CRITIQUE : West Side Story, Bishopsgate Institute ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critique "West Side Story" de Leonard Bernstein et Stephen Sondheim à la Bishopsgate Institute.

West Side Story

Bishopsgate Institute

30 juin 2018

5 étoiles

Il y a deux ans, cette organisation à but non lucratif audacieuse a stupéfié le monde du théâtre musical avec son superbe 'Ragtime', et maintenant, quasiment la même équipe artistique est de retour pour présenter un suivi sous la forme du spectacle emblématique Bernstein-Sondheim-Laurents-Robbins-Shakespeare, transposant la tragédie romantique de 'Roméo et Juliette' dans les quartiers gangrénés de New York des années cinquante.

La grande gloire de productions comme celle-ci, bien sûr, est de pouvoir vivre un grand spectacle de Broadway avec un orchestre pleine grandeur (de 28 musiciens), ici sous la direction assurée de Ben Ferguson, et avec une compagnie de taille complète (de 39!....techniquement amateurs, mais beaucoup de ces artistes ont une formation complète et certains sont sur le point de débuter des carrières professionnelles).  Il est incroyablement difficile de monter des productions commerciales, ou même subventionnées, de telles dimensions, et ce n’est pas pour rien que ces représentations étaient quasi toutes vendues.

Toby Hine est le jeune prodige de metteur en scène qui a repris la tâche de rafraîchir ce pilier du répertoire classique.  Pendant des années, le travail était figé dans l’ambre de la légende de Broadway, et les productions licenciées devaient respecter un ensemble de consignes sur la manière dont CHAQUE mouvement de la performance devait être exécuté - fidèlement, en recréant de manière presque servile la direction et la chorégraphie inspirées et protéiformes de Jerome Robbins.  Avec le temps, cela a rendu très, très difficile pour les productions de vivre et respirer dans le moment présent : chaque nouvelle représentation donnait l'impression que l'œuvre était plus fatiguée et plus morte que la précédente.  Seul le merveilleux et éternel film a permis de maintenir la réputation de l'œuvre.

Heureusement, il y a dix ans, ces obligations ont soudainement été levées, et depuis lors une nouvelle culture est apparue, faite de tentatives de rester fidèles à l'esprit de l'œuvre, tout en y insufflant l’énergie juvénile nécessaire et l'intensité indispensables pour que ses personnages naïfs gagnent en crédibilité.  Le livre de Laurents est souvent loué, mais les abréviations de son script vis-à-vis du long original présentent encore de nombreux problèmes : le premier acte semble souvent prolixe et léthargique, tandis que le deuxième est une course folle vers la fin, où nous perdons le sens de l'inévitabilité tragique.

Imperturbable, cette production a donné tout ce qu'elle avait au projet et a proposé plus que suffisamment de magie pour enchanter et séduire.  Hine a une fois de plus opté pour une mise en scène traversante dans cette salle difficile à naviguer, et a fait de la vertu du statut classé Grade II du site en créant des passages derrière les sièges inclinés, dans lesquels les personnages semblaient envelopper le public dans l'action.  Aucun décorateur n'est crédité ici, donc nous supposons que tout cela est le fait de Hine.  Les costumes de la production ont été réalisés par le dynamique Stewart Charlesworth, qui a créé une distinction audacieuse entre les pastels délavés des Jets italo-américains et les couleurs primaires flamboyantes et les pantalons noirs et dentelle des 'immigrants' portoricains avec qui ils sont en éternel conflit.  Jack Weir a illuminé le tout avec son sens habituel de la distinction théâtrale et de la forme, incorporant certains effets dynamiques courageux.

Toutefois, c'est pour la chorégraphie extensive que ce drame musical a acquis un statut légendaire.  Ici, nous avons eu le travail d'une équipe entière d'arrangeurs de danse : Lemington Ridley a été le premier à démarrer, concevant la plupart des mouvements pour le spectacle ; puis, lorsqu'il a quitté la production, sa place a été prise par Chris Whittaker, fraîchement libéré de la tournée malheureuse de 'Thoroughly Modern Millie'.  Whittaker, avec Guy Salim - qui a également supervisé l'ensemble du panoplie chorégraphique, a remodelé de nombreux numéros et en a complètement re-mis en scène d'autres, ainsi qu'a complété ce qui avait été laissé encore inachevé.  C'est un témoignage magnifique du professionnalisme combiné de tous les concernés, que, malgré ces changements de personnel, la conceptualisation globale du vocabulaire et du style chorégraphique du spectacle est restée remarquablement cohérente, et tout cela avec un casting qui était - avec peu d'exceptions - pas nécessairement des danseurs particulièrement habiles ou expérimentés.

Dans le département vocal, cependant, une expérience plus solide était essentielle, et amplement fournie par les brillants rôles principaux, le tendre ténor élevé de Tony par James Gower-Smith était un délice total à écouter et à admirer, et le soprano héroïquement exaltant de Maria par Emily McDouall était aussi convaincant que celui de toute grande dame du West End, en fait, elle s’est également distinguée par des compétences dramatiques remarquablement fortes, négociant les plus mélodramatiques tournures du deuxième acte avec aplomb.

À leurs côtés, Riff par Luke Leahy était merveilleusement fort et clair, et Anita par Victoria Greenway un modèle de grâce et de passion ardente.  Ce contraste brillant était soutenu par le machisme strident de Bernardo par Christopher Georgiou et Diesel par Ben Woolley.  Pendant ce temps, en tant qu'adultes occasionnels et plutôt maladroits, Will Howells était un Schrank cool, Stephen Hewitt un Doc totalement au dépourvu, et Drew Paterson l'Officier Krupke beaucoup sollicité.  (Dans une causerie avant le spectacle, nous avons eu une interprétation du numéro qui existait avant l'écriture du numéro comique qui porte le nom de cet officier, et il était fascinant de voir comment le spectacle s'était amélioré en obtenant un 'turn' plus rapide et follement comicbook dans la seconde moitié.)

Les autres Jets principaux étaient composés de Snowboy par Callum Walsh, Baby John par Charlie Smith, Big Deal par Chris Hughes-Copping, A-Rab par Glen Jordan et Action par Joshua Yeardley, avec leurs filles comprenant Velma par Claire Pattie, Graziella par Jessie Davidso et Anybody's par Lauren Pears, leur ensemble complété par Adrian Hirschmuller, Caroline Scott, Jennifer Thompson, Lora Jones, Martha Stone, Rachel Wheeler, Sofia Sjostrand et Tess Robinson.  En face d'eux se tenaient les Sharks de Chino par Francois Vanhoutte, Indio par James Monz, Pepe par Leoncio Hernandez, et leurs filles, Francisca par Chloe Heatlie, Rosalia par Louisa Roberts, la soliste merveilleusement contemporaine dans le beau numéro 'Somewhere' par Marsha Blake, et le reste de leur ensemble flamboyant comprenant Beatrice Mori, Dan Davies, Gamze Ozen, Lois Howarth, Motohiro Okubo, Paris Evans et Vicky Gkioni.

Le dernier mot, néanmoins, doit aller à l'orchestre formidable, dont la musique de sortie prolongée a conclu les événements avec un mini-concert.  Un événement superbe, montrant des créatifs professionnels et des interprètes amateurs travaillant ensemble à un niveau impressionnant.