CRITIQUE : The Last Ship, Théâtre Neil Simon ✭✭✭✭✭

La distribution de The Last Ship. Photo : Joan Marcus. The Last Ship

Théâtre Neil Simon

31 octobre 2014

5 Étoiles

C'est Halloween à Broadway. Un homme avec un masque de tête de cheval s'assoit trois rangs devant. La femme derrière lui lui demande s'il va l'enlever pour la représentation. Son ami lui dit, sèchement, que M. Ed était fictif et que les chevaux ne peuvent pas parler. L'une des trois Elphabas assise à côté de la femme rit. L'ambiance dans l'auditorium est joyeuse mais incertaine - après tout, c'est une nouvelle comédie musicale. Serait-ce un tour ou un bonbon?

Avancez jusqu'à l'appel du rideau, et alors que l'enthousiasme du public pour applaudir commence à diminuer, une silhouette solitaire, vêtue de noir, chauve, mais avec deux cornes noires parfaites ornant son crâne brillant, un verre de whisky à la main, monte depuis la fosse. Il porte un toast au public. C'est Sting. C'est un super régal d'Halloween.

Il est là parce qu'il est le compositeur et parolier de The Last Ship, une nouvelle comédie musicale avec un livret de John Logan et Brian Yorkey, maintenant dans sa première saison à Broadway au Théâtre Neil Simon. La production est dirigée par Joe Mantello et chorégraphiée par Steven Hoggett.

Si vous êtes le genre de spectateur qui n'aime que les paillettes éblouissantes avec de la danse et des mélodies chantées à pleine voix, The Last Ship ne va pas être votre tasse de thé. Si vous êtes le genre de spectateur qui aime les effets tape-à-l'œil, les mélodies rock assourdissantes et les intrigues qui ne nécessitent aucune attention, The Last Ship ne va pas être votre tasse de thé. Si vous êtes le genre de spectateur qui n'aime que les comédies musicales qui mettent l'accent sur la comédie, romancent la romance et ont de grands happy endings, The Last Ship ne va pas être votre tasse de thé.

Mais

Si vous êtes le genre de spectateur qui croit que le théâtre musical est capable de tout entre de bonnes mains; si vous aimez les thèmes difficiles et les personnages complexes; si vous appréciez les chansons qui illuminent les personnalités, les relations et les sentiments des personnages qui les chantent; si les thèmes sombres et glauques qui reflètent la réalité ne vous dérangent pas; si vous appréciez l'analyse des questions difficiles, une mise en scène inventive, une partition musclée et cohérente ; si vous aimez que vos comédies musicales soient jouées par des gens qui sont réellement capables de jouer leurs rôles et de chanter leurs chansons ; si c'est vous, alors The Last Ship est un grand tour : un vrai régal de Broadway sous une forme totalement inattendue.

Au cœur, The Last Ship parle d'amour, d'identité et d'acceptation. Une petite ville anglaise bâtie sur l'industrie de la construction navale, où des générations ont construit des navires pour des acheteurs du monde entier, est le décor. Un jeune garçon têtu refuse de suivre son père dans la construction navale et décide de voir le monde, en tant que marin. Il veut que sa petite amie vienne aussi, mais elle refuse, incertaine que ce soit la vie qu'elle souhaite. Il promet de revenir pour elle. Ce qu'il fait... quinze ans plus tard. (Idiot.)

À son retour, son père a été enterré, le chantier naval est fermé, les hommes de la ville refusent d'abandonner leur vocation de constructeurs de navires, et sa petite amie vit heureusement avec un autre homme (un traître pour les constructeurs de navires) qui l'a aidée à élever son fils, celui qu'elle a eu après le départ du jeune marin, le fils qu'il n'a jamais su qu'il avait.

Le récit se concentre sur la question de savoir si le marin et son ancienne petite amie se retrouveront, si un fils acceptera son père (dans les deux sens), et si la ville peut se retrouver après avoir perdu le mode de vie qui a soutenu des générations. C'est une histoire sombre, courageuse et captivante qui, si vous l'adoptez, est perspicace, palpitante et mémorable.

Mantello et Hoggett mettent en scène l'action de manière imaginative et avec un grand sens de la fluidité; les scènes s'enchaînent les unes après les autres, tout comme les personnages. Un éclairage superbe de Christopher Akerlind améliore la mise en scène immeasurablement. Naturellement, la pièce se sent très masculine, avec des bagarres de bar, des conflits syndicaux, la solidarité des travailleurs et un prêtre qui peut boire parmi les meilleurs. Le mouvement de Hoggett le reflète; il y a beaucoup de martelage, de piétinement et de frappe, tout cela est très efficace.

Et tout cela contraste délicieusement avec les moments plus intimes - les transitions de l'adolescent à l'adulte, les décisions à prendre pour l'avenir, un enterrement, la scène où le père absent apprend à son fils à danser, les réminiscences poignantes de la mère.

De plus, le merveilleux et versatile décor de David Zinn permet de passer à plus d'une douzaine de lieux avec simplicité et style, et l'image finale du navire qui navigue au loin est aussi puissante et réellement excitante qu'elles viennent. Tout cela est fait très simplement, le sens du lieu, comme un personnage, étant établi autant par la façon dont les acteurs interagissent avec le décor que par le design lui-même.

La chose la plus intéressante de tout cela est que, malgré un manque flagrant de femmes impliquées dans l'équipe de production (le casting semble être la seule exception), ce sont les personnages féminins qui sont les plus ronds, les plus complexes et les plus sensationnellement interprétés. En effet, peu importe comment cela peut sembler, le spectacle entier concerne Meg Watson; elle est abandonnée et le prêtre prend soin d'elle; les hommes qu'elle aime viennent tous du monde de la construction navale; le triangle entre les trois hommes les plus importants de sa vie la place au centre; elle travaille au pub et vit en ville. D'une manière ou d'une autre, chaque aspect de The Last Ship est centré sur la femme remarquable qu'est Meg.

Rachel Tucker est spectaculairement impressionnante en Meg Dawson, la fille laissée derrière par Gideon, joué par Michael Esper. Elle a une apparence dure et pragmatique qui cache un cœur brisé, voire bouleversé. Mais, comme une tigresse, elle ne permettrait jamais qu'on fasse du mal à son fils. Son chant est phénoménalement bon, qu'elle chante à pleins poumons la très drôle "If You Ever See Me Talking To A Sailor" ou qu'elle gère habilement les ballades, "When We Dance" et "It's Not The Same Moon".

Elle transmet parfaitement la confusion attendue lorsque quelqu'un que vous avez aimé, le père de votre enfant, réapparaît soudainement dans votre vie en déclarant son amour éternel. Son amour protecteur féroce pour son fils est clair comme de l'eau de roche et l'honnêteté dans son indécision et sa confusion sont magnifiquement interprétées. Cette Meg est une femme dure, complètement réelle qui a enduré une vie difficile avec grâce et compassion.

Sally Ann Triplett a une voix fabuleuse en Peggy White, la femme inébranlable de Jackie, qui dirige les constructeurs de navires. Sa prestation de Sail Away est exquise. Elle est, clairement, l'un des piliers de la communauté et le cœur qu'elle apporte au rôle est vital et battant. Elle est à son meilleur lorsqu'elle conduit les participants à un enterrement dans un hymne entraînant qui est palpitant et exaltant : Show Some Respect.

Shawna M Hamic s'amuse beaucoup avec le personnage de la propriétaire de pub brandissant une batte de cricket, qui peut affronter n'importe quel homme ivrogne en bagarre et Mrs Dee's Rant lance l'Acte Deux avec éclat. Et il y a un beau travail de Dawn Cantwell qui joue Meg en jeune fille; une performance bien jugée, attachante qui donne le ton pour toute la soirée.

Dans le double rôle du jeune Gideon qui s'est enfui en mer et du fils de Meg, Tom, Collin Kelly-Sordelet, dans ses débuts à Broadway, est charmant à tous points de vue. Sa performance est complexe - il doit montrer les traces de l'homme que Gideon deviendra et ensuite montrer les traces de l'homme que Gideon a créé. Il le fait très bien, avec un grand charme et cette rébellion maladroite qui est au centre des années d'adolescence. The Night The Pugilist Learned How To Dance, le duo de Tom et sa danse avec Gideon, est pure magie, tout comme les ballades sur lesquelles ils trouvent la paix : Ghost Story et puis August Winds.

Il y a un chant extraordinaire de Jimmy Nail qui, eh bien, « cloue » le rôle de Jackie White, la montagne d'un homme qui dirige les constructeurs de navires. Il produit un personnage dur, inflexible, mais un personnage qu'il est impossible de ne pas aimer et l'image finale évocatrice du spectacle fonctionne bien en grande partie grâce à son solide jeu. Sa voix est comme une corne de brume, une chose merveilleuse et puissamment brute.

Fred Applegate doit ressembler à un prétendant probable pour un Tony Award pour sa superbe performance en tant que Père O'Brien, le chef spirituel de la communauté, qui prend soin de son troupeau avec une passion et une irrévérence qui, pour certains, pourraient sembler peu pieuses. Il boit, fume, n'est pas au-dessus d'un petit détournement de fonds quand une bonne cause pointe à l'horizon et il fournit la boussole morale à tous ceux qui le rencontrent. C'est une performance riche, drôle et intensément émouvante. Et la voix d'Applegate est en excellent état, un son de ténor glorieux de grande attirance et puissance. Son travail dans la chanson titre, The Last Ship, et son tendre final, So To Speak, est tout à fait envoûtant.

Comme d'habitude, Aaron Lazar laisse une impression marquante, sa performance précisément jugée et gagnante. Il joue Arthur, le petit ami actuel de Meg et l'homme qui a élevé Tom comme le sien. Détesté par les constructeurs de navires parce qu'il a quitté leurs rangs, et plongé dans la confusion par la réaction de Meg au retour de Gideon, il serait facile de faire d'Arthur une irrelevance, un homme froid et malheureux. Mais Lazar ne tombe pas dans ce piège ; son Arthur est aussi complexe, chaleureux et engageant que Gideon, et il est très clair pourquoi Meg est si tiraillée par le choix qu'elle doit faire. Pour couronner le tout, il chante avec un timbre masculin doré qui est un pur plaisir à entendre.

Michael Esper fait de Gideon un homme convenablement sexy, audacieux et totalement perdu. Naviguer à travers le monde ne lui a pas apporté la paix, et Esper le fait comprendre de manière subtile. C'est une performance d'une grande habileté et charme, et Esper est certainement à la hauteur des exigences vocales considérables de la partition de Sting. All This Time introduit son personnage avec verve, mais j'ai particulièrement aimé la façon dont son chant au cours du spectacle correspond aux changements dans la perspective du personnage. Il sera très difficile de ne pas être ému par son travail dans les dernières étapes du deuxième Acte ; tout cela est joliment jugé, vrai et insentimental.

Il y a un excellent travail de l'ensemble bruyant - personne ici n'est hors de propos ou n'est pas complètement concentré sur faire naviguer cette nouvelle comédie musicale, avec joie et sentiment.

La direction musicale de Rob Mathes est de premier ordre et l'orchestre produit la partition avec une résonance salée qui s'adapte parfaitement au livret. C'est une partition cohérente et assez mélodieuse, remplie d'énergie et d'opportunités, et Mathes en extrait tout, doucement lorsque nécessaire et avec un esprit fougueux à d'autres occasions.

C'est vraiment une excellente nouvelle comédie musicale. C'est un excellent casting, une excellente partition, d'excellents personnages et une histoire pleine de la dureté de la vie et de la ligne de séparation entre le bonheur et la tragédie. Ce n'est pas Billy Elliot au bord de la mer, ce n'est pas non plus Once avec des navires. C'est une vision unique, qui tourne autour de l'amour, de l'identité et de l'acceptation. Une très belle soirée au théâtre.