REZENSION: West Side Story, Bishopsgate Institute ✭✭✭✭✭

Julian Eaves bespricht West Side Story von Leonard Bernstein und Stephen Sondheim am Bishopsgate Institute.

West Side Story

Bishopsgate Institute

30. Juni 2018

5 Sterne

Vor zwei Jahren verblüffte diese umtriebige Non-Profit-Organisation die Musicalszene mit ihrem hervorragenden Ragtime; nun kehrt fast exakt dasselbe künstlerische Team zurück und legt nach – mit dem wegweisenden „Show der Shows“ von Bernstein, Sondheim, Laurents, Robbins und Shakespeare, der die romantische Tragödie von Romeo und Julia in die von Banden zerrissenen Mietskasernen New Yorks der Fünfziger verlegt.

Der größte Reiz solcher Produktionen liegt natürlich darin, eine große Broadway-Show mit voll besetztem Orchester (28 Musiker*innen) zu erleben – hier unter der souveränen Leitung von Ben Ferguson – und mit einer großen Company (39! … offiziell Amateure, aber viele verfügen über eine fundierte Ausbildung, und einige stehen kurz vor dem Start einer professionellen Laufbahn).  Es ist nahezu unmöglich, kommerzielle – oder selbst subventionierte – Produktionen dieser Größenordnung auf die Beine zu stellen, und nicht ohne Grund waren diese Vorstellungen so gut wie ausverkauft.

Toby Hine ist ein junger Regie-Neuling, der sich der Aufgabe gestellt hat, dieses Schlachtross des Repertoire-Kanons aufzufrischen.  Jahrelang war das Werk im Bernstein von Broadway-Legende konserviert, und lizenzierte Produktionen mussten einem ganzen Handbuch an Vorgaben folgen, wie JEDER einzelne Ablauf auszuführen sei – getreu, ja geradezu sklavisch, nach der inspirierten und wandlungsfähigen Original-Regie und -Choreografie von Jerome Robbins.  Mit der Zeit wurde es dadurch sehr, sehr schwierig, dass Produktionen im Hier und Jetzt wirklich atmen konnten: Jede neue Ausgabe wirkte müder und lebloser als die vorherige.  Nur der wunderbare, zeitlose Film hielt den Ruf des Stücks am Leben.

Glücklicherweise wurden diese Fesseln vor zehn Jahren plötzlich gelöst, und seitdem hat sich eine neue Kultur entwickelt: der Versuch, dem Geist des Werks treu zu bleiben und ihm zugleich die nötige jugendliche Energie und Intensität einzuhauchen, ohne die seine eher schlicht gezeichneten Figuren kaum Glaubwürdigkeit gewinnen.  Laurents’ Buch wird oft gelobt, doch die Kürzungen seines Textes gegenüber der ursprünglichen, längeren Fassung bringen weiterhin reichlich Probleme mit sich: Der erste Akt wirkt noch immer häufig weitschweifig und träge, während der zweite zu einem halsbrecherischen Endspurt wird, bei dem uns das Gefühl tragischer Unausweichlichkeit fehlt.

Unbeeindruckt davon warf diese Produktion alles in die Waagschale und brachte mehr als genug Magie auf, um zu verzaubern und zu betören.  Hine entschied sich in diesem schwierigen Raum erneut für eine Traverse-Bespielung und machte aus dem Grade-II-Listed-Status des Ortes eine Tugend, indem er Laufwege hinter den ansteigenden Sitzreihen schuf, sodass die Figuren das Publikum geradezu in das Geschehen einzuhüllen schienen.  Ein*e Bühnenbildner*in wird hier nicht genannt, also nehmen wir an, dass dies alles auf Hines Konto geht.  Die Kostüme stammen von dem unermüdlichen Stewart Charlesworth, der eine markante Unterscheidung schuf: verwaschene Pastelltöne für die italienisch-amerikanischen Jets und kräftige, auffällige Primärfarben mit schwarzen Hosen und Spitze für die puerto-ricanischen „Einwanderer“, mit denen sie in ewigen Konflikt geraten.  Jack Weir beleuchtete das Ganze mit seinem gewohnt sicheren Sinn für theatrale Kontur und Form und integrierte einige mutige, dynamische Effekte.

Legendären Status hat dieses Musicaldrama jedoch vor allem durch seine umfangreiche Choreografie erlangt.  Hier bekamen wir die Arbeit eines ganzen Teams von Tanzgestalter*innen: Lemington Ridley machte den Anfang und entwarf den Großteil der Bewegungsabläufe; als er die Produktion verließ, übernahm Chris Whittaker – frisch aus der unglückseligen Tournee von Thoroughly Modern Millie.  Whittaker formte gemeinsam mit Guy Salim – der zudem das gesamte choreografische Panorama betreute – viele Nummern um und stellte andere komplett neu, außerdem vollendeten sie, was bislang noch offen geblieben war.  Es ist ein wunderbares Zeugnis der gebündelten Professionalität aller Beteiligten, dass trotz dieser Personalwechsel die Gesamtkonzeption von choreografischem Vokabular und Stil bemerkenswert stimmig und geschlossen blieb – und das mit einem Ensemble, das (von wenigen Ausnahmen abgesehen) nicht besonders versierte oder geübte Tänzer*innen waren.

Im vokalen Bereich hingegen war größere Erfahrung unerlässlich – und wurde reichlich geliefert: Die glanzvollen Hauptrollen, der üppige hohe Tenor von James Gower-Smiths Tony, waren ein durchweg beglückender Hörgenuss, und der aufregend heroische Sopran von Emily McDoualls Maria war ebenso überzeugend wie der jeder großen Leading Lady im West End; tatsächlich zeichnete sie sich zudem durch bemerkenswert starke darstellerische Fähigkeiten aus und meisterte die mitunter etwas holprig melodramatischen Wendungen des zweiten Akts mit Bravour.

An ihrer Seite war Luke Leahys Riff wunderbar kraftvoll und klar, und Victoria Greenways Anita ein Muster an Haltung und lodernder Leidenschaft.  Dieser starke Kontrast wurde zusätzlich getragen von dem schrillen Machismo Christopher Georgious Bernardos und Ben Woolleys coolen Diesel.  Und als die gelegentlichen und eher glücklosen Erwachsenen: Will Howells als cooler Schrank, Stephen Hewitt als geradezu fahrlässig ahnungsloser Doc und Drew Paterson als der vielgeplagte Officer Krupke.  (In einem Gespräch vor der Vorstellung bekamen wir eine Darbietung der Nummer zu hören, die existierte, bevor das komische Lied geschrieben wurde, das den Namen dieses Officers trägt – und es war faszinierend zu sehen, wie sehr die Show gewann, als in der zweiten Hälfte ein flotterer, herrlich comic-hafter „Auftritt“ hinzukam.)

Die übrigen führenden Jets bestanden aus Callum Walsh als Snowboy, Charlie Smith als Baby John, Chris Hughes-Copping als Big Deal, Glen Jordan als A-Rab und Joshua Yeardley als Action; ihre Girls waren Claire Pattie als Velma, Jessie Davidso als Graziella und Lauren Pears als das Tomboy Anybodys. Ergänzt wurde das Ensemble durch Adrian Hirschmuller, Caroline Scott, Jennifer Thompson, Lora Jones, Martha Stone, Rachel Wheeler, Sofia Sjostrand und Tess Robinson.  Ihnen gegenüber standen die Sharks mit Francois Vanhoutte als Chino, James Monz als Indio, Leoncio Hernandez als Pepe und ihren Girls: Chloe Heatlie als Francisca, Louisa Roberts als Rosalia, Marsha Blake als wunderbar zeitgenössisch klingende Solistin in der schönen Nummer Somewhere, sowie der restliche, flamboyante Anhang aus Beatrice Mori, Dan Davies, Gamze Ozen, Lois Howarth, Motohiro Okubo, Paris Evans und Vicky Gkioni.

Das Schlusswort jedoch gebührt dem großartigen Orchester, dessen ausgedehnte „Exit Music“ den Abend mit einem Mini-Konzert beschloss.  Ein hervorragendes Ereignis, das zeigt, wie professionelle Kreative und Amateur-Performer*innen auf beeindruckendem Niveau zusammenarbeiten.