CRÍTICA: Harvey, Theatre Royal Haymarket ✭

Maureen Lipman, Desmond Barrit e Ingrid Oliver. Foto: Manuel Harlan Harvey

Theatre Royal, Haymarket

23 de março de 2015

1 Estrela

Faz-se pouco alarido sobre as pessoas talentosas que assinam os cenários e os figurinos dos espetáculos do West End. Os prémios tendem a concentrar-se na interpretação e na encenação e, embora muitas vezes existam distinções para cenografia, figurinos, desenho de luz e som, raramente são vistos como os prémios realmente importantes. E, no entanto, o design é tão determinante para o prazer global de uma produção teatral como qualquer outro aspeto. Aliás, nas piores produções, um bom cenário dá-nos algo para contemplar, onde nos perdermos com o olhar; do mesmo modo, um cenário fraco pode distrair das interpretações — boas ou más (dependendo das interpretações).

Peter McIntosh criou um cenário simplesmente deslumbrante, de um detalhe impressionante, para a reposição de Harvey por Lindsay Posner — a peça vencedora do Prémio Pulitzer de 1945, de Mary Coyle Chase — que acaba de estrear no Haymarket Theatre depois de uma temporada no Birmingham Repertory Theatre e de uma digressão pelo Reino Unido. O cenário merece aplausos só por si.

Quando a peça começa, estamos na biblioteca/sala de estar da casa dos Dowd/Simmons. Há painéis de madeira lindos e ricos por todo o lado. Mobiliário de bom gosto, uma espreguiçadeira rosa magnífica, uma lareira sobre a qual domina a fotografia de uma mulher imponente, livros sem fim, uma pequena mesinha de telefone e uma ou duas cadeiras bem estofadas, uma delas para atender chamadas. Tudo cheira a dinheiro, mas com um toque de excentricidade difícil de definir. Há um corredor através do qual vemos uma porta para outra divisão, onde decorre uma espécie de soirée. Ouve-se Gilbert and Sullivan, interpretado por uma mulher que se imagina ser algum tipo de atração da alta sociedade. A atmosfera é deliciosa, convidativa.

Quando a ação passa para o sanatório local, o cenário do salão simplesmente roda e sai de cena. Enormes plataformas móveis entram silenciosamente em ação. Chega um novo cenário, este com aquele verde hospitalar e clínico, com uma verdadeira sensação de frieza oficial e superioridade a pairar por todo o lado. Mas o impressionante é que, enquanto o salão era um retângulo, este é algo como um triângulo: o espaço de jogo é completamente diferente, fresco e interessante. Há várias portas que prometem estrondos e uma escada que leva a algures. De novo, a atmosfera é de expectativa, tentadora — mas de uma forma totalmente distinta do primeiro cenário.

A ação regressa ao salão e depois, após o intervalo, surge um novo espaço: um bar acolhedor. Podia ser um speakeasy em qualquer sítio — muita madeira nas paredes, um bar bem abastecido, com superfícies espelhadas e um barman sisudo, muitas mesas e cadeiras. O efeito é caloroso e intrigante, sobretudo porque se falou muito deste bar nas cenas anteriores. Quando o momento no bar termina, dá-se novamente a rotação silenciosa e, um tanto milagrosamente, o cenário do sanatório desliza para o lugar para a cena final.

Falo do cenário com tanto detalhe por duas razões. Em primeiro lugar, porque o feito de McIntosh é de nível mundial e a magia de como o cenário se transforma funciona lindamente para espelhar a magia de um mundo onde o futuro pode ser previsto por um coelho branco de seis pés e três polegadas e meia chamado Harvey. É um caso claro de um cenógrafo encontrar uma forma inteligente e discreta de fazer o cenário refletir temas centrais da peça. Em segundo lugar, porque o cenário é, de longe, a melhor coisa desta produção.

Encenada por Lindsay Posner, esta é a mais apagada evocação que se pode imaginar da encantadora história de Elwood Dowd e do seu amigo coelho branco, Harvey. A peça de Chase é leve, espirituosa e cheia de encanto; tem elementos de farsa, mas não dominam. Para resultar, o encenador só tem de garantir que o encanto está em primeiro plano, que o ritmo é vivo e leve e que as interpretações são verdadeiras e honestas. Não há significados secretos, nem subtextos complexos, nem abordagens profundas de temas sensíveis.

Não. Há apenas diversão suave, inocente e inebriante, e a noção de que a felicidade está mesmo à nossa frente, se quisermos agarrá-la. Um homem, feliz na companhia do seu amigo coelho branco alto “imaginário”, o Harvey do título, mostra-nos como o fazer.

Mas Posner parece pouco disposto — ou incapaz — de deixar o texto tecer o seu feitiço sedutor. Em vez de interpretações honestas e encantadoras, opta por caracterizações e desempenhos artificiosos, fanfarronice em vez de troca de espirituosidade, estridência em vez de suavidade, camp em vez de aconchego, o cinismo de hoje em vez do tom rosado de então, a forma em vez da substância. O coração pulsante da peça de Chase nunca se ouve; Posner substitui a nostalgia em foco suave — aqui essencial — por uma modernidade de arestas duras.

Isto fica cristalino quando Lionel Haft faz a sua entrada tardia no Ato Dois, interpretando um taxista determinado mas respeitador que precisa que lhe paguem a corrida. Haft é luminoso na sua cena curta, com um brilho de alegria no olhar e uma verve fácil, lacónica. É um homem que gosta da vida e consegue o que quer. Não há artifício aqui, apenas uma interpretação verdadeira. A personagem de Haft contrasta de forma gritante com as restantes com quem partilha o palco.

Chase usa a personagem de Haft para fazer Veta, a irmã de Elwood, perceber que não consegue realmente viver sem Elwood na sua vida. Visto de outra forma, a personagem de Haft provoca o momento em que Veta aceita Harvey. Ver não é acreditar; Veta viu Harvey, mas nunca acreditou. O episódio da carteira de moedas desaparecida, necessária para pagar a corrida a Haft, leva Veta a aceitar e a acreditar. Elwood, claro, já o fazia desde sempre — mas agora Veta finalmente percebe.

É o princípio central da peça: o contentamento nasce da aceitação e da crença. Os dois casais à espera de acontecer (Nurse Kelly e Dr Sanderson; Myrtle Mae e Duane) precisam de aprender esta lição para que os seus futuros se entrelacem; Dr Chumley e Dr Sanderson precisam ambos de aceitar que podem estar errados; o Juiz precisa de aceitar que nem sempre sabe melhor; Myrtle Mae precisa de aceitar que as suas necessidades não são as mais importantes; Veta precisa de aceitar que Harvey não é o inimigo — uma natureza implacável e incapaz de aceitar é que é o inimigo.

Elwood aceita toda a gente e acredita em toda a gente: essa é a lição que tem de ensinar aos outros. O mesmo acontece com a personagem de Haft. Ele aceita qualquer pessoa como passageiro e acredita que será tratado com justiça. Ele encarna a filosofia de Harvey; só não precisa de um coelho gigante invisível ou de um Pooka para seguir em frente.

O lado fantasioso da peça não vem apenas do ambiente, do diálogo e da história, mas também do jogo de cena. Tirando Haft, o trabalho em palco é surpreendentemente incompetente.

Nem Jack Hawkins (Dr Sanderson), nem Ingrid Oliver (Myrtle Mae), nem Youseff Kerkour (Duane), nem Sally Scott (Nurse Kelly) ou David Bamber (Dr Chumley) trazem qualquer calor ou encanto ao tempo que passam em cena. Não há qualquer sensação de amor a florescer, da felicidade que as possibilidades da mudança podem trazer, ou sequer um simples sentido de alegria. Todos são rudes, ásperos e frios quando deveriam ser deliciosos. A estridência moderna não substitui a felicidade à moda antiga.

Amanda Boxer e Desmond Barrit saem-se um pouco melhor, mas apesar de todas as excentricidades das suas personagens-tipo (socialite e Juiz, respetivamente), também eles precisam de mais encanto — e de muito.

James Dreyfus, um bom ator, parece aqui perdido num mar de artifício presunçoso, quando tudo o que precisava era deixar o seu charme intrínseco e elegante transbordar. O seu Elwood é demasiado afetado, demasiado camp, demasiado “joie de vivre” de fachada — parece que poderia ser Madame Lucy de Irene, em vez do homem de alma bonita e do coelho branco alto. Está estranhamente mundano e interrogativo quando deveria ser inocente e sincero. É uma interpretação muito estranha.

Maureen Lipman está maravilhosamente tensa como Veta, a irmã de Elwood, e traz uma aflição gloriosa à cena em que regressa a casa depois de ter sido “enfermeirada” no sanatório, com uma meia descaída e o cabelo num estado como se cada caracol tivesse sido virado do avesso por um tornado. As suas reações súbitas a Harvey, ao retrato de Harvey e a sua lenta e deliciosa rendição na espreguiçadeira estão todas meticulosa e belamente cronometradas. Ela sabe como dizer uma fala para máximo efeito.

De facto, se houvesse mais encanto em palco à sua volta, é provável que a sua interpretação fosse muito mais deliciosa; mas a ausência de um excelente apoio deixa-a isolada, quase numa esfera própria de atuação. Nem Lipman consegue suportar o peso da peça sozinha. Nem mesmo no esplêndido cenário de McIntosh e a usar os fabulosos vestidos que ele desenhou para ela.

Sem o encanto e o calor centrais que Chase imaginou e claramente escreveu, a peça não pode resultar. Posner falhou por completo em iluminar o sentido de consolo e conforto que Chase pretendia — ela escreveu a peça para levantar e aliviar o espírito de quem sofreu como resultado da Segunda Guerra Mundial. Esta produção tira mais do que dá e deixa Dreyfus e Lipman encalhados num fiasco.

Um fiasco sem graça, sem encanto.

Harvey está em cena no Theatre Royal, Haymarket até 2 de maio de 2015