ENTREVISTA: Ivo Van Hove sobre Hedda Gabler

Kate Moore conversa con Ivo Van Hove sobre su producción de Hedda Gabler, que actualmente está de gira por el Reino Unido.

FECHAS DE LA GIRA POR EL REINO UNIDO DE HEDDA GABLER

Ivo Van Hove. Foto: Jan Verswyveld Kate Moore: Hola Ivo, empecemos hablando de qué te atrajo de Hedda Gabler. ¿Por qué esta obra y por qué hacerla ahora? Ivo van Hove: Bueno, hay unas cuantas obras maestras en el mundo del teatro y creo que esta es realmente la obra maestra de Ibsen. Pero más que eso, también es una obra muy personal. La escribió cuando Ibsen era ya bastante mayor, diez años después de Casa de muñecas, y se nota que había una auténtica urgencia por escribirla. Y es muy incómoda porque este personaje, Hedda, no resulta tan simpático, la verdad. No es alguien con quien puedas empatizar de inmediato. Creo que en realidad es un retrato de sí mismo. Tenía la urgencia de contar una historia sobre alguien que se siente totalmente aislado de las relaciones, del mundo. Leo Hedda Gabler ahora, más de cien años después de que se escribiera. Vivimos en el siglo XXI, no en el XIX, así que para mí no tiene mucho sentido convertir una obra en una pieza histórica, una pieza de museo sobre el pasado. Como director, siempre siento la obligación de hablar de personas, de seres humanos, de temas que importan hoy, no de cosas que importaron en el pasado. Con Hedda Gabler, no creo que Ibsen abordara tanto un “tema” importante como una condición del ser humano y una condición de la sociedad. Así que empecé escribiendo una pequeña nota, unas ideas sobre la obra. Le puse un título: Signo de los tiempos. Y eso es lo que siento: que Hedda Gabler hoy consiste en ofrecer al público un signo de nuestros tiempos, del vacío emocional con el que tenemos que lidiar; de no ser realmente capaces de provocar un cambio, incluso cuando lo queremos, incluso cuando tenemos todas las posibilidades para hacerlo. A veces hay una inhibición dentro de nosotros y no sabemos por qué.

Lo último que de verdad me interesó de la obra, y que es lo principal que descubrí durante mi preparación e investigación, es que no es tanto una obra sobre la sociedad burguesa del siglo XIX, sino, en realidad, una obra sobre el suicidio. Creo que el suicidio, la autodestrucción, la autodestrucción definitiva, está muy dentro de Hedda mucho antes de que empiece la obra. Así que no es por este matrimonio con Tesman por lo que comete ese acto horrible o ineludible. Está muy dentro de ella, esa pulsión de destruir, y cuando ya no queda nada por destruir, destruirse a sí misma.

KM: Has dicho que Hedda es en realidad Ibsen. No sé demasiado sobre Ibsen; ¿en qué sentido es él Hedda? No puedo demostrarlo, claro, pero se siente como si Hedda tratara de lo que de verdad le importaba. Había escrito Casa de muñecas diez años antes de escribir Hedda Gabler. Casa de muñecas termina con una mujer que se marcha, así que hay esperanza, hay futuro. Hay algo que desear, hay un cambio real. Con Hedda, Ibsen es mucho mayor y escribe, quizá, de un modo más realista, según él mismo. Ese era su punto de vista en ese momento de su vida, creo. Aceptó que la vida es lo que es, incluso cuando tienes todas las oportunidades. Porque Hedda lo tiene todo. Es hija de un general, así que ha habido dinero. Tiene lujo. Se casa con alguien que llega a ser profesor, así que eso también trae dinero, al menos potencialmente. Así que tiene muchas oportunidades, muchas posibilidades, pero parece incapaz de hacer algo con ellas. Y eso es tan hermoso en oposición a Thea, por ejemplo. Thea es como Nora; hace algo, provoca un cambio. Deja a su marido porque no lo ama. Hedda no. Hedda no ama a Tesman. Tesman no ama a Hedda. Pero nunca toman la decisión de cortar, de cambiar de verdad. Puedes ser muy pobre y muy feliz. Puedes tener mucho dinero y ser totalmente infeliz. Hedda Gabler está llena de matices, llena de detalles, llena de distintas miradas. Eso es lo que la convierte en una obra enigmática. ¿Por qué lo hace? Nunca lo sabes del todo. Siempre intentamos averiguarlo, pero nunca lo sabrás realmente. Y eso es lo que la hace tan hipnótica de ver.

Annabel Bates (Sra. Elvsted) y Lizzy Watts (Hedda) en Hedda Gabler KM: Una de las cosas que más me gusta de tu montaje es el espacio escénico, el hecho de que lo trajeras a un periodo moderno, contemporáneo, lo que casi cambió cómo percibía a Hedda. Sé que mucha gente ha hablado de ella como una especie de icono feminista atrapada en un matrimonio y no da esa sensación. ¿Puedes hablar un poco de eso, en términos de la adaptación y de cómo llegaste a esa lectura?

IVH: Cuando lees la obra con mucha atención, para mí queda muy claro que Hedda no es ese icono del feminismo. Hedda está atrapada, sí, pero no en esta sociedad, porque hay posibilidades. Hay posibilidades de escape, e Ibsen introduce a Thea en el primer acto para mostrar lo que se puede hacer. Puedes simplemente decir: “yo me voy y tú te vas”, como hizo Nora. Así es como empieza la obra. Ves a alguien con ese vacío dentro. Que parece no tener imaginación. Está estancada en su adicción al lujo, a tener una supuesta “buena vida” de cara al exterior. Está atrapada en sí misma. No es un matrimonio lo que la atrapa porque es un matrimonio de conveniencia. Ella lo sabe y Tesman lo sabe. No es que Tesman la haya secuestrado. Es un acuerdo entre los dos. Un acuerdo para tener una vida de cara a los demás, para ser supuestamente felices. Hedda es prisionera de sí misma, de su propia incapacidad. Es incapaz de cambiar de verdad su vida, y aun así tiene todas las oportunidades para hacerlo

KM: ¿Crees que es importante que Hedda sea una mujer en esta historia?

IVH: En la época de Ibsen era algo enorme. Haber escrito una obra sobre una mujer a finales del siglo XIX es asombroso; incluso hoy sigue siendo asombroso tener un personaje protagonista así. Hedda tiene todas esas fuerzas demoníacas: puede ser muy dura, es despiadada, no tiene mucha empatía con los demás, no es alguien a quien se quiera. No es una víctima fácil con la que sientas compasión. “Ay, la pobre mujer”, no te sale eso. Al mismo tiempo, no es dura de forma unidimensional. En el fondo, lo que la actriz que la interpreta tiene que descubrir es ese punto vulnerable, esa fragilidad que hay en ella, pero que nunca —o casi nunca— muestra.

KM: ¿Cómo se relaciona el diseño de tu montaje con los temas de la obra que más querías explorar?

IVH: Bueno, lo que queríamos era salir del siglo XIX, así que situamos la obra en un loft, en una gran ciudad. Podría ser Londres, podría ser Shanghái, donde sea. Y ese loft está como vacío. Hay un sofá que Hedda y Tesman claramente no compraron ellos, porque es el tipo de cosa que ha quedado de gente que vivía allí antes. ¿Ese loft está en obras o está siendo demolido? No hay puertas dentro de ese loft, así que la gente entra y sale desde el patio de butacas y Hedda no tiene escapatoria. Pero tampoco hay escape mental. Todo el mundo entra y sale, así que ella también podría entrar y salir, pero no lo hace. Se queda en casa. También hay una ventana, pero esa ventana no da a nada. No hay un paisaje bonito detrás, solo negrura, oscuridad.

La luz y la oscuridad son algo muy importante. También está en el texto. Es precioso que ella diga: “No quiero ver la luz”. Creo que es casi su primera frase. Siente que está atrapada en la oscuridad y solo hay una cosa que de verdad ama: su piano. Está totalmente conectada a ese piano viejo. El hecho de que Ibsen describa que hay un piano viejo, como algo inútil, que no suena muy bien. Ella está enganchada a ese piano. Está atrapada en algo; no es capaz de avanzar. Aferrándose a cosas que son el pasado, que ya se han ido, e incapaz de dar el paso hacia el futuro.

KM: ¿Por qué crees que Hedda es tan destructiva consigo misma?

IVH: En el teatro siempre tenemos una tendencia a explicarlo todo, a psicologizarlo todo. “Esta persona hace esto porque…” Pero en la vida, qué difícil es saber por qué haces lo que haces. De repente puedes enfadarte por algo. No lo sabes. Creo que puedes intentar entender a Hedda, pero no creo que sea necesario, porque ves todo su recorrido. Lo ves escena tras escena tras escena, y a veces piensas: esta es una mujer horrible, terrible. Y a veces piensas: ¿cómo puede esta persona hacerse esto a sí misma? Es una gran mezcla. Es realmente humano. Creo que muchos autores de hoy deberían estar muy celosos de Ibsen por crear un personaje tan rico e hipnótico. Las mejores actrices han interpretado a Hedda y el enigma sigue sin resolverse, lo cual es magnífico.

KM: La iluminación parece una parte enorme de esta producción. Me pareció realmente arquitectónica. Sé que trabajaste en eso con Jan. ¿Puedes contarnos un poco sobre ese proceso?

IVH: Hemos vivido juntos durante treinta y seis años, así que es algo continuo. Pero lo que hacemos es retarnos mutuamente. Siempre queremos lo mejor de lo mejor. Y Jan tiene un gran sentido de la luz. Empezó con la luz. Cuando empezamos hace treinta y seis años, la luz era lo suyo. La escenografía vino después. Usa la luz no para iluminar algo, sino como una escultura. Es como arquitectura, y eso es algo que también me gusta mucho como director. Creo que es uno de los mejores del mundo en este sentido, porque no hay mucha gente que ilumine como él ilumina un decorado y una obra.

KM: Otra cosa que me llamó la atención es la manera en que los personajes se mueven dentro del espacio, porque es esta habitación cerrada. ¿Eso estaba muy cuidadosamente coreografiado? Me preguntaba cómo surgió el movimiento de todos los personajes.

IVH: Eso no está preconcebido, pero soy muy sensible a los cuerpos en un espacio. Una escena que me encanta, por ejemplo, es al final del Acto 1, cuando Hedda y Tesman han descubierto que quizá él no consiga la cátedra y entonces él está totalmente deprimido y ella está enfadada. Y luego se sientan juntos en el sofá, a un lado. Se siente como Macbeth y Lady Macbeth en este castillo vacío. Soy sensible a ese tipo de momentos: cuando miras una imagen y la imagen lo expresa todo. Está llena de significado y tensión.

Creo partiendo de una situación que crea de inmediato la tensión, y luego siempre observo qué sucede a lo largo de los ensayos. La puesta en escena aparece de repente durante el ensayo. Al final del ensayo, al final de una escena, cuando tenemos la versión definitiva, de repente está ahí. Nunca estuvo preconcebida.

KM: Hedda tiene relaciones con tres hombres distintos, de algún modo. El que más me interesa es Brack, porque siento que a ella le atrae, pero él es tan peligroso. ¿Tienes alguna idea de por qué le atrae?

IVH: Porque ella siente que él es igual que ella. Creo que a Hedda le atrae Brack porque, al menos al principio, sienten que comparten algo; una vida secreta. Con Tesman todo es público, es solo para mostrárselo al público, a la sociedad: “estamos casados, somos felices, tendremos un hijo”. Con Brack está el lado oscuro de la vida. El lado oculto de la vida. Un lado secreto de la vida. Y eso es lo que a Hedda le interesa tanto descubrir. Con Brack vive el sueño de formar parte de algo totalmente exclusivo entre dos personas. Luego vuelve Løvborg, antiguo amante de Hedda, quizá el único hombre del que de verdad estuvo enamorada. Y para Løvborg, igual: la única mujer de la que de verdad estuvo enamorado. Brack sigue ese camino de destrucción, despiadado hasta el final, hasta la pura dominación de Hedda.

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