CRÍTICA: The Last Ship, Teatro Neil Simon ✭✭✭✭✭

O elenco de The Last Ship. Foto: Joan Marcus.

Neil Simon Theatre

31 de outubro de 2014

5 Estrelas

É noite de Halloween na Broadway. Um homem com uma máscara de cabeça de cavalo senta-se três filas à frente. A mulher atrás dele pergunta-lhe se vai tirá-la durante o espetáculo. O amigo responde-lhe, secamente, que o Mr Ed era fictício e que os cavalos não sabem falar. Uma das três Elphabas sentadas ao lado da mulher ri-se. O ambiente na plateia é brincalhão, mas com um quê de hesitação — afinal, estamos perante um novo musical. Será susto ou será doce?

Avançamos até aos agradecimentos finais e, quando o entusiasmo das palmas começa a esmorecer, uma figura solitária, vestida toda de preto, careca, mas com dois perfeitos cornos negros a adornarem a cabeça reluzente, um copo de uísque na mão, emerge do fosso da orquestra. Brinda ao público. É Sting. Um verdadeiro miminho de Halloween.

Ele está ali porque é o compositor e letrista de The Last Ship, um novo musical com texto (book) de John Logan e Brian Yorkey, agora na sua temporada de estreia na Broadway, no Neil Simon Theatre. A encenação é de Joe Mantello e a coreografia de Steven Hoggett.

Se é do tipo de espectador que só gosta de entretenimento leve e deslumbrante, com grandes números de dança e canções cantadas a plenos pulmões, The Last Ship não vai ser a sua praia. Se é do tipo de espectador que gosta de efeitos vistosos, rock estrondoso e enredos que não exigem atenção, The Last Ship não vai ser a sua praia. Se é do tipo de espectador que só gosta de musicais que privilegiam a comédia, romantizam o romance e terminam com finais felizes e grandiosos, The Last Ship não vai ser a sua praia.

Mas

Se é do tipo de espectador que acredita que o teatro musical, nas mãos certas, é capaz de tudo; se gosta de temas difíceis e personagens complexas; se aprecia canções que iluminam a personalidade, as relações e os sentimentos de quem as canta; se não se importa com matérias sombrias e duras, que refletem a realidade; se valoriza uma reflexão sobre questões difíceis, uma encenação inventiva, uma partitura coesa e musculada; se gosta de ver musicais interpretados por pessoas que sabem mesmo representar os seus papéis e cantar as suas canções — então The Last Ship é um grande truque: um verdadeiro presente da Broadway, em forma totalmente inesperada.

No seu âmago, The Last Ship é sobre amor, identidade e aceitação. O cenário é uma pequena cidade inglesa construída em torno da indústria naval, onde gerações ergueram navios para compradores de todo o mundo. Um jovem teimoso recusa-se a seguir o pai para os estaleiros e decide ver o mundo, como marinheiro. Quer que a namorada vá com ele, mas ela recusa, sem a certeza de que é essa a vida que deseja. Ele promete voltar por ela. E volta... quinze anos depois. (Idiota.)

Quando regressa, o pai já foi enterrado, o estaleiro fechou, os homens da cidade recusam-se a abandonar a vocação de construtores navais, e a sua antiga namorada vive feliz com outro homem (um desertor aos olhos do povo dos estaleiros), que a ajudou a criar o filho — o que ela teve depois da partida do jovem marinheiro, o filho que ele nunca soube que existia.

A narrativa centra-se em saber se o marinheiro e a antiga namorada voltarão a unir-se, se um filho aceitará o pai (em ambos os sentidos), e se a cidade conseguirá reencontrar-se depois de perder o sustento que alimentou gerações. É uma história dura, corajosa e envolvente que, se a abraçar, se revela perspicaz, emocionante e memorável.

Mantello e Hoggett encenam a ação com imaginação e uma grande sensação de fluidez; as cenas deslizam umas nas outras, tal como as próprias personagens. A iluminação soberba de Christopher Akerlind eleva imensamente a encenação. Compreensivelmente, a peça tem um tom muito masculino, com brigas de bar, disputas sindicais, solidariedade entre colegas e um padre que bebe com os melhores. O movimento de Hoggett acompanha isso; há muito sapateado, batida e pancada — e tudo funciona muito bem.

E isso contrasta deliciosamente com os momentos mais íntimos — as transições da adolescência para a idade adulta, as decisões sobre o futuro, um funeral, a cena em que o pai ausente ensina o filho a dançar, as dolorosas recordações da mãe.

Além disso, o maravilhoso e mutável desenho de cenários de David Zinn permite mais de uma dúzia de localizações com facilidade e estilo, e a imagem final do navio a afastar-se é tão poderosa e genuinamente entusiasmante quanto se pode desejar. Tudo é feito com grande simplicidade: o sentido de lugar, quase como uma personagem, estabelece-se tanto pela forma como os atores interagem com o cenário como pelo próprio desenho.

O mais interessante em tudo isto é que, apesar de uma notória falta de mulheres na equipa de criação (o casting parece ser a exceção), são as personagens femininas as mais completas, mais complexas e mais sensacionalmente interpretadas. Aliás, por mais que não pareça, todo o espetáculo é sobre Meg Watson; ela é abandonada e o padre cuida dela; os homens que ama vêm todos do mundo da construção naval; o triângulo entre os três homens mais importantes da sua vida coloca-a no centro; ela trabalha no pub e vive na cidade. De uma forma ou de outra, todos os aspetos de The Last Ship gravitam em torno da extraordinária mulher que é Meg.

Rachel Tucker é impressionante como Meg Dawson, a rapariga deixada para trás por Gideon, de Michael Esper. Tem um exterior duro e pragmático que esconde um coração partido — melhor, estilhaçado. Mas, como uma tigresa, não admite que façam mal ao seu filho. O canto é fenomenal, seja a lançar com força o muito divertido "If You Ever See Me Talking To A Sailor", seja a conduzir com destreza as baladas "When We Dance" e "It's Not The Same Moon".

Ela transmite na perfeição a confusão natural quando alguém que se amou — o pai do seu filho — reaparece de repente na sua vida a declarar amor eterno. O amor feroz e protetor pelo filho é cristalino e a honestidade na sua indecisão e confusão é retratada com grande beleza. Esta Meg é uma mulher dura, absolutamente real, que enfrentou uma vida difícil com graça e compaixão.

Sally Ann Triplett está em grande forma vocal como Peggy White, a esposa firme de Jackie, que lidera os construtores navais. A sua interpretação de "Sail Away" é requintada. É, claramente, uma das colunas da comunidade e o coração que traz ao papel é vital e pulsante. Está no seu melhor magnífico quando conduz os enlutados de um funeral num hino vibrante, emocionante e afirmativo: "Show Some Respect".

Shawna M Hamic diverte-se imenso com a taberneira que empunha um taco de cricket e não se intimida perante homens bêbados e brigões — e "Mrs Dee's Rant" faz o Ato Dois arrancar em grande estilo. Há também um trabalho encantador de Dawn Cantwell, que interpreta Meg em jovem; uma prestação cativante e bem medida, que define o tom de toda a noite.

No duplo papel do jovem Gideon que fugiu para o mar e de Tom, o filho de Meg, Collin Kelly-Sordelet, na sua estreia na Broadway, é um encanto em todos os sentidos. A sua tarefa é complexa: tem de mostrar os traços do homem em que Gideon se tornará e, depois, os traços do homem que Gideon moldou. Fá-lo muito bem, com grande charme e aquela rebeldia desajeitada que é o epicentro dos anos de adolescência. "The Night The Pugilist Learned How To Dance", o dueto e dança de Tom com Gideon, é pura magia, tal como as baladas em que encontram paz: "Ghost Story" e, depois, "August Winds".

Há canto extraordinário de Jimmy Nail que, bem, acerta em cheio no papel de Jackie White, o colosso que lidera os construtores navais. Cria uma personagem dura e inflexível, mas impossível de não gostar, e a imagem final evocativa do espetáculo funciona em grande medida graças à sua presença sólida. A sua voz é como uma sirene de nevoeiro: algo de espantoso, de força bruta.

Fred Applegate deve estar a posicionar-se como sério candidato a um Tony pela sua atuação soberba como o Padre O'Brien, líder espiritual da comunidade, que cuida do seu rebanho com uma paixão e uma irreverência que, para alguns, pode parecer pouco santa. Bebe, fuma, não está acima de um pouco de desvio de fundos quando há uma boa causa à vista, e oferece a bússola moral a todos os que o encontram. É uma interpretação rica, divertida e profundamente comovente. E a voz de Applegate está em grande forma: um tenor glorioso, de enorme apelo e robustez. O seu trabalho na canção-título, "The Last Ship", e no final terno, "So To Speak", é verdadeiramente assombrante.

Como sempre, Aaron Lazar deixa uma marca impressionante, com uma interpretação precisa e conquistadora. Interpreta Arthur, o atual companheiro de Meg e o homem que criou Tom como seu. Odiado pelos construtores navais por ter abandonado as suas fileiras, e lançado na confusão pela reação de Meg ao regresso de Gideon, seria fácil transformar Arthur numa irrelevância, num homem frio e infeliz. Mas Lazar não cai nessa; o seu Arthur é tão complexo, caloroso e cativante como Gideon, e percebe-se perfeitamente porque Meg está tão dividida perante a escolha que tem de fazer. Para completar, canta com um tom masculino dourado que dá puro prazer ouvir.

Michael Esper faz de Gideon um homem adequadamente sexy, convencido e completamente perdido. Viajar pelo mundo não lhe trouxe paz, e Esper deixa isso claro de forma subtil. É uma interpretação de grande técnica e charme, e Esper está à altura das exigências vocais consideráveis da partitura de Sting. "All This Time" apresenta a personagem com garra, mas gostei especialmente de como o seu canto, ao longo do espetáculo, acompanha as mudanças de perspetiva da personagem. Será preciso ter um coração muito duro para não se comover com o seu trabalho na reta final do segundo ato; está tudo lindamente calibrado, verdadeiro e sem sentimentalismo.

Há um excelente trabalho do ensemble exuberante — ninguém aqui está deslocado ou deixa de estar totalmente concentrado em fazer este novo musical navegar, com alegria e emoção.

A direção musical de Rob Mathes é de primeira e a orquestra dá à partitura uma ressonância salgada que encaixa na perfeição com o texto. É uma partitura coesa e bastante melodiosa, cheia de energia e possibilidades, e Mathes extrai tudo isso: com delicadeza quando é preciso e com espírito ardente noutras ocasiões.

Este é, de facto, um novo musical excelente. Grande elenco, grande partitura, grandes personagens e uma história cheia da crueza da vida e daquela linha ténue entre a felicidade e a tragédia. Não é Billy Elliot à beira-mar, nem é Once com navios. É uma visão única, assente no amor, na identidade e na aceitação. Uma grande noite no teatro.