RESEÑA: Extraño Interludio, Teatro Nacional ✭✭✭✭

Strange Interlude

National Theatre

28 de agosto de 2013

4 estrellas

No suelo pensar, después de ver una producción en el National Theatre, cosas como «ojalá no hubieran recortado tanto el texto» u «ojalá hubiera ido a un ritmo más lento, más lánguido», pero esos fueron precisamente los pensamientos que me rondaban tras ver la hipnótica reposición de Strange Interlude de Eugene O’Neill (una obra que le valió a O’Neill su tercer Premio Pulitzer), dirigida por Simon Godwin y actualmente en cartel ante un público lamentablemente escaso en el Lyttelton Theatre.

El trabajo de Godwin aquí es excelente; se trata de un montaje suntuoso y elegante que expone con cuidado los temas y dilemas con los que O’Neill lidió, en particular, la idea del amor y lo que realmente significa amar, y el poder paralizante pero a la vez ennoblecedor y posibilitador del amor no correspondido o, quizá más exactamente, del amor no consumado.

Entre los muchos atributos de primer nivel de la producción, destaca una escenografía asombrosa del omnipresente Soutra Gilmour, que abarca numerosos espacios y, aun así, lo hace de un modo que sintoniza con el núcleo emocional del texto. Así, en las primeras escenas, cuando la protagonista, Nina, se siente atrapada por sus circunstancias o por el hombre dominante que impera en su vida, los decorados reflejan la idea de encierro, contención y soledad; y, después de que Nina se case, la escenografía se abre, dejando espacio para respirar. Luego, cuando su marido triunfa y se hace rico, el mundo de Nina se vuelve a la vez abierto y cerrado, reflejando su estado, oscilando entre el alivio que le aporta su hijo y el constreñimiento de espíritu que conlleva el matrimonio con un hombre al que quiere, pero del que no está enamorada. Las escenas finales, llenas de pena pero también de una espléndida liberación y aceptación, se interpretan en enormes espacios abiertos que reflejan el poder de la más grande de las madres: la Naturaleza.

La imagen de un yate a tamaño real apareciendo por detrás de un apartamento neoyorquino art déco es de las que no se borran fácilmente.

El trabajo de Gilmour aquí, obviamente con un presupuesto extraordinario, es sencillamente magnífico.

Absolutamente cautivadora y seductoramente luminosa como Nina, Anne-Marie Duff se revela como una de las mejores intérpretes que han pisado un escenario británico. Su fisicidad, su sentido de la complejidad interior, sus silencios, su manera de articular el dolor, su extraordinaria capacidad para ser varias Ninas distintas y, al mismo tiempo, un todo; lo tiene todo. Es una de esas interpretaciones gloriosas, afirmadoras de la vida, que justifican por sí solas el teatro en vivo.

O’Neill emplea en esta obra un recurso que, a estas alturas, ya resulta familiar para el público: los pensamientos íntimos del personaje se revelan al espectador mediante interpelaciones directas/apartes, en contraste con las posturas expresadas de los personajes. Esto debió de ser increíblemente potente en 1928, cuando la obra se estrenó; y la única objeción ligera a la dirección de Godwin y a la interpretación de Duff es que no se cuida lo suficiente la distinción entre ambos registros: a menudo, de forma confusa, Duff pasa de uno a otro sin transición clara, especialmente en la primera mitad de la obra.

A la altura de Duff en todo momento —quizá incluso superándola, porque su papel está menos cuidadosamente construido, ofrece menos terreno abonado para el lucimiento— está el fabuloso Charles Edwards, que encuentra y clava cada instante de comedia, dolor y miseria minuciosamente calibrada; su escena final con Duff es quebradiza, incómoda y extraordinaria.

Geraldine Alexander está magnífica como la suegra de Duff, una mujer tan corroída por la culpa y el miedo que destroza unas cuantas vidas ajenas intentando evitar la repetición de su propia tristeza particular. Darren Pettie ofrece un trabajo sólido como Edmund, el amor real de Nina, el que nunca llega a consolidarse; y Wilf Scolding realiza un trabajo maravilloso como el hijo ya adulto de Nina: su escena tras el funeral, en el acto final, es notable por su intensidad, honestidad y claridad. Es una escena ante la que solo el corazón más duro podría permanecer impasible.

Jason Watkins, un gran actor cuando el papel le encaja, parece aquí el elemento discordante; como Sam, el marido de Nina pero no el padre de su hijo, resulta más una caricatura (una extraña mezcla entre Mickey Rooney y W. C. Fields) tanto en la voz como en su misma fibra que un personaje. Puede que sea una elección deliberada de Godwin y, de ser así, es el único traspié. No es que Watkins esté mal; es simplemente que su interpretación no encaja ni se corresponde con las demás, sobre todo en las primeras escenas. En el segundo acto, su trabajo se integra con más naturalidad.

De hecho, el segundo acto es, en todos los sentidos, bastante mágico, y solo la ligera rareza del niño Gordon y la inexplicable edad de la Madeline de Emily Plumtree (es unos diez años mayor de lo que debería) rompen la red resplandeciente que teje esta notable producción. El dolor de estos personajes y su travesía es tan exquisito, tan lánguido, que uno intuye que un ritmo ligeramente más pausado y un poco más de margen para respirar habrían beneficiado por igual al reparto y al público; pero eso es hilar fino.

La sensacional producción de Godwin se recordará durante mucho tiempo, sobre todo por ser exactamente lo que el National Theatre debería ofrecer siempre: montajes de primera de textos de primera con repartos de primera. La otra triple amenaza del mundo teatral.