RESEÑA: West Side Story, Instituto Bishopsgate ✭✭✭✭✭

Julian Eaves reseña West Side Story, de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim, en el Bishopsgate Institute.

West Side Story

Bishopsgate Institute

30 de junio de 2018

5 estrellas

Hace dos años, esta emprendedora organización sin ánimo de lucro dejó boquiabierta a la escena del teatro musical con su magnífico Ragtime, y ahora casi exactamente el mismo equipo artístico regresa para presentar una continuación en forma del fundamental “espectáculo de espectáculos” de Bernstein-Sondheim-Laurents-Robbins-Shakespeare, trasladando la tragedia romántica de Romeo y Julieta a los barrios de viviendas abarrotadas y asoladas por bandas del Nueva York de los años cincuenta.

La principal gloria de montajes como este, por supuesto, es poder vivir un gran espectáculo de Broadway con orquesta completa (28 músicos), aquí bajo el mando seguro de Ben Ferguson, y con una compañía numerosa (¡39!… técnicamente amateurs, aunque muchos cuentan con una formación plenamente sólida y algunos están a punto de iniciar carreras profesionales).  Es increíblemente difícil levantar producciones comerciales —o incluso subvencionadas— de estas dimensiones, y no es casualidad que estas funciones estuvieran prácticamente agotadas.

Toby Hine es un director joven, todavía en ciernes, que se ha propuesto la tarea de refrescar este veterano del repertorio más mainstream.  Durante años, la obra quedó fijada en el ámbar de la leyenda de Broadway, y las producciones con licencia debían ajustarse a un manual completo de instrucciones sobre CADA movimiento que había que ejecutar: recreando de forma fiel, y en realidad servil, la inspirada y proteica dirección y coreografía originales de Jerome Robbins.  Con el paso del tiempo, esto hacía muy, muy difícil que los montajes respiraran en el aquí y ahora: cada nueva salida hacía que la pieza pareciera más cansada y más muerta que la anterior.  Solo la maravillosa e imperecedera película mantuvo viva la reputación de la obra.

Por suerte, hace diez años esas restricciones se levantaron de repente y, desde entonces, ha surgido una nueva cultura de intentos por ser fieles al espíritu de la obra, a la vez que se le insufla la energía e intensidad juveniles indispensables para que sus personajes, algo simples, resulten creíbles.  A menudo se elogia el libreto de Laurents, pero los recortes de su texto respecto al original más extenso siguen planteando problemas abundantes: el primer acto todavía se percibe a menudo como prolijo y lánguido, mientras que el segundo es una carrera desbocada hacia la meta, donde se echa de menos esa sensación de inevitabilidad trágica.

Sin amilanarse, esta producción volcó todo lo que tenía en el proyecto y obtuvo más que suficiente magia para hechizar y seducir.  Hine volvió a optar por una puesta en escena a dos bandas en esta sala complicada, y convirtió en virtud el estatus de edificio catalogado de Grado II del lugar creando recorridos por detrás de las gradas inclinadas, en los que los personajes parecían envolver al público dentro de la acción.  No se acredita a ningún diseñador de escena, así que suponemos que todo esto es obra de Hine.  El vestuario fue del incansable Stewart Charlesworth, que estableció una marcada distinción entre los pasteles desvaídos de los Jets italoestadounidenses y los colores primarios vivos y llamativos, con pantalones negros y encaje, de los “inmigrantes” puertorriqueños con quienes mantienen un conflicto eterno.  Jack Weir iluminó el espectáculo con su habitual sentido de la distinción y el dibujo teatral, incorporando algunos valientes efectos dinámicos.

Con todo, es por la extensa coreografía por lo que este drama musical ha alcanzado estatus legendario.  Aquí vimos el trabajo de todo un equipo de arreglistas de danza: Lemington Ridley inició el proceso, diseñando la mayor parte del movimiento del espectáculo; después, cuando dejó la producción, fue sustituido por Chris Whittaker, recién salido de la malhadada gira de Thoroughly Modern Millie.  Whittaker, junto a Guy Salim —que además supervisó todo el despliegue coreográfico—, reconfiguró muchos números y reescenificó por completo otros, además de terminar lo que aún quedaba pendiente.  Es un magnífico testimonio del profesionalismo combinado de todos los implicados que, pese a estos cambios de personal, la conceptualización global del vocabulario y el estilo coreográficos del espectáculo se mantuviera notablemente consistente y coherente, y todo ello con un reparto que —salvo contadas excepciones— no eran bailarines especialmente hábiles ni muy curtidos.

En el apartado vocal, sin embargo, una mayor experiencia era esencial, y la aportaron de sobra los espléndidos protagonistas: el tenor alto, exuberante, del Tony de James Gower-Smith fue un placer absoluto de escuchar y admirar, y la soprano emocionante y heroica de la Maria de Emily McDouall resultó tan convincente como la de cualquier gran primera dama del West End; de hecho, también se distinguió por unas capacidades dramáticas extraordinariamente sólidas, sorteando con aplomo los giros más torpemente melodramáticos del segundo acto.

Junto a ellos, el Riff de Luke Leahy fue maravillosamente firme y claro, y la Anita de Victoria Greenway, un modelo de aplomo y pasión ardiente.  Este brillante contraste se vio reforzado además por el machismo estridente del Bernardo de Christopher Georgiou y el Diesel frío de Ben Woolley.  Mientras tanto, como los adultos ocasionales y más bien desdichados, Will Howells fue un Schrank imperturbable, Stephen Hewitt un Doc temerariamente despistado, y Drew Paterson, el sufrido agente Krupke.  (En una charla previa a la función, se interpretó el número que existía antes de que se escribiera la canción cómica que lleva el nombre de ese agente, y fue fascinante ver cómo el espectáculo mejoró al incorporar en la segunda mitad un “turno” más rápido y desatadamente de tebeo.)

Los otros Jets principales los integraban Snowboy (Callum Walsh), Baby John (Charlie Smith), Big Deal (Chris Hughes-Copping), A-Rab (Glen Jordan) y Action (Joshua Yeardley), y sus chicas incluían a Claire Pattie como Velma, Jessie Davidso como Graziella y Lauren Pears como la marimacho Anybodys; el conjunto se completaba con Adrian Hirschmuller, Caroline Scott, Jennifer Thompson, Lora Jones, Martha Stone, Rachel Wheeler, Sofia Sjostrand y Tess Robinson.  Frente a ellos estaban los Sharks: Chino (Francois Vanhoutte), Indio (James Monz), Pepe (Leoncio Hernandez) y sus chicas: Francisca (Chloe Heatlie), Rosalia (Louisa Roberts), la solista de sonido maravillosamente contemporáneo de Marsha Blake en el hermoso número Somewhere, y el resto de su llamativo ensemble: Beatrice Mori, Dan Davies, Gamze Ozen, Lois Howarth, Motohiro Okubo, Paris Evans y Vicky Gkioni.

La última palabra, eso sí, se la lleva la estupenda orquesta, cuya prolongada “música de salida” cerró la velada como un mini concierto.  Un acontecimiento soberbio, que muestra a creativos profesionales y a intérpretes amateurs trabajando juntos a un nivel impresionante.