리뷰: 마지막 배, 닐 사이먼 극장 ✭✭✭✭✭

뮤지컬 The Last Ship 출연진. 사진: Joan Marcus. The Last Ship

닐 사이먼 극장

2014년 10월 31일

별 5개

브로드웨이의 할로윈 밤이다. 말 머리 가면을 쓴 남자가 앞쪽 세 번째 줄에 앉는다. 뒤에 앉은 여성이 공연 중에는 가면을 벗어줄 수 있냐고 묻자, 그의 친구가 퉁명스럽게 말한다. ‘미스터 에드’는 허구고 말은 말을 못 한다고. 그 여성 옆에 앉은 엘파바가 셋 중 한 명이 웃는다. 객석 분위기는 장난스럽지만 어딘가 불확실하다. 어쨌든 이건 새 뮤지컬이니까. 오늘 밤은 장난일까, 선물일까?

커튼콜로 넘어가 보자. 관객의 박수 열기가 서서히 잦아들 무렵, 온통 검은 옷 차림의 한 사람이, 민머리 정수리에는 완벽한 검은 뿔 두 개를 달고 위스키 잔을 든 채 오케스트라 피트에서 올라온다. 그는 관객에게 건배를 올린다. 스팅이다. 할로윈 최고의 ‘선물’이다.

그가 이 자리에 있는 이유는 The Last Ship의 작곡가이자 작사가이기 때문이다. 존 로건과 브라이언 요키가 대본을 쓴 이 신작 뮤지컬은 지금 닐 사이먼 극장에서 브로드웨이 초연 시즌을 보내고 있다. 연출은 조 맨텔로, 안무는 스티븐 호겟이 맡았다.

화려한 춤과 귀에 착 붙는 멜로디, 목청껏 질러 올리는 넘버 같은 ‘눈부신 가벼움’만을 사랑하는 관객이라면 The Last Ship은 취향이 아닐 것이다. 번쩍이는 특수효과, 고막이 울릴 만큼 시끄러운 록 넘버, 집중하지 않아도 따라갈 수 있는 줄거리만을 기대하는 관객이라면 The Last Ship은 취향이 아닐 것이다. 코미디를 앞세우고, 로맨스를 낭만화하며, 크고 행복한 결말만을 원하는 관객이라면 The Last Ship은 취향이 아닐 것이다.

하지만

뮤지컬이 올바른 손을 만나면 무엇이든 해낼 수 있다고 믿는 관객이라면; 까다로운 주제와 복합적인 인물을 좋아한다면; 노래가 그 노래를 부르는 인물의 성격과 관계, 감정을 비춰주는 작품을 즐긴다면; 현실을 반영하는 어둡고 냉혹한 정서가 있어도 괜찮다면; 어려운 질문을 정면으로 다루는 시선과 기발한 무대 언어, 힘 있고 유기적으로 완성된 악보를 음미할 줄 안다면; 무엇보다 역할을 ‘연기’할 줄 알고 노래를 ‘소화’할 줄 아는 배우들이 만드는 뮤지컬을 좋아한다면—당신에게 The Last Ship은 훌륭한 ‘트릭’이다. 전혀 예상치 못한 형태로 찾아온, 진짜 브로드웨이의 선물.

The Last Ship의 중심에는 사랑, 정체성, 그리고 받아들임이 있다. 세대를 거쳐 전 세계 구매자들을 위해 배를 만들어 온 조선업 마을, 작은 영국의 한 도시가 배경이다. 혈기왕성한 젊은이는 아버지를 따라 조선소로 들어가길 거부하고 선원이 되어 세상을 보기로 결심한다. 그는 여자친구도 함께 가자고 하지만, 그녀는 그것이 자신이 원하는 삶인지 확신할 수 없어 거절한다. 그는 돌아오겠다고 약속한다. 그리고 정말로 돌아온다… 15년 후에. (한마디로, 멍청이다.)

그가 돌아오자 아버지는 이미 세상을 떠났고, 조선소는 문을 닫았으며, 마을 남자들은 대대로 이어온 조선이라는 소명을 쉽게 놓지 못한 채 버티고 있다. 그리고 그의 여자친구는 다른 남자와 행복하게 살고 있다(조선소 사람들 입장에선 ‘변절자’ 같은 존재). 그 남자는 그녀와 함께 아들을 키워왔다. 그 아들은 젊은 선원이 떠난 뒤 그녀가 낳은 아이로, 정작 그는 자신에게 아들이 있다는 사실조차 몰랐다.

이야기는 선원과 옛 연인이 다시 이어질 수 있을지, 아들이 아버지를 받아들일 수 있을지(두 ‘아버지’ 모두), 그리고 여러 세대를 먹여 살리던 생업을 잃은 마을이 자기 자신을 다시 찾을 수 있을지에 초점을 맞춘다. 거칠고, 배짱 있고, 강하게 끌고 가는 이야기다. 이를 받아들이기만 한다면, 통찰력 있고 짜릿하며 오래 남는다.

맨텔로와 호겟은 상상력과 탁월한 유연함으로 무대를 구성한다. 장면은 서로를 밀어 넣듯 자연스럽게 이어지고, 인물들 역시 그렇게 흘러간다. 크리스토퍼 에이컬린드의 뛰어난 조명은 무대의 힘을 압도적으로 키운다. 술집 싸움, 노조 갈등, 노동자 연대, 그리고 웬만한 사람보다 더 잘 마시는 신부까지—작품이 매우 ‘남성적’ 정서를 띠는 것도 이해가 된다. 호겟의 움직임 역시 이를 반영한다. 발 구르기, 내려찍기, 두드리기가 많고, 그 효과는 분명하다.

그리고 이런 거친 질감은 더 친밀한 순간들과 맛있게 대비된다. 십 대에서 성인으로 넘어가는 전환, 미래를 두고 내려야 할 결정, 장례식, 부재하던 아버지가 아들에게 춤을 가르치는 장면, 어머니의 저릿한 회상까지.

또한 데이비드 진의 훌륭하고 변화무쌍한 무대 디자인은 열두 곳이 넘는 공간을 손쉽고 멋지게 구현해낸다. 마지막에 배가 떠나가는 이미지가 주는 힘은, 그야말로 강렬하고 진심으로 흥분된다. 모든 것이 매우 단순하게 처리되는데, 장소감은 디자인 자체뿐 아니라 배우들이 세트를 대하는 방식으로도 구축되어, 마치 하나의 인물처럼 존재한다.

흥미로운 점은 제작진에서 여성의 비중이 뚜렷이 낮아 보임에도(캐스팅은 예외로 보인다), 가장 입체적이고 복잡하며 눈부시게 연기되는 쪽이 여성 캐릭터들이라는 것이다. 사실 어떤 인상을 받든, 이 공연 전체는 메그 왓슨의 이야기다. 그녀는 버려지고, 신부가 그녀를 돌본다. 그녀가 사랑하는 남자들은 모두 조선의 세계에서 온다. 그녀 인생에서 가장 중요한 세 남자의 삼각 구도 한가운데에도 그녀가 있다. 그녀는 술집에서 일하고 마을에서 산다. 어떤 방식으로든 The Last Ship의 모든 것은 ‘메그’라는 놀라운 여성에게로 모인다.

레이철 터커는 마이클 에스퍼가 연기하는 기디언에게 남겨진 메그 도슨 역으로 압도적으로 인상적이다. 거칠고 실용적인 겉모습 아래에는 부서진—아니, 산산조각 난—심장이 숨어 있다. 하지만 암호랑이처럼, 아들에게 해가 미치는 일은 결코 용납하지 않는다. 그녀의 노래는 경이로울 만큼 뛰어나다. 매우 웃긴 “If You Ever See Me Talking To A Sailor”를 호쾌하게 뽑아내든, 발라드 “When We Dance”와 “It's Not The Same Moon”을 섬세하게 다루든 말이다.

사랑했던 사람, 아이의 아버지가 갑자기 돌아와 영원한 사랑을 선언할 때 찾아올 혼란을 그녀는 완벽하게 전달한다. 아들을 향한 사나운 보호 본능은 또렷하고, 망설임과 혼란 속에 담긴 진실함은 아름답게 표현된다. 이 메그는 강인하고, 완전히 현실적인 여성이다. 험한 삶을 품위와 연민으로 견뎌낸 사람.

샐리 앤 트리플렛은 조선 노동자들을 이끄는 재키의 굳센 아내 페기 화이트 역으로 훌륭한 목소리를 들려준다. “Sail Away”의 전달은 정교하고도 우아하다. 그녀가 공동체의 중심축 중 하나임은 분명하며, 역할에 불어넣는 심장은 중요하고 힘차게 뛴다. 특히 장례식 조문객들을 이끌며 생동감 넘치는 앤섬을 선창하는 순간, 그녀는 가장 빛난다. 가슴을 뜨겁게 하고 삶을 긍정하게 만드는 “Show Some Respect”는 짜릿하다.

쇼나 M 해믹은 크리켓 배트를 휘두르는, 거칠기 그지없는 술집 주인 역을 마음껏 즐긴다. 덤벼드는 술 취한 난동꾼이라면 누구든 맞붙을 수 있는 인물로, “Mrs Dee's Rant”는 2막을 요란하게 열어젖힌다. 또한 어린 시절의 메그를 연기하는 돈 캔트웰의 작업도 사랑스럽다. 균형감 있게 결을 잡은, 호감 가는 연기가 저녁 내내의 톤을 단단히 세운다.

바다로 도망친 어린 기디언과 메그의 아들 톰을 겸하는 이중 배역에서, 브로드웨이 데뷔 무대에 오른 콜린 켈리-소드렛은 여러모로 사랑스럽다. 그가 맡은 과제는 복잡하다. 기디언이 될 남자의 흔적을 보여줘야 하고, 동시에 기디언이 만들어낸 남자의 흔적도 보여줘야 한다. 그는 이를 큰 매력으로 훌륭히 해낸다. 십 대 특유의 어색한 반항심—그 시절의 중심을 정확히 짚어낸다. “The Night The Pugilist Learned How To Dance”에서 톰이 기디언과 나누는 듀엣과 춤은 그야말로 마법이고, “Ghost Story”에 이어 “August Winds”로 이어지는 발라드에서 두 사람이 평화를 찾아가는 순간들도 마찬가지다.

지미 네일은 재키 화이트—조선 노동자들을 이끄는 거대한 남자—역을 말 그대로 ‘제대로’ 해내며 놀라운 노래를 들려준다. 그는 단단하고 완강한 인물을 만들어내지만, 미워할 수가 없다. 공연의 마지막을 장식하는 인상적인 이미지가 특히 잘 작동하는 것도, 상당 부분 그의 묵직한 연기 덕분이다. 그의 목소리는 안개 경적처럼 울려 퍼지며, 경이롭고 거친 힘을 지녔다.

프레드 애플게이트는 공동체의 영적 지도자 오브라이언 신부 역으로, 토니상 유력 후보로 거론돼도 이상하지 않을 만큼 탁월하다. 그는 열정과 불손함으로 신도들을 돌보는데, 어떤 이의 눈에는 그 불손함이 ‘불경’처럼 보일 수도 있다. 그는 술을 마시고 담배를 피우며, 좋은 목적이 보이면 약간의 횡령쯤은 못 할 것도 없고, 그를 만나는 모두에게 도덕적 나침반이 된다. 풍성하고 웃기며, 동시에 강렬하게 마음을 움직이는 연기다. 애플게이트의 목소리 또한 최상의 컨디션이다. 매력과 힘이 넘치는 찬란한 테너. 타이틀 넘버 “The Last Ship”에서의 작업과, 다정한 피날레 “So To Speak”는 꽤 오싹할 만큼 여운이 남는다.

늘 그렇듯 아론 레이저는 정확한 균형감의, 호감형 연기로 강한 인상을 남긴다. 그는 메그의 현재 연인 아서, 그리고 톰을 친아들처럼 키워온 남자를 연기한다. 조선 노동자들로부터는 ‘무리를 떠난’ 사람이라 미움받고, 기디언의 귀환에 대한 메그의 반응으로 혼란에 빠진다. 자칫하면 아서는 무의미한 존재, 차갑고 불행한 남자로 전락하기 쉽다. 하지만 레이저는 그러지 않는다. 그의 아서는 기디언만큼 복합적이고 따뜻하며 매력적이다. 그래서 메그가 왜 그토록 선택 앞에서 갈라지는지가 분명해진다. 덧붙여, 그는 듣기만 해도 기분 좋은 황금빛의 남성적인 톤으로 노래한다.

마이클 에스퍼는 기디언을 적당히 섹시하고 건방지며 완전히 길을 잃은 남자로 만든다. 세계를 항해해도 평화는 찾아오지 않았고, 에스퍼는 이를 미묘한 방식으로 분명히 드러낸다. 큰 기량과 매력을 보여주는 연기이며, 스팅의 악보가 요구하는 만만치 않은 보컬도 충분히 감당해낸다. “All This Time”은 그의 캐릭터를 기세 좋게 소개하지만, 특히 좋았던 건 공연이 진행되는 동안 그의 노래가 인물의 시선 변화와 나란히 움직였다는 점이다. 2막 후반의 그의 작업에 마음이 움직이지 않을 사람을 찾기란 쉽지 않을 것이다. 모든 것이 아름답게 절제돼 있고, 진실하며, 감상적이지 않다.

활기찬 앙상블의 활약도 뛰어나다. 여기서는 누구 하나 어색하거나 집중이 흐트러진 사람이 없다. 모두가 이 신작 뮤지컬이 기쁨과 감정으로 ‘항해’할 수 있게 온 힘을 쏟는다.

롭 매시스의 음악감독은 일급이며, 오케스트라는 대본에 완벽히 어울리는 ‘짭조름한’ 울림으로 악보를 빚어낸다. 에너지와 가능성으로 가득한, 응집력 있고 제법 선율적인 스코어다. 매시스는 필요할 땐 부드럽게, 또 어떤 순간엔 불꽃 같은 기운으로 그 모든 것을 끝까지 끌어낸다.

이 작품은 정말로 훌륭한 신작 뮤지컬이다. 훌륭한 캐스트, 훌륭한 스코어, 훌륭한 인물들, 그리고 삶의 날것과 행복과 비극 사이의 아주 얇은 경계를 담아낸 이야기. 해변의 Billy Elliot도 아니고, 배를 얹은 Once도 아니다. 사랑, 정체성, 받아들임을 축으로 도는 독자적인 비전이다. 극장에서 보내는 멋진 밤.