समीक्षा: द राइवल्स, अकोला थियेटर ✭✭✭✭✭

द राइवल्स

आर्कोला थिएटर

16 अक्टूबर 2014

5 स्टार्स

समीक्षक - टिम होखस्ट्रासर

शेरिडन के दो महान नाटकों—द राइवल्स और द स्कूल फ़ॉर स्कैंडल—की प्रस्तुतियाँ आजकल कुछ कम ही देखने को मिलती हैं, जो वाकई अफ़सोस की बात है, क्योंकि दोनों ही नाटक हर तरह की उम्दा मंच-कला के लिए शानदार अवसर देते हैं—पूरे आयु-वर्ग को समेटने वाले कलाकारों के लिए, और पुरुषों व महिलाओं, दोनों को बराबर वज़न और चतुराई वाले किरदारों के साथ। जब वाइल्ड के सभी नाटक, यहाँ तक कि उनके कमज़ोर माने जाने वाले भी, नियमित रूप से मंचित होते रहते हैं, तो हैरानी होती है कि ये दो उत्कृष्ट कृतियाँ—जिनकी शैलीगत चुनौतियाँ भी काफ़ी मिलती-जुलती हैं—कहीं कम दिखाई देती हैं। इसलिए शेरिडन की पहली बड़ी सफलता के इस बेहद उम्दा नए संस्करण को सलाम करने का मौका मिलना बहुत सुखद है, जो डैल्स्टन के आर्कोला थिएटर में अभी कुछ दिनों और चल रहा है। मौका हो तो ज़रूर देखिए… जब तक देख सकते हैं।

द राइवल्स कोई परफेक्ट नाटक नहीं है। 1775 में जब इसे पहली बार प्रस्तुत किया गया था तो यह असफल रहा, और बाद में काफ़ी कटौती और पुनर्लेखन के बाद भी इसका दूसरा हिस्सा कुछ खिंच सकता है। उस समय तक कथानक का बड़ा हिस्सा खुल चुका होता है, और यदि संवादों को सही रफ्तार के साथ, तथा मंच पर पर्याप्त कल्पनाशील गतिशीलता और ‘बिज़नेस’ के साथ न खेला जाए, तो दर्शकों का ध्यान भटक सकता है। प्रस्तुतियाँ आसानी से ज़रूरत से ज़्यादा आरामदेह भी हो सकती हैं—इसे महज़ एक कॉस्ट्यूम-ड्रामा मानते हुए, जो मिसेज़ मलाप्रॉप, सर एंथनी एब्सल्यूट, और उन दो जोड़ों के लिए ‘स्टार व्हीकल’ बन जाए जिनकी एक-दूसरे के इर्द-गिर्द, दूर और आखिरकार पास आने की चालें ही मुख्य कार्रवाई हैं। जबकि यह एक तीखा नाटक होना चाहिए, जो अंत में ही—और वह भी कुछ अनिच्छा से—मेल-मिलाप की लय में टिकता है।

गुस्से के लगातार विस्फोट, यौन कुंठा, शहर बनाम देहात और अंग्रेज़ बनाम आयरिश का भेदभाव, तथा बेटे बनाम पिता, नौकर बनाम मालिक और मालकिन की शत्रुताएँ—ये सब हर दृश्य में मार्गदर्शक धागों की तरह चलते हैं; और लिंग-आधारित घमंड की तरह-तरह की किस्में—कुछ स्त्रीद्वेषी, कुछ मानवद्वेषी—काफ़ी हद तक हास्य की जड़ बनती हैं, जिसका कुछ हिस्सा आज भी असहज रूप से क्रूर और उपहासपूर्ण लगता है। नाटक के मूल (कुछ हद तक स्कैंडल-भरे) स्वागत में इसकी ‘सभ्य’ कॉमेडी ऑफ मैनर्स वाली नफ़ासत से ज़्यादा इसकी खुरदुरापन हावी था; किसी भी प्रस्तुति को, अगर हमें इस नाटक को नए सिरे से देखने पर मजबूर करना है, तो इन गुणों को पकड़ना होगा।

यह कलाकारों और रचनात्मक टीम की बड़ी उपलब्धि है कि उन्होंने सिर्फ़ नयापन दिखाने के लिए नाटक को ‘अपडेट’ करने के लालच का साहसपूर्वक विरोध किया, और इसके बजाय पाठ में गहराई से उतरकर नए और ठोस जवाब तलाशे।

निर्देशक सेलिना कैडेल कार्यक्रम-पुस्तिका में लिखती हैं कि ‘आज के अभिनेता अक्सर विषय-वस्तु पर मूड थोपने के आदी हैं, भाषा के साथ उनका रिश्ता कम सुरक्षित होता है। इसलिए रेस्टोरेशन कॉमेडी में अभिनेता की चुनौती यह है कि वह समझे कि चरित्र भाषा के ज़रिए—और सिर्फ़ भाषा के ज़रिए—कैसे अस्तित्व में आता है।’ बनावटी नैचुरलिज़्म के बजाय वे इस चुनौती को अपनाते हैं कि कृत्रिमता में ही प्रकृति को खोजा जाए—मानो यह पहले से ही वाइल्ड की ‘गंभीर लोगों के लिए तुच्छ कॉमेडी’ हो। कलाकार अपने किरदारों को पूरी संजीदगी से निभाते हैं, और इसी से हास्य स्वाभाविक रूप से और भी गहरा हो जाता है। साथ ही वे शेरिडन के खूबसूरती से गढ़े गए भाषणों को हड़बड़ी में न परोसकर पाठ के लिए बिल्कुल सही रफ्तार पकड़ते हैं। उन लंबे वाक्यों पर सवार होना—जिनमें संतुलन और शर्तिया उपवाक्यों की परत-दर-परत जमावट होती है—किसी सर्फ़र की तरह कौशल मांगता है जो टूटती लहर की चोटी पर चलता है… बहुत पीछे रुकेंगे तो दर्शक हाथ से निकल जाएँगे; और अगर वाक्यों को रटपटाकर उगल देंगे तो पंचलाइन चूक जाएगी।

यहाँ कलाकारों ने जहाँ ज़रूरत थी वहाँ समय लेने में और जहाँ दृश्य को गति व शारीरिक इंटरैक्शन चाहिए था वहाँ रफ्तार बढ़ाने में मिसाल कायम की। पन्ने पर मौजूद भाषा पर भरोसा करके और उसी के ज़रिए चरित्र को सावधानी से विकसित करके—अंतिम दृश्यों में, जब कथानक की चाल ढीली पड़ती है, उसका लाभ कई गुना मिलता है: इस स्तर पर इतनी बारीक अभिनय-धाराएँ अपने आप में एक अलग किस्म का हास्य रच देती हैं। हर अभिनेता ने समझा कि उस दौर में, जब स्पर्श और मानवीय संपर्क सीमित और औपचारिक थे, भाषा को—नाज़ुक चुटीलेपन से लेकर बेधड़क अश्लीलता तक—भावनाओं, कुंठाओं और ईर्ष्याओं की पूरी रेंज निभानी पड़ती है, जिन्हें आज के नाटक में अक्सर देह-भाषा से जताया जाता। ‘फोर्थ वॉल’ को बार-बार तोड़कर हमें यह याद दिलाना कि हम एक नाटक देख रहे हैं, बिल्कुल स्वीकार्य था—और अठारहवीं सदी के दर्शक भी अनुभव को कुछ इसी तरह देखते थे—लेकिन इसके कामयाब होने के लिए भाषा के साथ परम सम्मान से पेश आना और उसे पूरी जान लगाकर खेलना ज़रूरी है। इतनी आत्मविश्वास भरी और कल्पनाशील संभावनाओं का सचमुच त्रि-आयामी आनंद लेते हुए प्रस्तुत की गई टेक्स्ट-डिलिवरी सुनना एक दुर्लभ सुख था।

इस सधे हुए कलाकार-दल में कोई भी कड़ी कमज़ोर नहीं, और किसी खास अभिनय को अलग से उभारना स्वभावतः कुछ हद तक नाइंसाफ़ी है। लेकिन परिचित पाठ को नए सिरे से सोचने पर मजबूर करने वाली उनकी तकनीकी कुशलता के लिए, मैं इयान बैचलर के जैक एब्सल्यूट और निकोलस ले प्रेवोस्ट के उनके पिता वाले प्रदर्शन की विशेष प्रशंसा करना चाहूँगा। गुस्से की धमकी देकर भी उसे उस पल तक न उतारना जब आप उम्मीद नहीं करते—ले प्रेवोस्ट ने कॉमिक टाइमिंग की एक मास्टरक्लास दी; और बैचलर ने कैप्टन जैक और एन्साइन बेवर्ली—अपने बहु-आयामी किरदार—के हर पहलू को नफासत भरी कल्पनाशीलता से भर दिया।

जेम्मा जोन्स ने मिसेज़ मलाप्रॉप के रूप में खूब झाग-सा उछाल और प्रभावी घबराहट रची—धूसर रेशम और गुलाबी ट्यूल की एक फूली-फूली ‘पफबॉल’—और यह श्रेय भी उन्हें जाता है कि उन्होंने भाषा के साथ अपनी रचनात्मक क्रीड़ा को जरूरत से ज़्यादा ‘हाइलाइट’ नहीं किया। ‘शिष्टाचार का अनानास’ (The pineapple of politeness) एक अकेले मज़ाक की तरह नहीं, बल्कि एक शानदार पैराग्राफ के चरम-बिंदु के रूप में अपनी जगह पर पहुँचा।

जेनी रेनसफ़ोर्ड ने लिडिया के रूप में सुरुचिपूर्ण ढंग से आलस भरा ठहराव रचा, लेकिन इस भूमिका में आम तौर पर जितनी धार नहीं होती, उससे अधिक काट और संघर्ष भी दिखाया; और जस्टीन मिचेल ने बेचारी-जूलिया के रूप में शांत, लेकिन बेहद सटीक और संयत सादगी का आदर्श प्रस्तुत किया। एडम जैक्सन-स्मिथ ने फॉकलैंड को मानो जॉन क्लीज़ की तरह खेला, जिससे चरित्र की थकाऊ आत्म-विघातक हिचकिचाहटों के लिए हमें एक उपयोगी संदर्भ-बिंदु मिल गया।

आयरिशमैन और शहर में नए-नए आए देहाती किसान जैसे पारंपरिक किरदार लेखन में उतने विकसित नहीं हैं, लेकिन उस शाम उन्हें अच्छी तरह साधा गया। सभी नौकर-चरित्रों ने अपने हस्तक्षेप और टिप्पणी के क्षणों को पूरे पैनाश के साथ पकड़ा।

अगर मेरी कोई आपत्ति रही, तो वह मंच-सज्जा (स्टेजिंग) को लेकर थी। आर्कोला की जगह का आकार थोड़ा अटपटा है, और दृश्यों को एक-दूसरे में सहजता से बहने देने के लिए बहुत सावधान हैंडलिंग चाहिए (जैसा हाल की कैरोसेल प्रस्तुति में इतना अच्छा किया गया था)। यहाँ दृश्यों के बीच थोड़ा ज़्यादा ‘बिज़नेस’ था—चाहे सेट को खिसकाने में (जैसे बाहरी दृश्य बताने के लिए एक कलश का अनावश्यक कट-आउट ऊपर-नीचे करना), या फिर संगीतात्मक इंटरल्यूड और बार-बार लौटते ‘रनिंग गैग्स’ में। इतने लंबे नाटक में, जहाँ भाषा की अदायगी इतनी सही थी, यह अफ़सोस की बात थी कि दृश्य और भी बेधड़क तरीके से, खासकर संरचनात्मक रूप से कमजोर दूसरे हिस्से में, एक-दूसरे में घुल नहीं पाए। वैसे यह बाथ में सेट है, पर सच कहें तो हमें बाथ को ‘दिखाने’ की जरूरत नहीं—कम-से-कम किसी भव्य विस्तार के साथ तो बिल्कुल नहीं।

फिर भी, इस बिंदु को अलग रख दें तो यह प्रस्तुति एक पुराने चहेते नाटक पर यादगार और सोचने पर मजबूर करने वाला दृष्टिकोण है—और फिलहाल शहर में थिएटर की सबसे मज़ेदार शामों में से एक। आपको मेरी ‘एपिटाफ़्स की विकृति’ (derangement of epitaphs) से सहमत होने की ज़रूरत नहीं—बस इसे मिस मत कीजिए….