Rezension: Tick Tick BOOM! im Park Theatre ✭✭✭✭

Gillian Saker und Chris Jenkins in Tick Tick BOOM! Tick Tick BOOM!

Park Theatre 90

8. Mai 2017

4 Sterne

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Bronagh Lagan, Regisseurin an Finsbury Parks wunderbarem neuen Kunst-Hotspot, legt mit dieser formschönen Wiederbelebung von Jonathan Larsons „Trockenlauf“ für sein epochales, ikonisches Mega-Musical „Rent“ erneut eindrucksvoll nach – und wird zunehmend zu einer der innovativsten und klügsten Regisseurinnen des Landes.  Tatsächlich ist sie dem Spiel oft so weit voraus, dass wir ihr in gewisser Weise hinterherlaufen, während ihre eigene Fantasie längst weiterstürmt und neue Formen der Reaktion hervorbringt.  Ich habe sie erstmals im winzigen Tristan Bates Theatre wahrgenommen, wo sie mit einer auffälligen Inszenierung von Tim Connors und Susannah Pearses „The Stationmaster“ für Aufsehen sorgte.  Kaum hatte ich das verdaut, bahnte sie sich im großen Saal des Southwark Playhouse mit einem entschlossenen, meisterhaften „Promises, Promises“ ihren Weg – eine Produktion von solcher Brillanz, dass mir erst jetzt vollständig klar wird, wie sorgfältig durchdacht und wie wirksam sie war.  Damals wusste ich es nicht, aber Monate nach dem Absetzen sehe ich ihre Arrangements und Figurenkonstellationen noch immer vor mir, kann ihren Bewegungen folgen, ihre Worte hören, ihre Gesichtsausdrücke sehen und – vor allem – wieder spüren, wie es war, als Zuschauer*in im Theater zu sitzen und das Ereignis dieser Präsentation zu erleben.  Nicht alle Regisseur*innen besitzen diese außergewöhnliche Fähigkeit, beim Publikum so „nachzuhallen“, die Beziehung zwischen ihnen, ihren akribisch zusammengestellten Ensembles und aufwendig gebauten Produktionen fortzusetzen – über die angesetzte Laufzeit hinaus und hinein in das Nachleben, das beginnt, wenn eine Produktion bereits geschlossen hat.  Ich glaube, Lagan könnte eine dieser bemerkenswerten Regisseurinnen sein.

Jordan Shaw, Gillian Saker und Chris Jenkins in Tick Tick BOOM.

Wenn dem so ist, gebührt auch Katy Lipson von Aria Entertainments große Anerkennung, deren Protegé Lagan ist – und die nun gemeinsam mit Joe C Brown die Leitung dieser schmucken, feinen Version des liebenswerten Drei-Personen-Stücks übernommen hat, das aus Larsons eigenem pointierten Softrock-Monolog hervorgegangen ist: Hier testet er viele der Ideen, Tropen und Gesten, die später in der deutlich größeren, ausgreifenderen und vollständig realisierten Modernisierung von „La Bohème“ zu vollem Leben erwachen sollten.  Fürs Produzieren an dieser Adresse zum ersten Mal hat das Team im kleineren Aufführungsraum reizvolle Besetzungen für das Trio gewonnen: Chris Jenkins, der hier vor einiger Zeit mit „The Burnt Part Boys“ so einschlug, kehrt als Stellvertreter für Larson zurück – als Jonathan, der darum ringt, das Great American Musical in Gestalt seines (vermutlich kaum spielbaren) „Superbia“ zu schreiben; und als seine sympathischen Sidekicks erleben wir Gillian Saker, die mit makellosen Sprechtheater-Referenzen als Susan kommt, sowie Jordan Shaw, der als Michael West-End-Glanz mitbringt.  Alle drei schlüpfen zudem in eine ganze Reihe kleinerer Rollen, teils auch im Wechsel, was dem Stück eine spielerische, improvisatorische Note verleiht.

Chris Jenkins in Tick Tick BOOM!

Ihre Darbietungen sind voller Liebe, Zärtlichkeit, Witz und sanftem, ironisch selbstrelativierendem und zugleich leidenschaftlich selbstbezogenem Humor.  Es sind Leistungen, die aus dem Inneren der Figuren heraus entstehen und sich nach außen zu uns hin entfalten.  Ich bin sicher, dass sie im Lauf der Spielzeit noch weiter reifen werden.  Technisch gibt es vielleicht ein, zwei kleine Holprigkeiten zu überwinden – insbesondere bei der Verständlichkeit (und ich bin zuversichtlich, dass Jamie Woods diese Fragen in seinem Sounddesign lösen wird): Die Band ist verstärkt, aber – zumindest an der Presse-Premiere – klangen die Darsteller*innen nicht so, als wären sie es.

Der Text selbst ist vordergründig eine eher geradlinige „Backstage-Story“ nach dem Muster „Und dann schrieb ich …“, bekommt hier jedoch ein massiv postmodernes Make-over.  Die Songs bieten eher revueartige Vielfalt als die Konventionen eines klassischen Book-Musicals.  Die kleine Live-Band (prächtig betreut vom musikalischen Leiter und Larson-Kenner Gareth Bretherton) scheint tatsächlich „in den Wänden“ seines winzigen New Yorker Apartments zu spielen.  Und das Mobiliar in Nik Corralls collageartigem Bühnenbild lässt sich schieben und ziehen, um eine erstaunliche Bandbreite an Räumen und Umgebungen zu schaffen – ebenso wie Stimmungen und Rahmen für die einzelnen „Nummern“, die die Szenen der Geschichte bilden.  Ben M Rogers beleuchtet das Ganze mit sparsamer Aufmerksamkeit für schräge und bizarre Details – von aufblitzendem Broadway-Glamour bis zu winzigen, flackernden, Puccini-esken Kerzenflämmchen.  Die industrielle Atmosphäre setzt sich fort im intermittierenden Summen der Klimaanlage oder im Ausstoßen künstlicher Rauchschwaden.  Diese stark urbanisierte Welt verweist sowohl auf die Zentralität als auch auf die Flüchtigkeit des menschlichen Verkehrs auf den Straßen und in den Wohnzimmern, Diners, Büros und Autos von Larsonland.  Philip Michael Thomas sorgt für nahtlose Übergänge in eine Bewegungssprache, die interessant und idiomatisch ist.

Chris Jenkins, Jordan Shaw, Gillian Saker in Tick Tick BOOM!

Lagan erschafft das Musical als Schauspiel neu.  Sie nähert sich dem Text nicht als Handbuch für leichtes Spektakel, schnelle Lacher und vorhersehbare Rührung, sondern als Herausforderung, ihren – und damit den – Verstand des Publikums zu aktivieren.  Sie nimmt ein nicht nur bekanntes, sondern nahezu legendäres Werk auf und scheint uns zuzurufen: „Ihr glaubt, ihr kennt das … aber tut ihr das wirklich?“  Und mir ist gerade aufgegangen, dass sie in „Promises, Promises“ und „The Stationmaster“ ganz ähnlich verfahren ist – und ich bin froh über diese Erkenntnis.  Der Effekt ist, dass die Show ordentlich zuschlägt: Man wird fortwährend aus jeder Bequemlichkeit herausgestoßen und dazu gezwungen, jeder Äußerung dieser kostbaren, wunderbaren Menschen – die wie Luftspiegelungen vor unseren Augen schimmern, in all ihrer menschlichen Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit – oh so genau und intensiv zuzuhören.  Es ist eine ungewöhnliche Art von „Einbindung“, bei der das Publikum metaphorisch am Rand steht, wirklich etwas Dauerhaftes und Bedeutendes über sie zu entdecken, während es zugleich stets spürt, wie das Bild dieser Offenbarung immer weiter entgleitet – schärfer und klarer werdend, während es sich gleichzeitig entfernt und schwerer zu fassen ist.  Für eine Show, die tatsächlich eine Art Probe für das sehr viel größere und ausgearbeitete „Rent“ ist, ist dieser Ansatz genau richtig.  Sie mag wild zusammengebaut sein, mit Szenen, die nacheinander in Stilen geschrieben sind, die stark voneinander abweichen – sodass es mitunter unmöglich ist, irgendeine Kohärenz in Ton, Absicht, Zweck und Haltung zu erkennen.  Dennoch freue ich mich, sagen zu können, dass ich bereits gebucht habe, später in der Laufzeit zurückzukehren und mich noch einmal mit ihr und ihren faszinierenden ästhetischen Rätseln zu beschäftigen.  Es ist die Art von Produktion, die solche Aufmerksamkeit belohnt.

Fotos: Claire Billyard

Bis 27. Mai 2017

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