RESENZION: Wir sind stolz, das Bush Theatre zu präsentieren ✭✭✭

Wir sind stolz, präsentieren zu dürfen

Bush Theatre

24. März 2014

3 Sterne

Derzeit im Bush Theatre zu sehen ist die UK-Premiere (Regie: Gbolahan Obisesan) von Jackie Sibbles Drurys Stück We Are Proud To Present A Presentation About The Herero Of Namibia, Formerly Known As Southwest Africa, From The German Sudwestafrika, between the years 1884 - 1915.

Ja, das ist der vollständige Titel. Er ruft – sehr eindrücklich – Vorstellungen von politischem Theater hervor, gespeist aus Wut und Empörung über eine Episode der relativ jüngeren Geschichte, durchdrungen von Verfolgung, Blut und Ungerechtigkeit. Wenn man durch den Probenraum in den Zuschauerraum geht, meint man fast, die ungewaschenen Theaterstudierenden zu riechen, die dieses Stück Protest-Performance-Kunst mit Inbrunst, wenn auch leicht wildäugig, zusammengezimmert haben.

Aber tatsächlich ist das Stück gar nicht so.

Es beginnt wie eine Art Vortrag: Dem Publikum werden die sechs Schauspieler*innen vorgestellt, die eine Vielzahl von Rollen übernehmen werden, und man erhält einen Überblick über den Beinahe-Genozid an den Herero. So wird das Verhältnis zwischen Publikum und Spielenden schnell etabliert und der Boden bereitet für einen fesselnden Abend traditionell-untraditionellen, episodenhaften Dramas – über ein Stück beschämender und entsetzlicher Geschichte.

Aber tatsächlich ist das Stück gar nicht so.

Denn im Kern stellt die Arbeit ernste Fragen: Wie verstehen wir Geschichte? Wie beziehen wir uns auf Menschen, die vor hundert Jahren ermordet wurden? Wie lassen sich solche Figuren wahrhaftig spielen? Wie sollen heutige Darsteller*innen die unbekannten Figuren der Vergangenheit verkörpern? Sollten sie das überhaupt? Ist beim Spielen das Fühlen wichtiger als alles andere? Können weisse Menschen schwarze Menschen spielen? Ist die gängige, stereotype Vorstellung von Akzenten angemessen, wenn reale Geschichten erzählt werden? Gibt es überhaupt einen echten Unterschied im Verhalten in irgendeinem Krieg? Ist Realismus besser als Realität? Wo verläuft die Grenze zwischen Kunst und Geschichte? Und warum sind manche Schauspieler egozentrische, selbstherrliche Nervensägen?

All das klingt, als ergäbe es einen Abend voller dröger, didaktischer, wohlmeinender Sonntagsreden – mit prätentiösen Figuren, die Plattitüden und grosse Wahrheiten von sich geben.

Aber tatsächlich ist das Stück gar nicht so.

In einer Reihe wirkungsvoller Szenen – einige davon sehr komisch, andere regelrecht verheerend – erkundet das Ensemble diese Themen auf nicht naheliegende Weise, bricht die Konventionen des traditionellen Dramas und fordert das Publikum heraus, sich mit den schwierigen Fragen des Abends auseinanderzusetzen.

Ein Teil des Spiels ist in seiner Subtilität und Intensität verblüffend. Joshua Hill ist in seinem Bühnen-Debüt als Another White Man schlicht herausragend: ein typisch draufgängerischer, gut aussehender junger Schauspieler (es gibt wunderbar witzige und kluge „Ich-bin-der-bessere-Schauspieler-als-du“-Momente in seinen Interaktionen mit Black Man), der zwei erstaunliche Dinge tut: An einer Stelle spielt er eine afrikanische Grossmutter (ohne Kostüm, ohne Make-up – nur er) – und sie ist keine Karikatur, sondern erschreckend real; an einer anderen erzählt er eine schreckliche Geschichte über den selbstsüchtigen Mord seines Urgrossvaters an einem schwarzen Mit-Soldaten, um zu verstehen, was in einem deutschen Soldaten vorgeht, der einen Herero-Mann ermordet hat, der einfach nur nach Hause wollte. Alles, was Hill macht, ist ausgearbeitet, klug und stilvoll. Ein Star der Zukunft.

Auch Kingsley Ben-Adir ist als Black Man hervorragend. Er ist der intensive, grüblerische Schauspieler, der „in Deutschland sehr erfolgreich war“ (beim Verführen junger Fräuleins) und der leidenschaftlich nach dem „afrikanischen Geist“ sucht – zugleich aber ebenso leidenschaftlich davon überzeugt ist, die Herero von Natur aus besser verstehen zu können, weil er schwarz ist. Er liefert eine fein nuancierte, weit gespannte Darstellung und schafft sowohl die sanftesten als auch die härtesten Momente des Abends.

Die anderen Darsteller*innen sind durchweg gut, doch keine*r bekommt wirklich die Möglichkeiten, die der Text Hill und Ben-Adir bietet. Ayesha Antoine ist besonders zu Beginn stark, wenn sie das Publikum etwas unbeholfen in das Konzept, die Herero und ihre Kolleg*innen einführt. Ihr zuzusehen ist eine Freude, und sie verliert nie die Konzentration. Kirsty Oswald als White Woman und Joseph Arkley als White Man spielen souverän eine Reihe von Figuren – ebenso Isaac Ssebandeke, dem die schwierige Aufgabe zufällt, das Stück in Stille und stummer Verzweiflung zu beenden.

Das könnte den Eindruck erwecken, als gehe es dem Stück vor allem darum, den Fokus auf das Können der fünf Schauspieler*innen zu legen, die der Vision der Autorin Leben einhauchen.

Aber tatsächlich ist das Stück gar nicht so.

Hier wird kräftig dekonstruiert – das Bühnenbild, so wie es ist, wird vor den Augen des Publikums auseinandergerissen. Die Geschichte des Herero-Genozids wird zerlegt und durch verschiedene Prismen gezeigt: Briefe, die deutsche Soldaten schrieben; die Instinkte der Schauspieler*innen darüber, wie sich die Herero gefühlt haben mögen – trotz fehlender Augenzeugenberichte aus erster Hand; das Gefühl von Geschichte; die Entfremdung des Vergangenen; unterschiedliche Arten, wie Gruppen ihren Willen schwächeren – oder sogar stärkeren – Einzelnen aufzwingen können.

So formuliert klingt das nach einem Stück deutscher Dekonstruktion – aber tatsächlich ist das Stück gar nicht so.

Ich kann ehrlich sagen: Noch nie habe ich eine Theaterproduktion wie diese gesehen. Sie wirkt anarchisch, organisch, eklektisch und schick – alles zugleich. Dem Abend liegt ein Rhythmus zugrunde, der fast hypnotisch ist. Man wird in die Szenen hineingezogen, die die Schauspieler*innen als gesetzte Tableaus spielen, und ist zugleich fasziniert vom Prozess des Probens und Formulierens dieser Szenen. Humor, Biss und Offenheit halten sich die Waage.

Und wenn Black Man schliesslich verspottet und dann gelyncht und aufgehängt wird, ist das kraftvoll, zwingend und zutiefst beängstigend.

Und man geht hinaus, nachdenklich über das, was man gesehen hat – und mit einem brennenden Wissensdurst nach den komplexen Details des Herero-Genozids.

In einem besonders zugespitzten Moment erlitt eine Frau im Publikum einen leichten Schlaganfall, und die Vorstellung musste für etwa dreissig Minuten unterbrochen werden, während sie medizinisch versorgt und ins Krankenhaus gebracht wurde. Als die Schauspieler*innen weitermachten, fanden sie Ton, Spannung und die raue Wahrheit der Szene, die gerade zerbrochen war, sofort wieder – als hätte es keine Unterbrechung gegeben.

Hut ab.