CRITIQUE : Two, Above The Arts ✭✭✭✭

Photo: Piers Foley Photography TWO

Shrapnel Theatre à Above the Arts

4 Étoiles

Londres compte de nombreux théâtres de pub actuellement présentant de nombreuses œuvres de grande qualité, anciennes et nouvelles ; mais le studio théâtre Above the Arts, juste derrière Leicester Square, est probablement le seul théâtre de pub où actuellement le bar, les sièges et les clients font office de décor réaliste pour la pièce elle-même. À mon arrivée, j'ai regardé autour des sièges organisés autour d'un espace semi-dégagé devant le bar et j'ai demandé au barman où m'asseoir pour profiter au mieux de la scène. Il a haussé les épaules et a dit : « N'importe où : vous serez en plein cœur de l'action. » Et c'est ainsi que cela s'est avéré captivant.

TWO a été joué pour la première fois au Young Vic il y a environ vingt-cinq ans et fut l'un des premiers succès de Jim Cartwright. C'est une pièce à deux personnages rapide et virtuose dans laquelle les acteurs commencent derrière le bar en tant que patron et patronne d'un pub dans le nord de l'Angleterre, avant de se réinventer continuellement en temps réel dans la peau de douze clients au cours d'une soirée pleine d'événements. Ce que nous voyons est en essence plusieurs miniatures de personnages où l'humeur et le ton changent rapidement ; parfois ce sont des monologues et dans d'autres cas des dialogues entre couples. Les douze clients sont entrecoupés de retours des patrons, à mesure que leur propre relation devient de plus en plus houleuse, avant qu'un dernier duo entre les deux d'eux à la fermeture ne dévoile de manière poignante beaucoup de ce qui était auparavant oblique et implicite.

Je me demandais d'avance si la pièce pouvait montrer son âge, mais dans cette représentation, la qualité de l'écriture s'est révélée très fraîche et a plus que justifié les récompenses attribuées un quart de siècle auparavant. Tout comme pour 'My Night with Reg', contemporain, c'est l'humour vif et ironique, l'économie dans la construction des personnages et la douleur déchirante des dialogues qui captent immédiatement l'attention. Les drames humains contrastés esquissés ici avec une légèreté de touche habile portent une conviction qui rend sans importance le fait qu'il n'y a pas de téléphones portables et que personne n'a commandé de Double Drambuie dans aucun pub que je connaisse depuis très longtemps. En texture et en ton, la dramaturgie rappelle deux écrivains, différents en surface, mais proches en dessous : Terence Davies et Terence Rattigan. Cette pièce comporte des scènes qui évoquent la solidarité communautaire déterminée et les conflits domestiques âpres et grinçants que l'on trouve chez Davies, tout en offrant aussi des études de solitude effacée se transformant en expressions de désespoir stoïque et désespéré qui sont pleinement dignes du Rattigan de 'Separate Tables', à qui elle est également formellement redevable. De nombreuses qualités qui ont distingué le travail ultérieur de Cartwright sont déjà pleinement présentes ici.

Mais le vrai succès de l'œuvre dépend autant des deux acteurs eux-mêmes, en tant qu'individus et en tant que partenariat. Leurs performances nécessitent de nombreux changements rapides de costume, de comportement et d'accent pour la galerie de locaux dépeints tout en construisant soigneusement l'hostilité latente et la solitude inhérente du couple au centre de l'action. En 1990, deux acteurs bien connus de Brookside ont eu un grand succès dans la première production, et des lauriers similaires vont cette fois à Jamie Shelton et Chelsea Halfpenny, tous deux d'Emmerdale, qui négocient les défis techniques et émotionnels posés avec une rare habileté et grâce. En tant que douze personnages, ils interagissent de manière convaincante avec le public (traité comme d'autres habitués du pub) et habitent les différentes personnalités avec des accents, des manières et un langage corporel soigneusement distincts. Avec seulement les changements minimaux de costume, de coiffure et de maquillage, tout repose sur les compétences des acteurs et à cet égard, ils ont triomphé. En tant que couple central, ils accumulent soigneusement des détails dans leurs performances de manière à ce que, lorsque la révélation arrive dans la scène finale sur la raison de leur étrangement, elle a d'autant plus d'impact et de pouvoir pour toucher le public sans sensation de manipulation.

Il est invidieux de mettre en avant des caméos particuliers de cette galerie de portraits uniformément excellente, mais les caractérisations les plus durablement impressionnantes à mes yeux ont été de l'autodégoût douloureux et de la cruauté tyrannique respectivement. La performance de Halfpenny en maîtresse ivre et désespérée, cherchant à confronter son amant et sa femme dans le pub, avait une véritable profondeur. Elle capturait magnifiquement les terres d'ombre humiliantes habitées par la femme qui ne sera jamais l'épouse, forcée malgré elle de toujours penser aux besoins des autres. Et pour Shelton, peut-être son moment le plus fort de la soirée est venu dans le rôle ingrat d'un mari obsédé, insécurisé, tyrannique, finalement abusif, déterminé à trouver défaut à chaque mot et action de sa femme. Cette scène avait de la menace et du réalisme et a produit l'une de ces pauses de silence concentré lorsque vous savez qu'un public est totalement engagé avec le personnage et l'action.

J'avais une légère réserve quant au traitement de la scène finale. Cela fournit une puissante coda où l'auteur et les acteurs doivent opérer à plein régime et jeter de côté les nuances subtiles et les nuances des sections précédentes. Sans révéler la séquence de l'intrigue, il suffit peut-être de dire que le ton de l'écriture passe soudainement en mode démolisseur des conflits entre couples que l'on trouve chez Edward Albee. Le casting et le metteur en scène (Darren RL Gordon) ont décidé de jouer le matériel beaucoup plus lentement que les dialogues naturalistes antérieurs entre les deux personnages principaux, ce qui a rendu la scène presque opératique, en particulier dans les longues pauses. Bien que cela ait donné un poids et une signification supplémentaires à la querelle, et aux raisons de leur antipathie croissante, j'ai toujours senti que c'était une erreur. Le dialogue aurait eu encore plus de choc et d'impact en courant vers la conclusion stoïque finale sans ce jeu délibéré pour le gravitas ; et cela aurait encore été tonnellement contrasté avec les sections plus légères et agiles antérieures. En termes musicaux, cette pièce est vraiment un thème avec une séquence de variations délicieusement contrastées, et la scène finale devrait encore être proportionnée avec cette structure globale.

En fin de compte, TWO est une très belle soirée au théâtre qui court à travers ses quatre-vingts minutes en un rien de temps, vous laissant plein d'admiration pour une telle construction détaillée de narratif et de caractère avec une rare économie de moyens et une large palette émotionnelle. La reprise est pleinement méritée et richement gratifiante à tous les niveaux.

Vous voudrez rester pour acheter un verre au bar très réel à la fin....

TWO est à l'affiche à Above The Arts jusqu'au 22 avril 2015.