RECENSIONE: Siamo orgogliosi di presentare, Bush Theatre ✭✭✭

Siamo orgogliosi di presentare

Bush Theatre

24 marzo 2014

3 stelle

In scena al Bush Theatre c’è la prima nel Regno Unito (regia di Gbolahan Obisesan) del testo di Jackie Sibbles Drury We Are Proud To Present A Presentation About The Herero Of Namibia, Formerly Known As Southwest Africa, From The German Sudwestafrika, between the years 1884 - 1915.

Sì, questo è il titolo completo. E, in modo evocativo, richiama l’idea di un teatro politico alimentato da rabbia e indignazione, su un periodo di storia relativamente recente intriso di persecuzioni, sangue e ingiustizia. Entrando in sala passando dalla sala prove, quasi si sente l’odore degli studenti di teatro non proprio freschi che, con fervore ma anche con un filo di frenesia, hanno messo insieme questo pezzo di performance d’arte di protesta.

Ma, in realtà, lo spettacolo non è affatto così.

Inizia come una sorta di lezione: al pubblico vengono presentati i sei interpreti, che ricopriranno una moltitudine di ruoli, e viene offerta una panoramica del quasi-genocidio del popolo Herero. Così si stabilisce rapidamente il rapporto tra platea e scena, e si gettano le basi per una serata coinvolgente di dramma episodico tradizionalmente non tradizionale, che attraversa un capitolo di storia imbarazzante e raccapricciante.

Ma, in realtà, lo spettacolo non è affatto così.

Perché, nel suo cuore, il lavoro si interroga su domande serie: come comprendiamo la storia? Come ci relazioniamo con persone uccise un secolo fa? Come si possono interpretare fedelmente questi personaggi? Come possono attori contemporanei sperare di incarnare figure sconosciute del passato? Dovrebbero farlo? Nel recitare, la sensazione conta più di ogni altra cosa? I bianchi possono interpretare i neri? L’idea stereotipata e moderna degli accenti è appropriata quando si raccontano storie reali? Esiste una vera differenza tra i comportamenti in una guerra qualsiasi? Il realismo è migliore della realtà? Dov’è il confine tra arte e storia? Perché alcuni attori sono degli egocentrici, presuntuosi e insopportabili?

Detto così, sembrerebbe la ricetta per una serata di discorsi didascalici e noiosi, con personaggi pretenziosi che snocciolano banalità e grandi verità.

Ma, in realtà, lo spettacolo non è affatto così.

Attraverso una serie di scene di forte impatto — alcune molto divertenti, altre decisamente devastanti — la compagnia esplora questi temi in modo non scontato, spezzando le convenzioni del dramma tradizionale e sfidando il pubblico a fare i conti con gli argomenti difficili in gioco.

Alcune interpretazioni sono sorprendenti per sottigliezza e intensità. Joshua Hill, al debutto in scena, è semplicemente straordinario nei panni di Another White Man, il classico giovane attore bello e spavaldo (ci sono momenti “io sono più bravo di te” meravigliosamente arguti e illuminanti nelle sue interazioni con Black Man) che compie due cose davvero incredibili: a un certo punto interpreta una nonna africana (niente costume, niente trucco — solo lui) e non è una caricatura, è intensamente reale; in un altro momento racconta una storia orribile sull’omicidio egoista compiuto dal suo bisnonno ai danni di un commilitone nero, nel tentativo di capire i sentimenti di un soldato tedesco che ha ucciso un uomo Herero che voleva soltanto tornare a casa. Tutto ciò che Hill fa è rifinito, intelligente e realizzato con uno stile impeccabile. È una promessa per il futuro.

Anche Kingsley Ben-Adir, nei panni di Black Man, è eccellente. È l’attore intenso e tormentato, quello che è stato “molto di successo in Germania” (nel sedurre giovani Fräuleins) e che è appassionato nel cercare lo spirito africano, ma altrettanto convinto di essere naturalmente più adatto a comprendere gli Herero perché è nero. Offre una prova finemente sfumata e di grande ampiezza, e crea alcuni dei momenti più delicati e più duri dell’intero lavoro.

Gli altri interpreti sono tutti bravi, ma nessuno ha davvero le opportunità che il testo riserva a Hill e Ben-Adir. Ayesha Antoine è particolarmente efficace all’inizio, quando introduce con un certo imbarazzo il pubblico al concetto, agli Herero e ai suoi compagni di scena. È splendida da guardare e non perde mai la concentrazione. Kirsty Oswald, la White Woman, e Joseph Arkley, il White Man, affrontano splendidamente una gamma di personaggi, così come Isaac Ssebandeke, che ha il difficile compito di chiudere lo spettacolo nel silenzio e in una sofferenza muta.

Questo potrebbe far pensare che lo scopo dello spettacolo sia, in fondo, mettere sotto i riflettori le capacità dei cinque attori che danno vita alla visione della drammaturga.

Ma, in realtà, lo spettacolo non è affatto così.

C’è molta decostruzione in atto: la scenografia, per quel che è, viene letteralmente fatta a pezzi davanti al pubblico. La storia del genocidio Herero viene smontata e mostrata attraverso prismi diversi; le lettere scritte dai soldati tedeschi; l’istinto degli attori su come si sentissero gli Herero nonostante l’assenza di prove dirette; il senso della storia; lo spaesamento del passato; i diversi modi in cui i gruppi possono imporre la propria volontà su individui più deboli — o persino più forti.

Messa così, sembra una fetta di decostruzionismo tedesco — ma, in realtà, lo spettacolo non è affatto così.

Posso dire onestamente di non aver mai visto prima una produzione teatrale simile. È anarchica, organica, eclettica e chic — tutto insieme. C’è un ritmo negli eventi che è quasi ipnotico. Si viene trascinati dentro le scene che gli attori eseguono come quadri a sé, ma allo stesso tempo affascina il processo di provare e costruire quelle scene. Umorismo, ferocia e sincerità sono presenti in egual misura.

E quando, finalmente, Black Man viene deriso e poi linciato e impiccato, è qualcosa di potente, incalzante e spaventoso.

E ti lascia a rimuginare su ciò che hai visto e con una gran sete di conoscere i dettagli intricati del genocidio Herero.

In un momento particolarmente culminante, una donna tra il pubblico ha avuto un lieve ictus e lo spettacolo ha dovuto fermarsi per circa trenta minuti, mentre le venivano prestate cure mediche e veniva trasferita in ospedale. Quando gli attori hanno ripreso, hanno ritrovato l’atmosfera, la tensione e la verità ruvida della scena che era stata spezzata — come se non ci fosse stata alcuna interruzione.

Tanto di cappello.