RESEÑA: Two, Above The Arts ✭✭✭✭

Foto: Piers Foley Photography TWO

Shrapnel Theatre en Above the Arts

4 estrellas

Londres cuenta con numerosos teatros de pub que hoy ofrecen trabajos excelentes, tanto clásicos como contemporáneos; pero el teatro de estudio Above the Arts, a un paso de Leicester Square, es probablemente el único teatro de pub en el que, ahora mismo, la barra, las mesas, los asientos y la clientela son también el decorado realista de la propia obra. Al llegar, miré a mi alrededor: los asientos estaban dispuestos alrededor de un espacio parcialmente despejado frente a la barra, y le pregunté al camarero dónde debía sentarme para verlo mejor. Se encogió de hombros y dijo: «En cualquier sitio: estarás en pleno meollo de la acción». Y, en efecto, así fue: de una forma absorbente.

TWO se representó por primera vez en el Young Vic hace unos veinticinco años y fue uno de los primeros éxitos de Jim Cartwright. Es un dúo actoral vertiginoso y virtuoso: los intérpretes arrancan detrás de la barra como el propietario y la propietaria de un pub del norte de Inglaterra, para después reinventarse constantemente, en tiempo real, como una secuencia de doce clientes a lo largo de una noche especialmente agitada. Lo que vemos es, en esencia, una serie de miniaturas de personajes en las que el ánimo y el tono cambian con rapidez; a veces son monólogos y, en otras, diálogos entre parejas. Los doce parroquianos se van alternando con las reapariciones de los dueños del pub, a medida que la relación entre ambos se vuelve cada vez más tirante, hasta que un dúo final entre ellos, a la hora del cierre, desentraña con emoción mucho de lo que hasta entonces había quedado oblicuo e insinuado.

Me preguntaba de antemano si la obra acusaría el paso del tiempo, pero en esta función la calidad de la escritura se percibió sorprendentemente fresca y justificó con creces los premios que recibió hace un cuarto de siglo. Al igual que la coetánea «My Night with Reg», aquí son el humor vivaz y socarrón, la economía en la construcción de personajes y el dolor punzante del diálogo lo que atrapa de inmediato. Los dramas humanos en contraste, esbozados con una ligereza de toque muy hábil, poseen una verdad que hace irrelevante que no haya móviles y que nadie haya pedido un Doble Drambuie en un pub que yo conozca desde hace muchísimo tiempo. En textura y tono, la dramaturgia recuerda a dos autores distintos en la superficie pero cercanos por debajo: Terence Davies y Terence Rattigan. La obra incluye escenas que evocan la solidaridad comunitaria de carácter duro y los ásperos conflictos domésticos que se encuentran en Davies, y también ofrece estudios de una soledad desolada que deriva en expresiones de desesperación estoica y apremiante plenamente dignas del Rattigan de «Separate Tables», al que además debe parte de su forma. Muchas de las cualidades que han distinguido el trabajo posterior de Cartwright ya están aquí plenamente presentes.

Pero el verdadero triunfo de la pieza depende tanto de los dos intérpretes, como individuos y como pareja escénica. Sus actuaciones exigen cambios rapidísimos de vestuario, actitud y acento para dar vida al abanico de habituales retratados, mientras, al mismo tiempo, van construyendo con cuidado la hostilidad latente y la soledad inherente de la pareja situada en el centro de la acción. En 1990, dos actores muy conocidos de Brookside cosecharon un gran éxito en la primera producción; y laureles similares les corresponden ahora a Jamie Shelton y Chelsea Halfpenny, ambos de Emmerdale, que afrontan los retos técnicos y emocionales con una destreza y una elegancia poco comunes. Como los doce personajes, se relacionan con el público de manera convincente (tratado como otros clientes del pub) y habitan las distintas personalidades con acentos, gestos y lenguaje corporal cuidadosamente diferenciados. Con cambios mínimos de vestuario, peinado y maquillaje, todo descansa en la pericia interpretativa, y en ese aspecto salieron triunfantes. Como pareja central, van acumulando detalles en su trabajo de modo que, cuando llega la revelación en la escena final sobre el motivo de su distanciamiento, el impacto y la capacidad de conmover al público es mayor, sin sensación de manipulación.

Es injusto señalar cameos concretos dentro de esta galería de retratos, excelente de forma uniforme, pero las caracterizaciones que más me impresionaron a largo plazo fueron, respectivamente, las del doloroso auto-odio y la crueldad intimidatoria. El retrato que hace Halfpenny de una amante borracha y desesperada, que busca encarar a su amante y a la esposa de este en el pub, tuvo verdadera profundidad. Captó de forma preciosa esos territorios sombríos y humillantes que habita la mujer que nunca será la esposa, obligada, pese a sí misma, a pensar siempre en las necesidades de los demás. Y, en el caso de Shelton, quizá su momento más alto de la noche llegó en el ingrato papel de un marido obsesivo, inseguro, intimidatorio y, en última instancia, abusivo, decidido a encontrar fallos en cada palabra y cada gesto de su mujer. La escena tuvo amenaza y verdad, y provocó una de esas pausas de silencio concentrado en las que sabes que el público está completamente entregado a los personajes y a la acción.

Tuve una pequeña reserva con respecto a cómo se resolvió la escena final. Esta aporta una coda poderosa, en la que el autor y los intérpretes deben ir a pleno rendimiento y dejar a un lado los matices delicados de las secciones anteriores. Sin desvelar la secuencia argumental, quizá baste con decir que el tono de la escritura gira de pronto hacia ese modo de conflicto descarnado entre parejas que se encuentra en Edward Albee. El reparto y el director (Darren RL Gordon) optaron por abordar el material a un ritmo mucho más lento que el diálogo naturalista anterior entre los dos protagonistas, lo que hizo que la escena pareciera casi operística, especialmente por las pausas prolongadas. Si bien esto añadió peso y significación a la disputa —y a las razones de su antipatía enquistada—, sigo pensando que fue un error. El diálogo habría tenido aún más sorpresa e impacto precipitándose hacia la conclusión estoica final, sin esa búsqueda deliberada de gravedad; y aun así habría contrastado tonalmente con las secciones anteriores, más ligeras y ágiles. En términos musicales, esta obra es en realidad un tema con una serie de variaciones deliciosamente contrastadas, y la escena final debería mantener la proporción dentro de esa estructura global.

En última instancia, TWO es una magnífica noche de teatro que se pasa volando en sus ochenta minutos, dejándote lleno de admiración ante una construcción tan detallada de narrativa y personajes, con una economía de medios poco común y una amplia paleta emocional. La reposición está plenamente justificada y resulta generosamente gratificante en todos los niveles.

Te apetecerá quedarte a tomarte una copa en la muy real barra al final…

TWO se representa en Above The Arts hasta el 22 de abril de 2015.