RECENSIONE: Harvey, Theatre Royal Haymarket ✭

Maureen Lipman, Desmond Barrit e Ingrid Oliver. Foto: Manuel Harlan Harvey

Theatre Royal, Haymarket

23 marzo 2015

1 stella

Si fa troppo poco clamore intorno alle persone di talento che firmano scenografie e costumi degli spettacoli in scena nel West End. I premi tendono a concentrarsi su recitazione e regia e, anche quando esistono riconoscimenti per scenografia, costumi, luci e suono, raramente vengono considerati “quelli importanti”. Eppure il design è cruciale per il piacere complessivo di una produzione teatrale tanto quanto qualsiasi altro aspetto. Anzi: nelle produzioni peggiori, una buona scenografia ti offre comunque qualcosa su cui soffermarti, in cui perdersi con lo sguardo; allo stesso modo, una scenografia sbagliata può distrarre dalle interpretazioni, che possono essere buone o cattive (a seconda degli attori).

Peter McIntosh ha realizzato una scenografia semplicemente bellissima, di una cura incredibile, per la ripresa di Harvey firmata da Lindsay Posner, la commedia di Mary Coyle Chase vincitrice del Pulitzer nel 1945, appena approdata all’Haymarket dopo una stagione al Birmingham Repertory Theatre e una tournée nel Regno Unito. La scenografia merita un applauso tutto suo.

All’apertura siamo nella biblioteca/salotto della casa Dowd/Simmons. Ovunque, splendide boiserie in legno scuro. Arredi di gusto, una magnifica chaise longue rosa, un camino sopra il quale campeggia la foto dominante di una donna imponente, libri in quantità, un tavolino per il telefono e una o due sedie elegantemente imbottite, una per rispondere alle chiamate. Tutto profuma di denaro, ma con un tocco di stravaganza difficile da definire. C’è un corridoio attraverso cui si intravede una porta su un’altra stanza, dove è in corso una sorta di soirée. Una donna — che immaginiamo essere una star della buona società — esegue Gilbert e Sullivan. L’atmosfera è deliziosa, invitante.

Quando l’azione si sposta al sanatorio locale, il set del salotto ruota semplicemente via. Enormi carrelli mobili entrano in azione in silenzio. Arriva una nuova ambientazione, clinica e verde ospedale, con un autentico senso di ufficiale desolazione e superiorità che aleggia tutt’intorno. Ma la cosa impressionante è che, mentre il salotto era un rettangolo, questo è una sorta di triangolo: lo spazio scenico è completamente diverso, fresco e interessante. Ci sono diverse porte che promettono sbattimenti e una scala che conduce da qualche parte. Anche qui l’atmosfera è carica di attesa, stuzzicante, ma in modo del tutto diverso dal primo ambiente.

L’azione torna nel salotto e poi, dopo l’intervallo, compare un nuovo spazio: un bar accogliente. Potrebbe essere uno speakeasy di qualsiasi città: molto legno alle pareti, un bancone ben fornito con superfici specchiate e un barista cupo, tanti tavoli e sedie. L’effetto è caldo e intrigante, non da ultimo perché di questo bar si è parlato molto nelle scene precedenti. Quando il momento al bar finisce, avviene di nuovo la rotazione silenziosa e, quasi miracolosamente, il set del sanatorio scivola al suo posto per la scena finale.

Cito la scenografia con tanta dovizia per due ragioni. La prima: il risultato di McIntosh è di livello mondiale e il senso quasi magico con cui gli spazi cambiano funziona splendidamente nel riflettere la magia di un mondo in cui il futuro può essere predetto da un coniglio bianco alto sei piedi e tre pollici e mezzo, di nome Harvey. È un esempio limpido di scenografo che trova un modo intelligente e discreto per far rispecchiare al set i temi centrali del testo. La seconda: la scenografia è, di gran lunga, la cosa migliore di questa produzione.

Per come la dirige Lindsay Posner, questa è la più spenta evocazione immaginabile della storia affascinante di Elwood Dowd e del suo amico coniglio bianco, Harvey. La commedia della Chase è leggera, arguta e piena di charme; ha elementi farseschi, ma non dominano. Per funzionare, al regista basta assicurarsi che il fascino stia in primo piano, che il ritmo sia vivace e scorrevole e che le interpretazioni siano sincere e autentiche. Non ci sono significati segreti, né sottotesti complessi, né approfondimenti su temi delicati.

No. C’è soltanto un divertimento gentile, innocente e inebriante, e l’idea che la felicità sia davanti agli occhi di tutti, se solo decidiamo di afferrarla. Un uomo, beatamente felice in compagnia del suo amico “immaginario” coniglio bianco gigante, l’Harvey del titolo, ci mostra come farlo.

Ma Posner sembra non voler — o non riuscire — a lasciare che il testo intrecci il suo incantesimo ammaliante. Invece di interpretazioni oneste e piene di grazia, sceglie caratterizzazioni furbette e manierate, strepito al posto del botta e risposta, stridore al posto della dolcezza, camp al posto dell’accogliente, il cinismo di oggi al posto della tinta rosea di ieri, la forma al posto della sostanza. Il cuore pulsante della commedia della Chase non si sente mai; Posner sostituisce una modernità tagliente là dove è essenziale una nostalgia morbida, sfocata.

Tutto questo diventa cristallino quando Lionel Haft entra tardi nel secondo atto interpretando un tassista determinato ma rispettoso, che vuole essere pagato. Haft è luminoso nella sua breve scena: uno scintillio di gioia negli occhi, una verve facile e rilassata. È un uomo che si gode la vita e ottiene ciò che vuole. Qui non c’è artificio: solo una prova veritiera. Il personaggio di Haft si staglia in netto contrasto con gli altri con cui condivide il palco.

La Chase usa il personaggio di Haft per far capire a Elwood la sorella Veta che in realtà non può fare a meno di lui. Vista in un altro modo, la scena con il tassista innesca il momento in cui Veta accetta Harvey. Vedere non è credere; Veta ha visto Harvey ma non ci ha mai creduto. La faccenda del portamonete scomparso, necessario per pagare la corsa a Haft, porta Veta ad accettare e a credere. Elwood, naturalmente, lo fa da sempre, ma ora Veta finalmente ci arriva.

È il principio centrale della commedia: la serenità arriva attraverso accettazione e fede. Le due coppie “in attesa” (l’infermiera Kelly e il dottor Sanderson; Myrtle Mae e Duane) devono imparare la lezione perché i loro futuri possano intrecciarsi; sia il dottor Chumley sia il dottor Sanderson devono accettare che possono sbagliare; il Giudice deve accettare che non sempre sa cosa è meglio; Myrtle Mae deve accettare che i suoi bisogni non sono i più importanti; Veta deve accettare che Harvey non è il nemico — il nemico è un’indole implacabile e incapace di accettare.

Elwood accetta tutti e crede in tutti: questa è la lezione che deve insegnare agli altri. Lo stesso vale per il personaggio di Haft. Accetta chiunque come passeggero e crede che sarà trattato con correttezza. Incarn(a) la filosofia di Harvey; solo che non ha bisogno di un coniglio gigante invisibile o di un pooka per cavarsela.

La componente fiabesca del pezzo non nasce solo da ambientazione, dialoghi e storia, ma anche dal modo di recitare. A parte Haft, qui la recitazione è sorprendentemente impacciata.

Né Jack Hawkins (dottor Sanderson), né Ingrid Oliver (Myrtle Mae), né Youseff Kerkour (Duane), né Sally Scott (infermiera Kelly) o David Bamber (dottor Chumley) portano calore o charme nel tempo che trascorrono in scena. Non si avverte l’amore che sboccia, la felicità che le possibilità del cambiamento possono portare, o nemmeno una semplice gioia. Sono tutti bruschi, ruvidi e freddi, quando dovrebbero essere deliziosi. La stridula modernità non è un sostituto della felicità d’altri tempi.

Amanda Boxer e Desmond Barrit se la cavano un po’ meglio, ma nonostante le eccentricità dei loro personaggi-tipo (rispettivamente una socialite e un Giudice) anche loro avrebbero bisogno di più charme — e di parecchio.

James Dreyfus, attore di valore, qui sembra perdersi in un mare di compiaciuta artificiosità, quando basterebbe lasciare che il suo innato fascino elegante esploda ovunque. Il suo Elwood è troppo affettato, troppo camp, con una falsa joie de vivre: sembra più Madame Lucy di Irene che l’uomo dall’anima bellissima e dal coniglio bianco gigante. È stranamente mondano e inquisitivo quando dovrebbe essere innocente e sincero. È un’interpretazione molto strana.

Maureen Lipman è meravigliosamente rigida nei panni di Veta, la sorella di Elwood, e regala uno splendido turbamento nella scena in cui torna a casa dopo essere stata maltrattata dalle infermiere al sanatorio, con una calza storta e i capelli messi come se ogni ricciolo fosse stato ribaltato da un tornado. I suoi doppi sguardi su Harvey, il quadro di Harvey e il suo lento, delizioso crollo sulla chaise longue sono tutti calibrati con meticolosa, bellissima precisione. Sa come consegnare una battuta perché faccia pienamente centro.

Anzi, se attorno a lei ci fosse stato più charme in scena, è probabile che la sua prova sarebbe risultata molto più godibile; ma l’assenza di un supporto eccellente la lascia isolata, quasi in una sfera interpretativa tutta sua. Nemmeno la Lipman può reggere il peso della commedia da sola. Nemmeno nella splendida scenografia di McIntosh e indossando gli abiti favolosi che ha disegnato per lei.

Senza il fascino centrale e il calore che la Chase aveva immaginato — e chiaramente scritto — la commedia non può funzionare. Posner ha fallito completamente nell’illuminare quel senso di sollievo e conforto che la Chase intendeva: scrisse il testo per sollevare e alleviare gli animi di chi aveva sofferto a causa della Seconda guerra mondiale. Questa produzione toglie più di quanto dia e lascia Dreyfus e Lipman arenati in un fiasco.

Un fiasco non divertente e privo di charme.

Harvey è in scena al Theatre Royal, Haymarket fino al 2 maggio 2015