KRITIK: Violence und Son, Jerwood Theatre Upstairs ✭✭✭✭

Violence And Son

Jerwood Theatre Upstairs

8. Juni 2015

4 Sterne

Beim Royal Court lief es in letzter Zeit nicht gerade rund, umso erfreulicher ist es zu berichten, dass sie mit diesem neuen Stück von Gary Owen einen wirklich starken Text in einer einprägsamen Inszenierung vorlegen, die ganz in der radikalen und bewusst verstörenden Tradition dieses Hauses steht. Das Geschehen ist stellenweise irritierend und unangenehm anzusehen und bis zu seiner Auflösung durchweg überzeugend. Das Ensemble ist durch die Bank hervorragend, und die Produktionswerte sind ganz im Einklang mit Anspruch und Ambition des Autors. Das Kreativteam insgesamt hat ganze Arbeit geleistet, dieses gewichtige Werk (im gedruckten Text weit über 100 Seiten) in einer Inszenierung vor uns zu bringen, die keinen Moment durchhängt und nie aufhört zu provozieren und zu unterhalten.

Gespielt wird im Jerwood Upstairs in Arena-Bestuhlung. Wir finden uns im müden, schäbigen Wohnzimmer eines Hauses in den walisischen Tälern von Südwales wieder. Los geht es mit einer „Dr Who“-Fantasiesequenz: Das Bündel aus Leuchtstoffröhren über der Spielfläche senkt sich herab und wird zur TARDIS-Konsole, und Liam (David Moorst) betritt die Szene, um das Geschehen zu dirigieren – verkleidet als Matt Smiths Doctor. Ähnliche Zwischenspiele mit Sonicschraubenziehern und Lichtschwertern begleiten die Umbauten. Das ist nicht nur (oder nicht einmal vor allem) Dekoration und netter Zeitvertreib. Vielmehr etablieren diese Einschübe eines der zentralen Themen dieses vielschichtigen Stücks: Liams Bedürfnis, zumindest für einen Moment einen Bereich seines Lebens zu finden, in dem er sein Schicksal in der Hand hat – als Handelnder statt als Objekt. Er ist eine Figur, für die Ohnmacht der Normalzustand ist; die Herausforderung besteht darin, sowohl Überlebensstrategien als auch Wege der Selbstbehauptung zu finden. Der Verlauf des Abends wird durch die rivalisierenden Arten nachgezeichnet, in denen die anderen Figuren ihm Vorschläge und Versuchungen anbieten, diese Ziele zu erreichen – und dabei gleichzeitig Hindernisse aufbauen.

Liam ist der siebzehnjährige Sohn von Rick (Jason Hughes), einem trinkfreudigen, lärmigen Vater, dessen Wesen in seinem Spitznamen „Violence“ zusammengefasst wird – liebevoll oder auch nicht, verkürzt zu „Vile“. Liam ist im Norden Englands bei seiner Mutter aufgewachsen und musste nach deren Krebstod jüngst zu seinem Vater nach Wales zurückkehren, um zumindest eine Art Basis zu haben, während er seine A-Levels abschließt. Andere Optionen hat er nicht.

Auf diese Situation reagiert er teils mit stummer Duldung der schikanösen Atmosphäre zu Hause und teils mit Eskapismus – etwa, indem er sich wie Matt Smith verkleidet, Fez inklusive. Rick hat sich derweil in eine feste Routine aus Trinken und Herumhuren eingerichtet, mit Ausbrüchen exzessiver Aggression, die jederzeit unerwartet aufflammen können. Er ist eine brütende Präsenz, anfangs wortkarg, bis zu einem gewissen Grad gemildert durch die Anwesenheit seiner festen Freundin Suze(Siwan Morris), die seinen Geschmack für Alkohol und laute Nächte teilt. In dieses häusliche Setting platzt Jen (Morfydd Clark), eine Freundin von Liam, mit der er gerade eine „Dr Who“-Fan-Convention besucht hat. Das Stück spielt durchgehend an einem einzigen Abend, nachdem Jen kein Taxi nach Hause bekommt und übernachten muss.

An starken, erschütternden Stücken, die häusliche Gewalt sowie ihre Ursachen, Motive und Folgen für alle Beteiligten untersuchen, mangelt es natürlich nicht. Dieses hier punktet jedoch in drei unterschiedlichen Punkten besonders.

Erstens ist es in der Darstellung der Themen und Konflikte bemerkenswert ausgewogen. Ohne je physische oder sexuelle Gewalt zu entschuldigen oder zu verharmlosen, zeigt Gary Owen sehr treffend, wie die Figuren einander hochschaukeln – bisweilen absichtlich –, um eine Reaktion zu provozieren, von der sie wissen müssen, dass sie vermutlich böse endet. Das gilt für alle Beziehungen: Liam verabscheut seinen Vater und will gleichzeitig verzweifelt gesehen werden und sich dessen Respekt verdienen; Suze giert nach Ricks Aufmerksamkeit und geht dafür bis zur gegenseitigen Selbstsabotage; und Jen präsentiert sich Liam als Freundin und als etwas darüber hinaus – auf eine Weise, die ihn und das Publikum über ihre wahren Absichten im Unklaren lässt.

Zweitens zeigt das Schreiben eine seltene Fähigkeit, zu illustrieren, wie alle Figuren so zerstörerisch miteinander agieren, weil sie in Wahrheit jeweils in ihren eigenen Blasen leben und sich einander gar nicht wirklich imaginativ zuwenden. Das gilt besonders für Rick/Vile, der über ein Leben aus täglichem Trinken, leichter sexueller Eroberung und gewalttätigen Reaktionen auf Frustration – den Konstanten seines Lebens – nicht hinausdenken kann. Einer der Punkte, die das Stück wiederholt macht, gegen Ende vielleicht etwas zu didaktisch, ist: Wer sich weigert zuzuhören oder andere überhaupt wahrzunehmen, landet unweigerlich bei der brutalen Durchsetzung sowohl von Meinungen als auch von Fäusten.

Schließlich ist es wichtig zu betonen, dass dieses Stück keineswegs nur düster ist. Es gibt einen Gegenpol aus trockenem Humor und erfinderischer Derbheit, der neben der ominösen Gewaltandrohung herläuft und dazu beiträgt, dass alle Figuren an unterschiedlichen Stellen sympathisch wirken. Das gilt sogar für Vile, der – nüchtern genug vorausgesetzt – über einen scharfen, satirischen, bodenständigen Witz verfügt.

Die Leistungen sind bei allen vier Darsteller*innen herausragend, und die Regie ist flüssig und unprätentiös, nutzt den kleinen Raum voll aus. Moorst ist großartig darin, Liams nerdige Ungelenkigkeit, seine anhaltende Trauer um die Mutter und das vollkommen verhedderte, instabile, brodelnde Gemisch an Gefühlen gegenüber dem Vater zu vermitteln.

Hughes streift mit einer glimmenden Intensität über die Bühne, von der man jederzeit glaubt, sie könne in Gewalt umschlagen. Morris nutzt die Möglichkeiten voll aus, die eine Figur bietet, deren einige Aspekte unterentwickelt sind, und Clark zeichnet nuanciert und detailreich eine Figur, deren wahre Absichten rätselhaft bleiben – und selbst für sie eine Quelle der Verwirrung sind.

Warum also dieser beachtlichen Produktion den letzten Stern vorenthalten? Ganz einfach: Nach so viel feiner Arbeit an subtiler Figur- und Situationsentwicklung wirkt das Ende abrupt und lässt sich nicht ohne Weiteres mit dem verbinden, was zuvor aufgebaut wurde. Insbesondere scheint es eine Kluft zu geben zwischen der vorletzten Szene, in der Liam überzeugend und klug auseinanderdröselt, wie wenig Jen eigentlich über Liebe und Leben weiß, und dem, was folgt – das die Figuren in Richtungen zerrt, die quer zu allen bisherigen Linien stehen.

Mit anderen Worten: Es bleibt eine ungelöste Spannung zwischen der konsequenten, durchdachten Figurenentwicklung und dem Bedarf nach weiteren Plot-Wendungen. Für mich war das Ende schlicht eine Achterbahnkurve zu viel – und hilft weder dem Argument noch dem Drama.

Violence and Son läuft am Royal Court (Jerwood Theatre Upstairs) bis zum 11. Juli 2015