RESEÑA: Harvey, Teatro Royal Haymarket ✭

Maureen Lipman, Desmond Barrit e Ingrid Oliver. Foto: Manuel Harlan Harvey

Theatre Royal, Haymarket

23 de marzo de 2015

1 estrella

No se hace suficiente ruido sobre las personas con talento que se encargan del diseño de escenografía y vestuario de los montajes que se representan en el West End. Los premios tienden a centrarse en la interpretación y la dirección y, aunque a menudo se entregan galardones a la escenografía, el vestuario, la iluminación y el diseño de sonido, rara vez se consideran los premios importantes. Y, sin embargo, el diseño es tan crucial para el disfrute global de una producción teatral como cualquier otro aspecto. De hecho, en las peores producciones, un buen decorado te da algo que contemplar, en lo que perderte mirando; del mismo modo, un mal decorado puede distraer de las interpretaciones, que pueden ser buenas o malas (según sean las interpretaciones).

Peter McIntosh ha creado una escenografía sencillamente preciosa, increíblemente detallada, para la reposición de Harvey dirigida por Lindsay Posner: la obra de Mary Coyle Chase, ganadora del Pulitzer en 1945, que acaba de estrenarse en el Haymarket Theatre tras una temporada en el Birmingham Repertory Theatre y una gira por el Reino Unido. La escenografía merece un aplauso propio.

Cuando se levanta el telón, estamos en la biblioteca/sala de estar de la casa de los Dowd/Simmons. Por todas partes hay un hermoso y rico revestimiento de madera. Muebles de buen gusto, una preciosa chaise longue rosa, una chimenea sobre la que cuelga una foto dominante de una mujer imponente, libros sin fin, una pequeña mesita de teléfono y una o dos sillas bellamente tapizadas, una de ellas para atender llamadas. Todo huele a dinero, pero con un toque de extravagancia difícil de definir. Hay un pasillo desde el que vemos una puerta a otra habitación, donde se celebra algún tipo de velada. Una mujer —que uno imagina como un reclamo social— interpreta Gilbert y Sullivan. El ambiente es delicioso, seductor.

Cuando la acción se traslada al sanatorio local, el decorado del salón se gira y desaparece sin más. Entran en acción enormes plataformas móviles que se deslizan en silencio. Llega un nuevo espacio, clínico y de un verde hospitalario, con una auténtica sensación de alegría oficial desangelada y de superioridad flotando a su alrededor. Pero lo impresionante es que, mientras el salón era un rectángulo, esto es una especie de triángulo: el espacio escénico es completamente distinto, fresco e interesante. Hay varias puertas que prometen portazos y una escalera que conduce a algún lugar. De nuevo, la atmósfera es expectante, tentadora, aunque de un modo totalmente diferente al del primer decorado.

La acción vuelve al salón y luego, tras el intermedio, aparece un nuevo espacio: un bar acogedor. Podría ser un speakeasy en cualquier parte: mucha madera en las paredes, una barra bien abastecida, con superficies espejadas y un camarero hosco, muchas mesas y sillas. El efecto es cálido e intrigante, no menos porque en escenas anteriores se ha hablado mucho de este bar. Cuando termina el momento en el bar, vuelve el giro silencioso y, casi milagrosamente, el decorado del sanatorio se desliza hasta su lugar para la escena final.

Menciono el decorado con tanto detalle por dos razones. La primera, porque el logro de McIntosh es de primera categoría y el sentido mágico de los cambios de espacio funciona de maravilla para reflejar la magia de un mundo en el que el futuro puede predecirse gracias a un conejo blanco de dos metros y unos centímetros llamado Harvey. Este es un caso clarísimo de un escenógrafo que encuentra una manera inteligente y discreta de hacer que el decorado refleje temas centrales de la obra. La segunda, porque el decorado es, con diferencia, lo mejor de esta producción.

Tal y como la dirige Lindsay Posner, esta es la evocación más sosa que uno pueda imaginar de la encantadora historia de Elwood Dowd y su amigo conejo blanco, Harvey. La obra de Chase es ligera, ingeniosa y llena de encanto; tiene elementos de farsa, pero no dominan. Para que funcione, el director solo tiene que garantizar que el encanto sea lo principal, que el ritmo sea ágil y desenfadado y que las interpretaciones sean verdaderas y honestas. No hay significados ocultos, ni subtextos complejos, ni tratamientos en profundidad de temas delicados.

No. Solo hay diversión suave, inocente e embriagadora, y la idea de que la felicidad está justo delante de todos nosotros, si queremos aferrarnos a ella. Un hombre, feliz a más no poder en compañía de su amigo "imaginario", un alto conejo blanco —el Harvey del título—, nos muestra cómo hacerlo.

Pero Posner parece reacio, o incapaz, de dejar que el texto teja su hechizo seductor. En lugar de interpretaciones honestas y encantadoras, opta por caracterizaciones y actuaciones rebuscadas, por la fanfarronería en vez del chispeante intercambio, por la estridencia en vez de la suavidad, por lo camp en vez de lo acogedor, por el cinismo de hoy en lugar del tono rosado de entonces, por la forma en lugar del fondo. Nunca se oye el corazón palpitante de la obra de Chase; Posner sustituye la nostalgia de enfoque suave —tan necesaria— por una modernidad de aristas duras.

Todo esto queda meridianamente claro cuando Lionel Haft hace su entrada tardía en el segundo acto interpretando a un taxista decidido pero respetuoso que necesita que le paguen la carrera. Haft está luminoso en su breve escena, con un destello de alegría en los ojos y una soltura fácil, lacónica. Es un hombre que disfruta de su vida y consigue lo que quiere. Aquí no hay artificio: solo una interpretación verdadera. El personaje de Haft contrasta de forma contundente con los demás con quienes comparte escena.

Chase utiliza el personaje de Haft para hacerle ver a la hermana de Elwood, Veta, que en realidad no puede prescindir de Elwood en su vida. Visto de otro modo, el personaje de Haft provoca el momento en que Veta acepta a Harvey. Ver no es creer: Veta ha visto a Harvey, pero nunca ha creído. El asunto del monedero extraviado, necesario para pagarle al taxista, hace que Veta acepte y crea. Elwood, por supuesto, lleva haciéndolo desde el principio, pero ahora Veta por fin lo entiende.

Es el principio central de la obra: la satisfacción llega a través de la aceptación y la fe. Las dos parejas a la espera (la enfermera Kelly y el doctor Sanderson; Myrtle Mae y Duane) necesitan aprender esa lección para que sus futuros se entrelacen; el doctor Chumley y el doctor Sanderson necesitan aceptar que pueden equivocarse; el juez necesita aceptar que no siempre sabe más que nadie; Myrtle Mae necesita aceptar que sus necesidades no son las más importantes; Veta necesita aceptar que Harvey no es el enemigo: el enemigo es una naturaleza implacable e incapaz de aceptar.

Elwood acepta a todo el mundo y cree en todo el mundo: esa es la lección que tiene que enseñar a los demás. También el personaje de Haft. Acepta a cualquiera como pasajero y confía en que lo tratarán con justicia. Encierra la filosofía de Harvey; simplemente no necesita un conejo gigante invisible o un pooka para salir adelante.

La fantasía de la pieza no procede solo del ambiente, los diálogos y la historia, sino también de la interpretación. Al margen de Haft, aquí la interpretación resulta sorprendentemente torpe.

Ni Jack Hawkins (doctor Sanderson), ni Ingrid Oliver (Myrtle Mae), ni Youseff Kerkour (Duane), ni Sally Scott (enfermera Kelly) ni David Bamber (doctor Chumley) aportan calidez o encanto en su tiempo en escena. No hay sensación de amor floreciendo, ni de la felicidad que pueden traer las posibilidades del cambio, ni siquiera una simple alegría. Todos son ásperos, hoscos y fríos cuando deberían ser encantadores. La estridencia moderna no es sustituto de la felicidad a la antigua.

Amanda Boxer y Desmond Barrit salen algo mejor parados, pero, con todas las excentricidades de sus personajes tipo (socialité y juez, respectivamente), ellos también necesitan más encanto, y mucho.

James Dreyfus, un actor excelente, aquí parece perdido en un mar de artificio engreído, cuando lo único que necesita es dejar que su encanto elegante e innato estalle por todas partes. Su Elwood está demasiado amanerado, demasiado camp, con una joie de vivre falsa: parece más bien Madame Lucy de Irene que el hombre de alma hermosa y el alto conejo blanco. Resulta extrañamente mundano y suspicaz cuando debería ser inocente y sincero. Es una interpretación muy rara.

Maureen Lipman está maravillosamente tensa como Veta, la hermana de Elwood, y aporta una angustia gloriosa a la escena en la que vuelve a casa tras haber sido manoseada por el personal del sanatorio: con una media caída y el pelo hecho un desastre, como si cada rizo lo hubiese volteado un tornado. Sus dobles tomas ante Harvey, el cuadro de Harvey y su lenta y deliciosa caída sobre la chaise longue están cronometradas con precisión y belleza. Sabe cómo decir una frase para lograr el máximo efecto.

De hecho, si hubiera habido más encanto en el escenario a su alrededor, es probable que su trabajo hubiese resultado mucho más delicioso; pero la ausencia de un apoyo excelente la deja aislada, casi en su propia esfera interpretativa. Ni siquiera Lipman puede cargar con el peso de la obra ella sola. Ni siquiera en la espléndida escenografía de McIntosh y con los vestidos fabulosos que diseñó para ella.

Sin el encanto y la calidez centrales que Chase imaginó y escribió con claridad, la obra no puede funcionar. Posner ha fracasado por completo a la hora de iluminar la sensación de consuelo y confort que Chase pretendía: escribió la obra para levantar y aliviar el ánimo de quienes sufrieron a causa de la Segunda Guerra Mundial. Esta producción quita más de lo que da y deja a Dreyfus y a Lipman varados en un bodrio.

Un bodrio sin gracia y sin encanto.

Harvey se representa en el Theatre Royal, Haymarket hasta el 2 de mayo de 2015