CRITIQUE : Harvey, Théâtre Royal Haymarket ✭

Maureen Lipman, Desmond Barrit et Ingrid Oliver. Photo : Manuel Harlan Harvey

Théâtre Royal, Haymarket

23 mars 2015

1 Étoile

On ne fait pas assez de bruit autour des personnes talentueuses qui fournissent les décors et les costumes des spectacles du West End. Les récompenses ont tendance à se concentrer sur le jeu d'acteur et la mise en scène, et bien qu'il y ait souvent des prix décernés pour les décors, les costumes, l'éclairage et la conception sonore, ils ne sont jamais considérés comme les récompenses importantes. Et pourtant, la conception est tout aussi critique pour le plaisir général d'une production théâtrale que tout autre aspect. En effet, dans les pires productions, un bon décor vous donnera de quoi réfléchir, pour vous perdre en le regardant ; de même, un mauvais décor peut distraire des performances, qui peuvent être bonnes ou mauvaises (selon les performances).

Peter McIntosh a fourni un décor tout simplement magnifique et incroyablement détaillé pour la reprise de Harvey par Lindsay Posner, la pièce gagnante du prix Pulitzer en 1945 écrite par Mary Coyle Chase, qui vient d'ouvrir au Théâtre Haymarket après une saison au Birmingham Repertory Theatre et une tournée au Royaume-Uni. Le décor mérite des applaudissements pour lui-même.

Lorsque la pièce débute, nous nous trouvons dans la bibliothèque/salon de la maison Dowd/Simmons. De magnifiques boiseries riches sont partout. Des meubles de bon goût, une magnifique méridienne rose, une cheminée au-dessus de laquelle est suspendue une photo dominante d'une femme impressionnante, des livres sans fin, une petite table téléphonique et un ou deux fauteuils joliment rembourrés, l'un d'eux pour passer des appels. Tout sent l'argent, mais avec une touche d'excentricité difficile à définir. Il y a un couloir à travers lequel nous pouvons voir une porte menant à une autre pièce, où une soirée d'un certain genre est en train de se dérouler. Gilbert et Sullivan sont interprétés par une femme que l'on imagine être une sorte de personnalité mondaine. L'atmosphère est délicieuse et séduisante.

Lorsque l'action se déplace vers le sanatorium local, le décor du salon pivote simplement. D'énormes camions mobiles silencieux se mettent en marche. Un nouveau décor apparaît, celui-ci est clinique et vert hôpital, un réel sentiment de joyeuse froideur officielle et de supériorité tourbillonne tout autour. Mais la chose impressionnante est que, alors que le salon était un rectangle, celui-ci est une sorte de triangle : l'espace de jeu est complètement différent, neuf et intéressant. Il y a plusieurs portes qui promettent de claquer et un escalier qui mène quelque part. Encore une fois, l'atmosphère est expectante, captivante, mais d'une manière totalement différente du premier décor.

L'action revient dans le salon puis, après l'entracte, il y a un nouvel espace : un bar cosy. Cela pourrait être un speakeasy n'importe où, beaucoup de bois sur les murs, un bar bien approvisionné, avec des surfaces miroitées et un barman morose, beaucoup de tables et de chaises. L'effet est chaleureux et intrigant : ne serait-ce que parce qu'il y a eu beaucoup de discussions sur ce bar dans les scènes précédentes. Lorsque le moment dans le bar se termine, le pivot silencieux se produit à nouveau, et de manière quelque peu miraculeuse, le décor du sanatorium glisse en place pour la scène finale.

Je mentionne le décor avec autant de détails pour deux raisons. Premièrement, parce que la réalisation de McIntosh avec le décor est de classe mondiale, et le sens magique de la façon dont le décor change fonctionne magnifiquement pour refléter la magie d'un monde où l'avenir peut être prédit par un lapin blanc de six pieds trois et demi nommé Harvey. C'est un cas clair où le créateur de décors trouve un moyen astucieux et discret de faire en sorte que le décor reflète les thèmes centraux de la pièce. Deuxièmement, parce que le décor est de loin la meilleure chose de cette production.

Sous la direction de Lindsay Posner, c'est l'évocation la plus terne de l'histoire charmante d'Elwood Dowd et son ami lapin blanc, Harvey, que vous pouvez imaginer. La pièce de Chase est légère, pleine d'esprit et de charme ; elle a des éléments de farce mais ils ne dominent pas. Pour réussir, le réalisateur doit simplement s'assurer que le charme est au premier plan, que le rythme est vif et léger et que les performances sont sincères et honnêtes. Il n'y a pas de significations cachées, pas de sous-textes complexes, pas de traitements approfondis de sujets sensibles.

Non. Il y a juste un amusement doux, innocent et enivrant, et l'idée que le bonheur est juste devant tous, si nous voulons bien le saisir. Un homme, joyeusement heureux en compagnie de son ami lapin blanc "imaginaire", le fameux Harvey, nous montre comment le saisir.

Mais Posner semble réticent, ou incapable, de laisser le texte tisser son charme captivant. Plutôt que des performances honnêtes et charmantes, il opte pour des caractérisations et performances astucieuses et trompeuses, du bluster plutôt que du badinage, des cris plutôt que de la douceur, du camp plutôt que du cosy, le cynisme d'aujourd'hui plutôt que la teinte rose de jadis, la forme plutôt que le fond. Le cœur battant de la pièce de Chase n'est jamais entendu ; Posner substitue une modernité dure là où la nostalgie en léger flou est essentielle.

Tout cela est montré très clairement lorsque Lionel Haft fait son entrée tardive dans l'Acte Deux jouant un chauffeur de taxi déterminé mais respectueux qui a besoin de faire payer sa course. Haft est lumineux dans sa scène courte, une étincelle de joie dans ses yeux, une verve facile et légère à son sujet. C'est un homme qui est content de sa vie et qui arrive à ses fins. Il n'y a pas d'artifice ici, juste une performance sincère. Le personnage de Haft contraste fortement avec les autres avec qui il partage la scène.

Chase utilise le personnage de Haft pour souligner à la sœur d'Elwood, Veta, qu'elle ne peut vraiment pas se passer d'Elwood dans sa vie. Vu d'un autre angle, le personnage de Haft provoque le moment où Veta accepte Harvey. Voir, ce n'est pas croire ; Veta a vu Harvey mais n'a jamais cru. L'affaire avec le porte-monnaie manquant, nécessaire pour payer Haft sa course, pousse Veta à accepter et à croire. Elwood, bien sûr, a fait cela depuis toujours mais maintenant Veta le comprend.

C'est le principe central de la pièce : le contentement vient par l'acceptation et la croyance. Les deux couples en attente (l'infirmière Kelly et le Dr Sanderson ; Myrtle Mae et Duane) doivent apprendre cette leçon pour que leurs avenirs s'entrelacent ; le Dr Chumley et le Dr Sanderson doivent tous deux accepter qu'ils peuvent se tromper ; le juge doit accepter qu'il ne sait pas toujours mieux ; Myrtle Mae doit accepter que ses besoins ne sont pas les plus importants ; Veta doit accepter que Harvey n'est pas l'ennemi - une nature impitoyable et inacceptante est l'ennemi.

Elwood accepte tout le monde et croit en tout le monde : c'est la leçon qu'il doit enseigner aux autres. De même, le personnage de Haft. Il accepte n'importe qui comme passager et croit qu'il sera traité équitablement. Il incarne la philosophie de Harvey ; il n'a juste pas besoin d'un lapin géant invisible ou d'un Pooka pour s'en sortir.

La fantaisie de la pièce provient non seulement du décor, du dialogue et de l'histoire, mais aussi du jeu. Mis à part Haft, le jeu ici est étonnamment inepte.

Ni Jack Hawkins (Dr Sanderson), Ingrid Oliver (Myrtle Mae), Youseff Kerkour (Duane), Sally Scott (l'infirmière Kelly) ni David Bamber (Dr Chumley) n'apportent de chaleur ou de charme à leur temps sur scène. Il n'y a aucun sentiment d'amour en éclosion, du bonheur que le changement de perspectives peut apporter, ni même un simple sentiment de joie. Tous sont rugueux, grisonnants et froids alors qu'ils devraient tous être délicieux. La stridence moderne ne remplace pas le bonheur à l'ancienne.

Amanda Boxer et Desmond Barrit s'en sortent un peu mieux, mais malgré toutes les excentricités de leurs personnages types (socialite et juge respectivement), ils ont, eux aussi, besoin de plus de charme - et en grande quantité.

James Dreyfus, un excellent acteur, semble ici perdu dans une mer d'artifice égoïste, alors que tout ce qu'il doit faire, c'est laisser son charme élégant intrinsèque éclater partout. Son Elwood est trop maniéré, trop excentrique, une fausse joie de vivre - il semble comme s'il pourrait être Madame Lucy dans Irene plutôt que l'homme avec la belle âme et le grand lapin blanc. Il est étrangement mondain et curieux alors qu'il devrait être innocent et sincère. C'est une performance très étrange.

Maureen Lipman est merveilleusement raide en Veta, la sœur d'Elwood et elle apporte une détresse glorieuse à la scène où elle revient chez elle après avoir été manipulée à l'hôpital, un bas en mouvement et ses cheveux souffrant comme si chaque boucle avait été bouleversée par une tornade. Ses doubles prises sur Harvey, la peinture de Harvey et son lent effondrement délicieux sur la méridienne sont tous méticuleusement et magnifiquement chronométrés. Elle sait comment délivrer une réplique pour un effet maximal.

En effet, s'il y avait eu plus de charme sur scène autour d'elle, il est probable que sa performance aurait été beaucoup plus plaisante ; mais l'absence de soutien excellent la laisse isolée, presque dans sa propre sphère de performance. Même Lipman ne peut pas porter le fardeau de la pièce à elle seule. Même dans le magnifique décor de McIntosh et portant les fabuleuses robes qu'il a conçues pour elle.

Sans le charme central et la chaleur que Chase a envisagé et clairement écrit, la pièce ne peut pas réussir. Posner a entièrement échoué à illuminer le sentiment de réconfort et de confort que Chase avait l'intention de créer - elle a écrit la pièce pour remonter et alléger les esprits de ceux qui ont souffert à cause de la Seconde Guerre mondiale. Cette production prend plus qu'elle ne donne et laisse Dreyfus et Lipman échoués dans une dinde.

Une dinde non drôle et sans charme.

Harvey est à l'affiche au Théâtre Royal, Haymarket jusqu'au 2 mai 2015