CRITIQUE : Strange Interlude, Théâtre National ✭✭✭✭

Strange Interlude

Théâtre National

28 août 2013

4 Étoiles

Je ne pense pas souvent, après avoir vu une production au Théâtre National, des pensées telles que "J'aurais aimé qu'ils n'aient pas tant coupé ce texte" ou "J'aurais aimé que cela se déroule à un rythme plus lent et plus langoureux", mais telles étaient les pensées qui tourbillonnaient dans mon esprit après avoir vu la captivante reprise de Simon Godwin du Strange Interlude d'Eugene O'Neill (une pièce qui a valu à O'Neill son troisième prix Pulitzer) actuellement jouée devant un public malheureusement restreint au théâtre Lyttleton.

Le travail de Godwin ici est excellent ; c'est une production somptueuse et élégante qui expose soigneusement les thèmes et les questions avec lesquels O'Neill s'est débattu - en particulier, la notion d'amour et ce que cela signifie vraiment d'aimer, et le pouvoir paralysant mais ennoblissant et habilitant de l'amour non partagé ou, peut-être plus précisément, non accompli.

Parmi les nombreux attributs de première classe de la production, on trouve un décor époustouflant de l'omniprésente Soutra Gilmour, qui couvre de nombreux lieux mais le fait d'une manière qui correspond au centre émotionnel du texte. Ainsi, dans les premières scènes, lorsque le personnage principal Nina se sent piégé par ses circonstances ou par le mâle dominant de sa vie, les décors reflètent la notion de confinement, de contenance, de solitude, et après que Nina se soit mariée, le décor s'ouvre, permettant de respirer. Ensuite, lorsque son mari réussit et devient riche, le monde de Nina devient à la fois ouvert et fermé, reflétant son état, fluctuant entre le soulagement que lui procure son fils et la contrainte de son esprit qui accompagne le mariage avec un homme qu'elle aime mais dont elle n'est pas amoureuse. Les scènes finales, pleines de tristesse mais aussi de splendide libération et d'acceptation, se jouent dans d'immenses espaces ouverts reflétant le pouvoir de la plus grande mère de toutes - la Nature.

La vue d'un yacht grandeur nature apparaissant derrière un appartement Art Déco de New York est une image qui ne s'effacera pas de sitôt.

Le travail de Gilmour ici, manifestement avec un budget extraordinaire, est tout à fait magnifique.

Totalement séduisante et lumineuse comme Nina, Anne-Marie Duff se révèle être l'une des plus grandes actrices à apparaître sur une scène britannique. Sa physicalité, son sens de la complexité intérieure, ses silences, son articulation de la douleur, sa capacité extraordinaire à être plusieurs Ninas différentes, et pourtant une entière ; elle a tout. C'est l'une de ces performances glorieuses, qui affirment la vie, qui justifient le théâtre vivant.

O'Neill utilise un dispositif dans cette pièce, maintenant familier aux spectateurs, où les pensées intérieures du personnage sont révélées au public en tant qu'adresse directe/à part et contrastent avec les positions déclarées des personnages - cela a dû être incroyablement puissant en 1928 lorsque la pièce a débuté - et la seule légère critique de la direction de Godwin et de l'interprétation de Duff est qu'il n'y a pas assez d'attention accordée à la distinction entre les deux ; souvent de façon déroutante, Duff glisse d'un état à l'autre, en particulier dans la première moitié de la pièce.

Égalant Duff à chaque étape, peut-être même la surpassant parce que son rôle est moins soigneusement construit, moins propice à un grand travail, est le fabuleux Charles Edwards qui trouve et cloue chaque moment de comédie, de douleur et de misère méticuleuse - sa scène finale avec Duff est cassante, maladroite et extraordinaire.

Geraldine Alexander est merveilleuse en tant que belle-mère de Duff, une femme si rongée par la culpabilité et la peur qu'elle détruit quelques autres vies en cherchant à éviter une récurrence de sa propre tristesse particulière. Darren Pettie offre un travail solide en tant qu'Edmund, l'amour réel et jamais sécurisé de Nina et on trouve un travail merveilleux de Wilf Scolding en tant que fils adulte de Nina : sa scène après les funérailles dans le dernier acte est remarquable pour son intensité, son honnêteté et sa clarté. C'est une scène qu'un cœur de pierre pourrait difficilement rester insensible à travers.

Jason Watkins, un acteur de grande qualité dans le bon rôle, semble ici l'homme étrange ; en tant que Sam, le mari de Nina mais pas le père de son enfant, il semble plus caricature (un mélange étrange entre Mickey Rooney et WC Fields) à la fois dans la voix et la fibre d'être que personnage. Cela peut être un choix délibéré de Godwin et, si c'est le cas, c'est le seul faux-pas ici. Ce n'est pas que Watkins soit mauvais ; c'est juste que sa performance ne s'accorde pas ou ne s'harmonise pas avec les autres, en particulier dans les premières scènes. Dans l'acte deux, son travail correspond plus harmonieusement aux autres.

En effet, l'acte deux ici est tout à fait magique à tous égards, avec seulement le petit côté étrange de l'enfant Gordon et l'âge inexplicable de Madeline d'Emily Plumtree (elle a environ dix ans de trop) pour rompre la toile scintillante tissée par cette production remarquable. La douleur de ces personnages et leur parcours est si exquise, si langoureuse, que l'on ressent qu'un rythme un peu plus lent et un espace pour respirer aurait été bénéfique au casting et aux spectateurs - mais c'est pinailler.

La production sensationnelle de Godwin sera longtemps mémorée - principalement pour être exactement ce que le Théâtre National devrait toujours être : des productions de première classe de premiers textes avec des distributions de premier ordre. La triple menace du monde théâtral.