após cortes substanciais e reescritas, a segunda metade pode arrastar-se. Nessa altura, grande parte do enredo já foi desvendada e a atenção do público pode dispersar-se se o texto não for interpretado com ritmo e com uma boa dose de movimento e ação inventiva em palco. As produções também podem facilmente tornar-se demasiado confortáveis, tratando-a como um drama de época que serve de veículo para estrelas nos papéis de Mrs Malaprop, Sir Anthony Absolute e os dois pares de amantes, cujas manobras à volta um do outro — afastando-se e, por fim, aproximando-se — sustentam a ação principal. No entanto, deveria ser uma peça mais incisiva, que só no fim, e com alguma relutância, assenta num ritmo de arranjos matrimoniais.

Explosões constantes de raiva, frustração sexual, discriminação da cidade contra o campo e do inglês contra o irlandês, e hostilidades do filho contra o pai, do criado contra o patrão e a patroa atravessam cada cena como fios orientadores; e várias formas de vaidade marcada pelo género, tanto misóginas como misantrópicas, estão na raiz de grande parte do humor — por vezes ainda perturbadoramente cruel e trocista. Foi a crueza da peça, e não o seu requinte enquanto comédia de costumes, que dominou a sua receção original, algo escandalosa; qualquer produção precisa de captar estas qualidades se quiser que voltemos a olhar para a peça com outros olhos.

É muito mérito do elenco e da equipa criativa terem a coragem de resistir a uma atualização feita apenas em nome da novidade e, em vez disso, mergulharem fundo no texto em busca de respostas novas e convincentes.

A encenadora Selina Cadell escreve no programa que «os atores de hoje estão muito habituados a impor o estado de espírito ao conteúdo, sendo a sua relação com a linguagem bem menos segura. O desafio para o ator na Comédia da Restauração, portanto, é descobrir como a personagem existe através da linguagem — e apenas da linguagem». Em vez de um naturalismo falso, abraçam o desafio de encontrar natureza no artifício, como se já fosse a «comédia trivial para pessoas sérias» de Wilde. Os atores interpretam os seus papéis com absoluta seriedade, e o humor é tanto maior por isso. Além disso, encontram exatamente o ritmo certo para o texto ao não apressarem a dicção dos discursos lindamente construídos de Sheridan. Sustentar aquelas frases longas, com o seu acumular de orações que equilibram e qualificam, exige uma perícia semelhante à de um surfista na crista de uma onda a rebentar… se recuar demasiado, perde-se o público; se debitar as sequências, perde-se a piada.

Cada elemento do elenco foi exemplar ao tomar o tempo necessário quando era preciso e ao acelerar quando a cena exigia dinamismo e interação física. Ao confiar na linguagem da página e ao construir cuidadosamente as personagens através dela, as recompensas foram ainda maiores nas cenas finais, quando o impulso do enredo abranda: interpretações tão detalhadas acabam por gerar, nessa fase, um humor próprio. Cada ator percebeu que, numa época em que o toque e o contacto humano eram restringidos e formais, a linguagem, em todo o seu espectro — do humor fino à obscenidade atrevida — tinha de dar corpo às emoções, frustrações e ciúmes que, numa peça moderna, seriam indicados pela linguagem corporal. Era — e é — perfeitamente aceitável quebrar frequentemente a «quarta parede» e lembrar-nos de que estávamos numa peça, tal como um público do século XVIII vivia esta experiência; mas, para que isso funcione, a linguagem tem de ser tratada com total respeito e interpretada como se a vida dependesse disso. Foi um raro prazer ouvir um texto dito com tanta segurança e com um deleite verdadeiramente tridimensional das suas possibilidades imaginativas.

Não há elos fracos neste elenco afinadíssimo e é inevitavelmente injusto destacar interpretações específicas. Mas, pela perícia técnica com que nos fazem repensar um texto familiar, tenho de elogiar o Jack Absolute de Iain Batchelor e a interpretação de Nicholas Le Prevost como seu pai. Ao ameaçar com a raiva mas falhar em concretizá-la até ao momento em que menos se espera, Le Prevost deu uma aula-mestra de tempo cómico; e Batchelor preencheu todas as facetas do seu papel multifacetado como Captain Jack e Ensign Beverley com uma invenção cheia de classe.

Gemma Jones borbulhou e agitou-se com eficácia como Mrs Malaprop, uma bola fofa de seda cinzenta e tule cor-de-rosa, e merece crédito por NÃO sublinhar de forma demasiado óbvia o seu uso criativo da linguagem. «O ananás da polidez» surgiu no seu devido lugar, como culminar de um parágrafo maravilhoso, e não como piada isolada.

Jenny Rainsford repousou com elegância como Lydia, com mais mordida e combatividade do que é habitual neste papel, e Justine Mitchell foi um modelo de contenção silenciosa mas precisamente contida como a tão martirizada Julia. Adam Jackson-Smith interpretou Faulkland como se fosse John Cleese, o que nos deu um ponto de referência útil para os escrúpulos exasperantes e autossabotadores da personagem.

Os papéis-tipo do irlandês e do agricultor do campo recém-chegado à cidade estão menos desenvolvidos na escrita, mas foram bem assegurados nessa noite. Todos os criados agarraram os seus momentos de intervenção e comentário com panache.

Se tenho uma reserva, ela prende-se com a encenação. O Arcola é um espaço de formato complicado e exige um trabalho muito cuidadoso para que as cenas fluam facilmente umas para as outras (como foi tão bem conseguido na recente produção de Carousel). Aqui, houve um pouco de ação a mais entre cenas, quer na movimentação de cenários (por exemplo, um recorte desnecessário de uma urna que subia e descia para indicar uma cena ao ar livre), quer em interlúdios musicais ou em piadas recorrentes. Numa peça tão longa como esta e em que a dicção do texto estava tão certa, foi pena que as cenas não pudessem ter fluído de forma mais contínua — sobretudo na segunda metade, estruturalmente mais fraca. Embora esteja de facto passada em Bath, não precisamos de ver Bath em palco, ou pelo menos não de forma elaborada.

Ainda assim, deixando isso de lado, esta produção é uma abordagem memorável e estimulante a um velho favorito — e uma das noites mais divertidas no teatro, por estes dias, na cidade. Não tem de concordar com o meu «desarranjo de epitáfios», mas não a perca…