CRÍTICA: West Side Story, Instituto Bishopsgate ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critica West Side Story, de Leonard Bernstein e Stephen Sondheim, no Bishopsgate Institute.

West Side Story

Bishopsgate Institute

30 de junho de 2018

5 estrelas

Há dois anos, esta organização sem fins lucrativos, empreendedora, deixou o meio do teatro musical de queixo caído com o seu magnífico ‘Ragtime’; e agora, praticamente com a mesma equipa artística, regressa para apresentar uma continuação à altura: o seminal espetáculo dos espetáculos de Bernstein–Sondheim–Laurents–Robbins–Shakespeare, que transporta a tragédia romântica de ‘Romeu e Julieta’ para os bairros de prédios degradados, dilacerados por gangues, da Nova Iorque dos anos 50.

O grande trunfo de produções como esta, claro, é poder viver um grande espetáculo da Broadway com uma orquestra completa (de 28 músicos), aqui sob o comando seguro de Ben Ferguson, e com uma companhia em força (39!… tecnicamente amadores, mas muitos têm formação sólida e alguns estão à beira de iniciar carreiras profissionais).  É absurdamente difícil montar produções comerciais — ou mesmo subsidiadas — desta dimensão, e não é por acaso que estas sessões estiveram praticamente esgotadas.

Toby Hine é um jovem estreante na encenação que aceitou a tarefa de dar novo fôlego a este cavalo de batalha do repertório mainstream.  Durante anos, a obra ficou cristalizada no âmbar da lenda da Broadway, e as produções licenciadas tinham de obedecer a um autêntico manual de instruções sobre como CADA movimento em cena tinha de ser executado — recriando de forma fiel, até servil, a direção e a coreografia originais, inspiradas e proteicas, de Jerome Robbins.  Com o passar do tempo, isto tornou muito, muito difícil que as produções vivessem e respirassem no presente: cada nova reposição fazia a obra parecer mais cansada e mais inerte do que a anterior.  Só o maravilhoso filme — sempre atual — manteve viva a reputação do musical.

Felizmente, há dez anos essas restrições foram subitamente levantadas e, desde então, instalou-se uma nova cultura: procurar manter-se fiel ao espírito da obra, mas insuflando-lhe a energia e a intensidade juvenis de que precisa para que as suas personagens, algo simplistas, ganhem credibilidade.  O libreto de Laurents é muitas vezes elogiado, mas os cortes do texto em relação ao original mais extenso continuam a colocar problemas: o primeiro ato ainda surge, não raro, como prolixo e letárgico, enquanto o segundo é uma corrida desenfreada até ao fim, onde se perde a sensação de inevitabilidade trágica.

Nada disso demoveu esta produção, que atirou tudo o que tinha para o projeto e encontrou magia mais do que suficiente para encantar e seduzir.  Hine voltou a optar por uma encenação em passarela (traverse) nesta sala difícil e fez virtude do estatuto de edifício classificado (Grade II) do local, criando passagens por trás das bancadas inclinadas, nas quais as personagens pareciam envolver o público na ação.  Não há crédito para cenografia, pelo que presumimos que isto seja obra de Hine.  Os figurinos ficaram a cargo do incansável Stewart Charlesworth, que estabeleceu uma distinção arrojada: pastéis deslavados para os Jets italo-americanos e cores primárias fortes e chamativas, com calças pretas e renda, para os “imigrantes” porto-riquenhos com quem estão em conflito eterno.  Jack Weir iluminou com o seu habitual sentido de distinção e composição teatral, incorporando alguns efeitos dinâmicos corajosos.

Ainda assim, é pela coreografia abrangente que este drama musical alcançou estatuto lendário.  Aqui, tivemos o trabalho de toda uma equipa de criadores de movimento: Lemington Ridley deu o pontapé de saída, concebendo a maior parte da movimentação do espetáculo; depois, quando saiu da produção, o seu lugar foi ocupado por Chris Whittaker, recém-libertado da malfadada digressão de ‘Thoroughly Modern Millie’.  Whittaker, com Guy Salim — que também supervisionou todo o aparato coreográfico —, remodelou muitos números e reencenou outros por completo, além de concluir o que ainda estava por fazer.  É um testemunho notável do profissionalismo coletivo de todos os envolvidos que, apesar destas mudanças de pessoal, a conceptualização global do vocabulário e do estilo coreográfico do espetáculo se tenha mantido surpreendentemente consistente e coesa — e tudo isto com um elenco que, salvo poucas exceções, não era particularmente exímio nem experiente na dança.

No departamento vocal, porém, era indispensável uma experiência mais sólida — e ela foi amplamente assegurada pelos leads extraordinários: o tenor alto e luxuriantemente timbrado do Tony de James Gower-Smith foi um prazer total de ouvir e admirar, e o soprano empolgantemente heróico da Maria de Emily McDouall foi tão convincente quanto qualquer grande protagonista do West End; aliás, distinguiu-se ainda por uma força dramática notável, navegando com grande à-vontade as viragens mais pesadas e melodramáticas do segundo ato.

Ao lado deles, o Riff de Luke Leahy foi maravilhosamente firme e claro, e a Anita de Victoria Greenway, um modelo de compostura e paixão ardente.  Este contraste brilhante foi ainda sustentado pelo machismo estridente do Bernardo de Christopher Georgiou e pelo Diesel cool de Ben Woolley.  Entretanto, nos adultos ocasionais e algo desastrados, Will Howells foi um Schrank descontraído, Stephen Hewitt um Doc deliberadamente alheado, e Drew Paterson, o muito maltratado Officer Krupke.  (Numa conversa pré-espetáculo, assistimos a uma interpretação do número que existia antes de se escrever o número cómico que ficou com o nome desse polícia, e foi fascinante ver como o espetáculo melhorou ao ganhar, na segunda metade, um “turn” mais acelerado e delirantemente ao estilo de banda desenhada.)

Os restantes Jets principais foram Callum Walsh (Snowboy), Charlie Smith (Baby John), Chris Hughes-Copping (Big Deal), Glen Jordan (A-Rab) e Joshua Yeardley (Action); e as suas raparigas incluíram Claire Pattie (Velma), Jessie Davidso (Graziella) e Lauren Pears como a maria-rapaz Anybody’s. O ensemble ficou completo com Adrian Hirschmuller, Caroline Scott, Jennifer Thompson, Lora Jones, Martha Stone, Rachel Wheeler, Sofia Sjostrand e Tess Robinson.  Do outro lado, encontravam-se os Sharks de Francois Vanhoutte (Chino), James Monz (Indio), Leoncio Hernandez (Pepe) e as suas raparigas: Chloe Heatlie (Francisca), Louisa Roberts (Rosalia), Marsha Blake — uma solista de sonoridade maravilhosamente contemporânea no belo número ‘Somewhere’ — e o restante ensemble exuberante, composto por Beatrice Mori, Dan Davies, Gamze Ozen, Lois Howarth, Motohiro Okubo, Paris Evans e Vicky Gkioni.

A última palavra, contudo, vai para a magnífica orquestra, cuja música de saída prolongada encerrou a noite com um mini-concerto.  Um acontecimento soberbo, mostrando criativos profissionais e intérpretes amadores a trabalhar em conjunto a um nível impressionante.