RECENSION: Two, Above The Arts ✭✭✭✭

Foto: Piers Foley Photography TWO

Shrapnel Theatre på Above the Arts

4 stjärnor

London flödar för närvarande av pubteatrar som visar högkvalitativa verk, både gamla och nya. Men studion Above the Arts, precis vid Leicester Square, är troligen den enda i sitt slag där baren, stolarna och gästerna faktiskt utgör den realistiska miljön för själva pjäsen. När jag anlände såg jag mig omkring bland stolarna som placerats kring en delvis tömd yta framför baren och frågade bartendern var jag borde sitta för att se bäst. Han ryckte på axlarna och sa: ”Var som helst – du kommer hamna mitt i händelsernas centrum.” Och det visade sig stämma på ett fängslande sätt.

TWO uruppfördes på Young Vic för cirka tjugofem år sedan och var en av Jim Cartwrights tidiga framgångar. Det är en fartfylld och virtuos pjäs för två skådespelare som börjar bakom bardisken som krögarparet på en pub i norra England, för att sedan i realtid ständigt förvandlas till en rad av tolv olika gäster under en händelserik kväll. Det vi får se är i essens flera karaktärsminiatyrer där stämning och ton skiftar snabbt; ibland som monologer och ibland som dialoger mellan par. De tolv stamgästerna varvas med krögarparets återkomster, vars egen relation blir alltmer gnisslig, fram till en slutlig duett vid stängningsdags som gripande nystar upp mycket av det som hittills bara anats och antytts.

Jag undrade på förhand om pjäsen skulle kännas daterad, men i den här uppsättningen framstod texten som oerhört fräsch och mer än rättfärdigade de priser den vann för ett kvarts sekel sedan. Precis som i den samtida ”My Night with Reg” är det den livliga, ironiska humorn, de precisa karaktärsporträtten och den smärtsamma dialogen som omedelbart fängslar. De kontrasterande människoöden som skissas upp med lätt hand har en trovärdighet som gör det irrelevant att ingen använder mobiltelefon eller att ingen har beställt en Double Drambuie på någon pub jag besökt på väldigt länge. Till textur och ton påminner dramatiken om två författare som är olika på ytan men besläktade på djupet: Terence Davies och Terence Rattigan. Pjäsen har scener som framkallar den där sträva gemenskapen och de knivskarpa hemmafejderna man finner hos Davies, samtidigt som den erbjuder studier i blek ensamhet och stoisk förtvivlan som är helt värdiga Rattigan i ”Separate Tables” (vid sidan av de formella likheterna). Många av de kvaliteter som utmärkt Cartwrights senare verk syns redan här tydligt.

Men pjäsens verkliga framgång hänger lika mycket på de två skådespelarna, både som individer och som duo. Deras prestationer kräver snabba byten av kostym, kroppsspråk och dialekt för de många lokala förmågorna, samtidigt som de metodiskt bygger upp den pyrande fientligheten och den djupa ensamheten hos paret i centrum. 1990 gjorde två välkända skådespelare från Brookside stor succé i originaluppsättningen, och liknande beröm förtjänar denna gång Jamie Shelton och Chelsea Halfpenny, båda kända från Hem till gården, som hanterar de tekniska och emotionella utmaningarna med sällsynt skicklighet och finess. Som de tolv karaktärerna interagerar de trovärdigt med publiken (som behandlas som andra pubgäster) och ger liv åt de olika personligheterna med tydligt särskiljande dialekter, manér och kroppsspråk. Med endast minimala ändringar av kostym, frisyr och smink vilar allt på skådespelarnas hantverk, och i det avseendet briljerar de. Som huvudparet samlar de omsorgsfullt på detaljer i sitt spel, så att när avslöjandet kommer i slutscenen om varför de glidit isär, har det en enorm slagkraft och berör publiken djupt utan att kännas manipulerat.

Det är svårt att lyfta ut enskilda insatser ur detta rakt igenom utmärkta galleri av porträtt, men de mest bestående intrycken för mig var skildringarna av plågat självhat respektive tyrannisk grymhet. Halfpennys porträtt av en berusad och desperat älskarinna, som försöker konfrontera sin älskare och hans fru på puben, hade ett enormt djup. Hon fångade vackert den förödmjukande skuggvärld som bebos av kvinnan som aldrig får bli hustrun och som trots sig själv tvingas sätta andras behov främst. Och för Sheltons del kom kvällens höjdpunkt kanske i den otacksamma rollen som en besatt, osäker och kontrollerande MAKE, fast besluten att hitta fel i varje ord och handling hos sin fru. Scenen darrade av hotfull realism och skapade en sådan där förtätad tystnad som bara uppstår när publiken är helt och hållet fängslad av karaktär och handling.

Jag hade en liten invändning angående hanteringen av slutscenen. Den utgör ett kraftfullt coda där författaren och skådespelarna måste ge allt och kasta åt sidan de subtila nyanserna från tidigare. Utan att avslöja för mycket kan man säga att tonen i texten plötsligt skiftar till den typ av skoningslösa konflikt mellan par som man hittar hos Edward Albee. Ensemblen och regissören (Darren RL Gordon) valde att spela materialet betydligt långsammare än den tidigare naturalistiska dialogen, vilket gjorde scenen nästan operamässig, särskilt i de långa pauserna. Även om detta gav extra tyngd åt grälet och orsakerna till deras groende antipati, kände jag ändå att det var ett misstag. Dialogen skulle ha haft ännu mer chockverkan om den rusade mot sitt stoiska slut utan denna medvetna strävan efter allvar; kontrasten mot de tidigare lättare partierna hade varit tydlig ändå. Rent musikaliskt är pjäsen ett tema med en rad läckra variationer, och slutscenen borde stå i proportion till den övergripande strukturen.

I slutändan är TWO en fantastisk teaterkväll som flyger förbi på åttio minuter och lämnar en fylld av beundran för hur man kan bygga en så detaljerad berättelse och karaktärsutveckling med så enkla medel och en så bred emotionell palett. Nyuppsättningen är helt berättigad och givande på alla plan.

Du kommer vilja stanna kvar och köpa något i den högst verkliga baren efteråt…

TWO spelas på Above The Arts fram till den 22 april 2015.