KRITIK: Two, Above The Arts ✭✭✭✭

Foto: Piers Foley Photography TWO

Shrapnel Theatre im Above the Arts

4 Sterne

London hat viele Pub-Theater, in denen derzeit allerlei hervorragende Arbeiten – alte wie neue – zu sehen sind; doch das Studio-Theater Above the Arts, gleich um die Ecke vom Leicester Square, ist vermutlich das einzige Pub-Theater, in dem momentan Bar, Sitze und Gäste zugleich die realistische Kulisse für das Stück selbst bilden. Als ich ankam, schaute ich mich um: Die Stühle waren um eine halb freigeräumte Fläche vor der Bar gruppiert, und ich fragte den Barmann, wo ich am besten sitzen solle. Er zuckte mit den Schultern und sagte: „Egal wo – Sie sind mitten im Geschehen.“ Und genau so war es: fesselnd.

TWO wurde vor rund fünfundzwanzig Jahren erstmals am Young Vic gespielt und gehörte zu Jim Cartwrights frühen Erfolgen. Es ist ein temporeiches, virtuoses Zwei-Personen-Stück, in dem die Darsteller zunächst hinter der Bar als Wirt und Wirtin eines Pubs in Nordengland beginnen, bevor sie sich im Laufe eines ereignisreichen Abends immer wieder in Echtzeit neu erfinden – als eine Abfolge von zwölf Gästen. Was wir sehen, sind im Kern mehrere Charakterminiaturen, in denen Stimmung und Ton rasch wechseln; mal sind es Monologe, mal Dialoge zwischen Paaren. Dazwischen treten die Wirtsleute immer wieder auf, während ihre eigene Beziehung zunehmend zerrüttet – bis ein abschließendes Duett der beiden zur Sperrstunde auf berührende Weise vieles entwirrt, was zuvor nur schräg angedeutet und impliziert war.

Ich fragte mich im Vorfeld, ob dem Stück sein Alter anzumerken sein könnte – doch in dieser Aufführung wirkte die Qualität des Textes erstaunlich frisch und rechtfertigte die Auszeichnungen von vor einem Vierteljahrhundert mehr als genug. Wie beim zeitgenössischen „My Night with Reg“ sind es der lebendige, trocken-ironische Humor, die ökonomische Figurenzeichnung und der schmerzhaft treffende Dialog, die sofort Aufmerksamkeit verlangen. Die gegensätzlichen menschlichen Dramen, die hier mit sicherer, leichter Hand skizziert werden, besitzen eine Überzeugungskraft, die es völlig unerheblich macht, dass es keine Handys gibt – und dass in keinem Pub, den ich kenne, seit sehr langer Zeit jemand einen Double Drambuie bestellt hat. In Textur und Ton erinnert die Dramaturgie an zwei Autoren, die an der Oberfläche verschieden wirken, darunter jedoch nah beieinander liegen: Terence Davies und Terence Rattigan. Das Stück hat Szenen, die die hart erarbeitete Solidarität einer Gemeinschaft und den rauen, schneidenden häuslichen Kleinkrieg evozieren, wie man ihn bei Davies findet; zugleich bietet es Studien erschöpfter Einsamkeit, die in stoische Verzweiflung und Ausweglosigkeit kippt – ganz und gar würdig des Rattigan von „Separate Tables“, dem das Stück auch formal verpflichtet ist. Viele der Qualitäten, die Cartwrights spätere Arbeiten ausgezeichnet haben, sind hier bereits voll ausgeprägt.

Doch der eigentliche Erfolg des Abends hängt ebenso sehr von den beiden Darstellenden ab – als Einzelkünstler wie als Duo. Ihre Leistungen verlangen zahlreiche rasche Wechsel von Kostüm, Haltung und Akzent für das Ensemble der dargestellten Stammgäste, während sie zugleich die simmernde Feindseligkeit und die grundlegende Einsamkeit des Paares im Zentrum sorgfältig aufbauen müssen. 1990 feierten zwei bekannte Schauspieler aus Brookside in der Uraufführung großen Erfolg; vergleichbaren Lorbeer verdienen diesmal Jamie Shelton und Chelsea Halfpenny, beide aus Emmerdale, die die technischen wie emotionalen Herausforderungen mit seltener Könnerschaft und Eleganz meistern. Als die zwölf Figuren beziehen sie das Publikum überzeugend ein (als wären wir die anderen Gäste im Pub) und bewohnen die unterschiedlichen Persönlichkeiten mit klar unterscheidbaren Akzenten, Manierismen und Körpersprache. Bei nur minimalen Änderungen von Kostüm, Frisur und Make-up hängt alles am Handwerk der Darstellenden – und in dieser Hinsicht triumphieren sie. Als zentrales Paar sammeln sie in ihren Spielen sorgfältig Details an, sodass die Enthüllung in der Schlusszene, weshalb sie entfremdet sind, umso stärker einschlägt und das Publikum ohne jeden Anflug von Manipulation trifft.

Es ist unerquicklich, aus dieser durchgehend ausgezeichneten Porträtgalerie einzelne Cameos herauszugreifen – doch am nachhaltigsten beeindruckten mich zwei Charakterisierungen: einmal schmerzhafter Selbsthass, einmal tyrannische Grausamkeit. Halfpennys Darstellung einer betrunkenen und verzweifelten Geliebten, die ihren Liebhaber und dessen Frau im Pub zur Rede stellen will, hatte echte Tiefe. Sie traf wunderbar die demütigenden Schattenzonen, in denen eine Frau lebt, die niemals die Ehefrau sein wird – gezwungen, trotz allem stets an die Bedürfnisse anderer zu denken. Und bei Shelton kam sein vielleicht stärkster Moment des Abends in der undankbaren Rolle eines obsessiven, unsicheren, schikanierenden, letztlich übergriffigen Ehemanns, der entschlossen ist, an jedem Wort und jeder Handlung seiner Frau etwas auszusetzen. Diese Szene hatte Bedrohung und Realismus und führte zu einer jener Pausen konzentrierter Stille, in denen man spürt, dass ein Publikum vollständig bei Figur und Handlung ist.

Eine kleine Einschränkung hatte ich bei der Gestaltung der Schlusszene. Sie liefert eine kraftvolle Coda, in der Autor und Darstellende mit voller Kraft arbeiten und die feinen Schattierungen und Nuancen der früheren Teile beiseitelegen müssen. Ohne den Handlungsverlauf zu verraten, genügt vielleicht der Hinweis, dass der Ton des Textes plötzlich in jene ausweidende Konflikt-Schärfe zwischen Paaren kippt, wie man sie von Edward Albee kennt. Ensemble und Regie (Darren RL Gordon) entschieden sich, das Material deutlich langsamer zu spielen als die vorhergehenden naturalistischen Dialoge zwischen den beiden Hauptfiguren; dadurch wirkte die Szene – gerade in den langen Pausen – beinahe opernhaft. Das verlieh dem Streit sowie den Gründen ihrer eiternden Antipathie zusätzliches Gewicht und Bedeutung, dennoch empfand ich es als Fehler. Der Dialog hätte noch mehr Schockwirkung und Wucht entfaltet, wenn er ohne dieses bewusste Spielen auf Gravitas zur stoischen Schlussfolgerung gejagt wäre; und er hätte sich dennoch tonally von den leichteren, flinken früheren Abschnitten abgesetzt. Musikalisch gesprochen ist dieses Stück eigentlich ein Thema mit einer Folge reizvoll kontrastierter Variationen – und die Schlusszene sollte zu dieser Gesamtstruktur im Verhältnis bleiben.

Am Ende ist TWO ein sehr gelungener Theaterabend, der in seinen achtzig Minuten nur so vorbeifliegt und einen voller Bewunderung zurücklässt: für einen so detailreichen Aufbau von Erzählung und Figur mit seltener Ökonomie der Mittel und einer breiten emotionalen Palette. Diese Wiederaufnahme ist vollauf verdient und auf jeder Ebene reich belohnend.

Sie werden bleiben wollen, um sich am Ende noch einen Drink an der sehr realen Bar zu holen….

TWO läuft im Above The Arts bis zum 22. April 2015.