CRITIQUE : Les Rivaux, Théâtre Arcola ✭✭✭✭✭

Les Rivaux

Théâtre Arcola

16 octobre 2014

5 étoiles

Critique - Tim Hochstrasser

Les productions des deux grandes pièces de Sheridan, Les Rivaux et L'École de la médisance, semblent moins fréquentes ces jours-ci, ce qui est bien dommage étant donné l'éventail merveilleux d'opportunités que chaque pièce offre pour des mises en scène de haute qualité de toutes sortes pour des acteurs couvrant tout le spectre des âges, avec des rôles de poids et d'esprit égaux pour les hommes et les femmes. Alors que toutes les pièces de Wilde, même les moins bonnes, sont régulièrement représentées, il est déroutant que ces deux chefs-d'œuvre, si similaires dans leurs défis stylisés, soient beaucoup moins visibles. Il est donc très appréciable d'avoir l'occasion de saluer une nouvelle version très réussie du premier grand succès de Sheridan, encore jouée pour quelques jours de plus au Théâtre Arcola, Dalston. Ne la manquez pas tant que vous le pouvez…

Les Rivaux n'est pas une pièce parfaite. Elle a fait un flop lors de sa première production en 1775, et même après des coupes et réécritures substantielles, la seconde moitié peut traîner. Une grande partie de l'intrigue a été démêlée à ce moment-là, et l'attention du public peut se détourner si le texte n'est pas joué avec rythme, et beaucoup de mouvement de scène inventif et d'animation. Les productions peuvent également être trop confortables, les traitant comme un drame en costumes offrant un véhicule pour les vedettes jouant Mme Malaprop, Sir Anthony Absolute, et les deux couples dont les manœuvres autour, loin et finalement l'un vers l'autre constituent l'activité principale. Pourtant, elle devrait être une pièce audacieuse qui ne se fond finalement et à contrecœur dans un rythme de matchmaking.

Des éruptions constantes de colère, de frustration sexuelle, de discrimination ville contre campagne et Anglais contre Irlandais, et des hostilités entre fils et père, serviteur contre maître et maîtresse, servent de fil conducteur à chaque scène; et diverses catégories de vanité genrée, tant misogyne que misanthropique, constituent la racine de beaucoup d'humour, dont une partie est encore cruellement dérangeante et moqueuse. C'est la crudité de la pièce, non pas son raffinement comme comédie de mœurs, qui a dominé sa réception originale quelque peu scandaleuse; toute production doit capturer ces qualités si elle veut nous faire regarder la pièce à nouveau.

C'est beaucoup au crédit de la distribution et de l'équipe créative qu'ils ont eu le courage de résister à la modernisation de la pièce pour le simple plaisir de la nouveauté et au lieu de cela d'explorer profondément le texte pour trouver de nouvelles réponses convaincantes.

La réalisatrice Selina Cadell écrit dans le programme que « les acteurs d'aujourd'hui sont très habitués à imposer l'humeur au contenu, leur relation avec le langage étant bien moins sûre. Le défi pour l'acteur dans la comédie de la Restauration est donc de découvrir comment le personnage existe à travers le langage et le langage uniquement. » Au lieu d'un naturalisme fallacieux, ils relèvent le défi de trouver la nature dans l'artifice comme si c'était déjà la « comédie triviale pour des gens sérieux » de Wilde. Les acteurs jouent leurs rôles avec un sérieux mortel et l'humour est naturellement d'autant plus grand. De plus, ils trouvent exactement le bon rythme pour le texte en ne précipitant pas la livraison des discours magistralement conçus de Sheridan. Monter ces longues phrases, avec leur accumulation de clauses équilibrantes et qualificatives, requiert une habileté comme celle d'un surfeur sur le sommet d'une vague déferlante… retenez-vous trop et vous perdez le public; marmonnez les séquences et vous ratez la pointe de l'humour.

Chacun des acteurs ici était exemplaire en prenant son temps quand il le fallait et en avançant dans le rythme lorsque la scène exigeait dynamisme et interaction physique. En faisant confiance au langage sur la page et en développant soigneusement le caractère à travers celui-ci, les gains étaient d'autant plus grands dans les scènes finales lorsque l'élan de l'intrigue se ralentit: de telles performances détaillées apportent leur propre humour à ce stade. Chaque acteur a réalisé qu'à une époque où le toucher et le contact humain étaient restreints et formels, le langage avec son spectre complet allant de l'esprit délicat à la gaillardise audacieuse doit exprimer la gamme des émotions, frustrations et jalousies qui dans une pièce moderne seraient indiquées par le langage corporel. Il est et était parfaitement acceptable de briser fréquemment le « quatrième mur » et de nous rappeler que nous étions dans une pièce, ce que le public du XVIIIe siècle voyait comme une expérience, mais pour que cela fonctionne le langage doit être traité avec un respect total et joué avec une intense vie. C'était un plaisir rare d'entendre le texte livré avec une telle assurance et un pur plaisir tridimensionnel de ses possibilités imaginatives.

Il n'y a pas de maillon faible dans cette distribution finement aiguisée et il est inévitablement injuste de distinguer certaines performances. Mais pour leur habileté technique à nous faire réfléchir à nouveau sur un texte familier, je dois louer Iain Batchelor pour Jack Absolute et la performance de Nicholas Le Prevost dans le rôle de son père. En menaçant la colère mais échouant à la livrer jusqu'au moment où vous ne l'attendez pas, Le Prevost a donné une leçon magistrale de timing comique; et Batchelor a rempli chaque aspect de son rôle polyvalent en tant que capitaine Jack et enseigne Beverley avec une invention débonnaire.

Gemma Jones a fait bouillonner et s'agiter efficacement dans le rôle de Mme Malaprop, un nuage de soie grise et de tulle rose, et mérite des éloges pour NE PAS avoir signalé trop évidemment son utilisation créative du langage. « L'ananas de la politesse » a trouvé sa place en tant que point culminant d'un merveilleux paragraphe et non comme une blague isolée.

Jenny Rainsford a langui élégamment dans le rôle de Lydia avec plus de mordant et de combativité que d'habitude, et Justine Mitchell était un modèle de retenue discrète pourtant précise dans le rôle de la Julia, très mise à mal. Adam Jackson-Smith a joué Faulkland comme s'il était John Cleese, ce qui nous a donné un point de référence utile pour les scrupules auto-sabotants et ennuyeux du personnage.

Les rôles stéréotypés de l'Irlandais et du fermier nouveau en ville sont moins bien développés dans l'écriture, mais ont été bien pris en main le soir. Tous les serviteurs ont pris leur moment d'intervention et de commentaire avec panache.

Si j'avais une critique alors elle concernerait la mise en scène. L'Arcola est un espace de forme étrange, et exige une manipulation très soigneuse si les scènes doivent se dérouler facilement les unes dans les autres (comme cela a été fait si bien dans la récente production de Carousel). Ici, il y avait un peu trop d'affaires entre les scènes, que ce soit en déplaçant les décors (par exemple, un découpage inutile d'une urne soulevée et abaissée pour indiquer une scène extérieure), ou dans les intermèdes musicaux ou les blagues récurrentes. Dans une pièce aussi longue que celle-ci et où la livraison du langage était si correcte, il était dommage que les scènes n'aient pas pu se dérouler de manière plus fluide, surtout dans la seconde moitié structurellement plus faible. Bien qu'elle soit située à Bath en fait, nous n'avons pas besoin de voir Bath effectivement, ou du moins pas dans une mesure élaborée.

Cependant, ce point mis à part, cette production est une approche mémorable et stimulante d'un vieux favori et une des soirées les plus drôles actuellement à Londres. Vous n'avez pas à être d'accord avec mon 'dérangement des épitaphes', ne la manquez pas simplement….