RESEÑA: The Last Ship, Teatro Neil Simon ✭✭✭✭✭

El reparto de The Last Ship. Foto: Joan Marcus. The Last Ship

Teatro Neil Simon

31 de octubre de 2014

5 estrellas

Es Halloween en Broadway. Un hombre con una máscara con cabeza de caballo se sienta tres filas delante. La mujer que está detrás le pregunta si se la quitará para la función. Su amigo le contesta, secamente, que Mr Ed era ficticio y que los caballos no pueden hablar. Una de las tres Elphabas sentadas junto a la mujer se ríe. El ambiente en el auditorio es jocoso pero incierto: al fin y al cabo, se trata de un musical nuevo. ¿Será truco o trato?

Avancemos hasta los saludos finales: cuando el entusiasmo del público por aplaudir empieza a menguar, una figura solitaria, vestida íntegramente de negro, calva, pero con dos perfectos cuernos negros coronando su brillante cabeza, con un vaso de whisky en la mano, asciende desde el foso. Brinda con el público. Es Sting. Un magnífico regalo de Halloween.

Está allí porque es el compositor y letrista de The Last Ship, un nuevo musical con libreto de John Logan y Brian Yorkey, que vive ahora su temporada de estreno en Broadway en el Teatro Neil Simon. La producción está dirigida por Joe Mantello y la coreografía es de Steven Hoggett.

Si eres de los que solo disfrutan de entretenimiento deslumbrante y ligero, con mucho baile y canciones interpretadas a pleno pulmón, The Last Ship no va a ser lo tuyo. Si eres de los que buscan efectos llamativos, rock atronador y tramas que no exigen atención, The Last Ship no va a ser lo tuyo. Si eres de los que solo quieren musicales que prioricen la comedia, idealicen el romance y terminen con un gran final feliz, The Last Ship no va a ser lo tuyo.

Pero

Si eres de los que creen que el teatro musical, en las manos adecuadas, es capaz de cualquier cosa; si te atraen los temas difíciles y los personajes complejos; si disfrutas de canciones que iluminan la personalidad, las relaciones y los sentimientos de quienes las cantan; si no te incomodan los asuntos oscuros y ásperos que reflejan la realidad; si valoras un análisis de preguntas duras, una puesta en escena imaginativa y una partitura robusta y coherente; si te gusta que los musicales los interprete gente que de verdad sabe actuar sus papeles y cantar sus canciones; si eres tú, entonces The Last Ship es un gran truco: un auténtico capricho de Broadway con una forma totalmente inesperada.

En el fondo, The Last Ship trata sobre el amor, la identidad y la aceptación. La historia se sitúa en un pequeño pueblo inglés levantado en torno a la construcción naval, donde generaciones han fabricado barcos para compradores de todo el mundo. Un joven testarudo se niega a seguir a su padre en el astillero y decide ver mundo como marinero. Quiere que su novia se vaya con él, pero ella se niega, sin tener claro que esa sea la vida que desea. Él le promete volver a por ella. Y lo hace... quince años después. (Idiota.)

Cuando regresa, su padre ya ha sido enterrado, el astillero ha cerrado, los hombres del pueblo se niegan a abandonar su vocación de constructores navales, y su novia vive feliz con otro hombre (un desertor a ojos de los del astillero) que la ha ayudado a criar a su hijo: el que tuvo tras la marcha del joven marinero, el hijo cuya existencia él nunca supo.

La narración se centra en si el marinero y su antigua novia volverán a reunirse, en si un hijo aceptará a su padre (en ambos sentidos), y en si el pueblo puede reencontrarse a sí mismo tras perder el sustento que mantuvo a generaciones. Es una historia sombría, valiente y absorbente que, si te dejas llevar, resulta lúcida, emocionante e inolvidable.

Mantello y Hoggett escenifican la acción con imaginación y un gran sentido de la fluidez; las escenas se encadenan unas con otras, igual que lo hacen los personajes. La magnífica iluminación de Christopher Akerlind realza la puesta en escena de forma incalculable. Comprensiblemente, la pieza se siente muy masculina, con peleas de bar, disputas sindicales, solidaridad obrera y un sacerdote que puede beber a la par de cualquiera. El movimiento de Hoggett lo refleja: hay mucho zapateo, golpes y pisotones, todo ello muy eficaz.

Y todo ello contrasta deliciosamente con los momentos más íntimos: los cambios de la adolescencia a la adultez, las decisiones sobre qué hacer con el futuro, un funeral, la escena en la que el padre ausente enseña a su hijo a bailar, los doloridos recuerdos de la madre.

Además, el maravilloso y cambiante diseño de escenografía de David Zinn permite, con facilidad y estilo, más de una docena de localizaciones, y la imagen final del barco alejándose es tan poderosa y genuinamente emocionante como pocas. Todo se hace con gran sencillez: el sentido de lugar, como si fuera un personaje, se establece tanto por la manera en que los actores se relacionan con el decorado como por el propio diseño.

Lo más interesante de todo esto es que, pese a la notable escasez de mujeres en el equipo creativo (el reparto parece la gran excepción), son los personajes femeninos los más redondos, complejos y, además, los que se interpretan de forma más sensacional. De hecho, por mucho que pueda parecer lo contrario, toda la función gira en torno a Meg Watson: la abandonan y el sacerdote la cuida; los hombres a los que ama pertenecen al mundo del astillero; el triángulo entre los tres hombres más importantes de su vida la sitúa en el centro; trabaja en el pub y vive en el pueblo. De una u otra forma, cada aspecto de The Last Ship se articula alrededor de la mujer extraordinaria que es Meg.

Rachel Tucker está deslumbrante como Meg Dawson, la chica a la que deja atrás el Gideon de Michael Esper. Tiene un exterior duro y pragmático que oculta un corazón roto, no: hecho añicos. Pero, como una tigresa, no permitirá que nada dañe a su hijo. Canta de manera fenomenal, ya sea lanzándose a pleno pulmón con la divertidísima «If You Ever See Me Talking To A Sailor» o manejando con destreza las baladas «When We Dance» y «It's Not The Same Moon».

Transmite a la perfección la confusión esperable cuando alguien a quien amaste —el padre de tu hijo— aparece de repente en tu vida declarando su amor eterno. Su feroz amor protector hacia su hijo se percibe con total claridad, y la honestidad de su indecisión y desconcierto está bellamente retratada. Esta Meg es una mujer fuerte, completamente real, que ha soportado una vida dura con gracia y compasión.

Sally Ann Triplett luce una voz fabulosa como Peggy White, la esposa inquebrantable de Jackie, el líder de los constructores navales. Su interpretación de «Sail Away» es exquisita. Es, claramente, uno de los pilares de la comunidad, y el corazón que aporta al papel es vital y palpitante. Está en su mejor momento cuando encabeza a los asistentes a un funeral en un himno vibrante, emocionante y afirmador de la vida: «Show Some Respect».

Shawna M Hamic se divierte muchísimo con la dueña del pub, una mujer de carácter, con bate de críquet en mano, capaz de plantar cara a cualquier borracho pendenciero que se le cruce, y «Mrs Dee's Rant» arranca el segundo acto por todo lo alto. Y hay un trabajo encantador de Dawn Cantwell, que interpreta a Meg de joven: una actuación entrañable y muy bien medida que marca el tono de toda la velada.

En el doble papel del joven Gideon que se escapó al mar y de Tom, el hijo de Meg, Collin Kelly-Sordelet, en su debut en Broadway, es encantador en todos los sentidos. Su cometido es complejo: tiene que mostrar los rasgos del hombre en el que Gideon se convertirá y, después, los del hombre que Gideon ha moldeado. Lo hace muy bien, con gran encanto y esa torpeza rebelde que es el epicentro de la adolescencia. «The Night The Pugilist Learned How To Dance», el dúo y baile de Tom con Gideon, es pura magia, al igual que las baladas en las que encuentran la calma: «Ghost Story» y, después, «August Winds».

Jimmy Nail ofrece un canto extraordinario y, bueno, clava el papel de Jackie White, esa montaña de hombre que lidera a los constructores navales. Construye un personaje duro e inflexible, pero imposible de no apreciar, y la imagen final, evocadora, funciona en gran medida gracias a su sólida interpretación. Su voz es como una sirena de niebla: algo asombroso, de potencia cruda.

Fred Applegate debe de perfilarse como un claro candidato a un premio Tony por su soberbia interpretación del padre O'Brien, líder espiritual de la comunidad, que cuida de los suyos con una mezcla de pasión e irreverencia que, para algunos, podría parecer poco santa. Bebe, fuma, no está por encima de un poco de malversación cuando hay una buena causa a la vista, y actúa como brújula moral para todos los que se cruzan con él. Es una interpretación rica, divertida y profundamente conmovedora. Y la voz de Applegate está en forma: un tenor espléndido, atractivo y poderoso. Su trabajo en la canción titular, «The Last Ship», y su tierno final, «So To Speak», resulta verdaderamente inquietante.

Como de costumbre, Aaron Lazar deja huella: una interpretación medida con precisión y muy convincente. Da vida a Arthur, la pareja actual de Meg y el hombre que ha criado a Tom como si fuera suyo. Odiado por los constructores navales por haber abandonado sus filas, y desconcertado por la reacción de Meg al regreso de Gideon, sería fácil convertir a Arthur en algo irrelevante, en un hombre frío e infeliz. Pero Lazar no cae en eso; su Arthur es tan complejo, cálido y atractivo como Gideon, y queda muy claro por qué Meg está tan dividida ante la elección que debe hacer. Para rematar, canta con un timbre masculino dorado que es una auténtica delicia.

Michael Esper convierte a Gideon en un hombre adecuadamente sexy, fanfarrón y totalmente perdido. Dar la vuelta al mundo no le ha traído paz, y Esper lo deja claro con sutileza. Es una interpretación de gran habilidad y encanto, y Esper está a la altura de las considerables exigencias vocales de la partitura de Sting. «All This Time» presenta a su personaje con brío, pero me gustó especialmente cómo su manera de cantar a lo largo del espectáculo acompaña los cambios de perspectiva del personaje. Habría que tener el corazón muy duro para no conmoverse con su trabajo en los compases finales del segundo acto; todo está bellamente medido, es veraz y nada sentimentalista.

El bullicioso conjunto realiza un trabajo excelente: nadie está fuera de lugar ni deja de estar plenamente concentrado en hacer que este nuevo musical navegue, con alegría y emoción.

La dirección musical de Rob Mathes es de primera, y la orquesta ofrece la partitura con una resonancia salobre que encaja a la perfección con el libreto. Es una partitura cohesionada y muy melódica, repleta de energía y posibilidades, y Mathes lo extrae todo: con delicadeza cuando hace falta y con un espíritu ardiente en otras ocasiones.

Este es, de verdad, un excelente musical nuevo. Gran reparto, gran partitura, grandes personajes y una historia llena de la aspereza de la vida y de esa línea finísima entre la felicidad y la tragedia. No es Billy Elliot a la orilla del mar, ni tampoco Once pero con barcos. Es una visión única, que gira en torno al amor, la identidad y la aceptación. Una gran noche de teatro.