RESEÑA: Nuestra Ciudad, Teatro Almeida ✭✭✭✭✭

Foto: Marc Brenner Our Town Almeida Theatre 21 de octubre de 2014 5 estrellas

Thornton Wilder ganó tres premios Pulitzer. El que se llevó en 1938 fue por Our Town, que se estrenó en Broadway ese mismo año. Qué inusual, qué desafiante —quizá incluso perturbador— debió de resultar aquella primera producción para el público: sin escenografía, con atrezo mínimo, mímica de actividades cotidianas, un narrador que se dirigía a ellos directamente, rompiendo la cuarta pared, destellos de tramas y pequeñas viñetas que perfilaban a personajes concretos. Tuvo que ser embriagador, intrigante, inspirador. Nuevo.

Hecha con estilo y destreza, Our Town aún puede ser todo eso —y más—. Como demuestra sin esfuerzo la magistral reposición de David Cromer, ahora en el Almeida Theatre tras exitosas temporadas por todo el mundo.

Cromer es un genio. Aquí todo —absolutamente todo— funciona. A la perfección. De forma sublime. Con entrega total. No hay nada de lo que quejarse ni que discutir.

Al menos, claro, si no estás en condiciones de ser elegido presidente de los Estados Unidos de América. Porque, como sugiere el programa a tenor del logo/icono de esta producción, Cromer pretende hacer la obra de Wilder más universal pidiendo a los intérpretes que utilicen acentos familiares para el público del Reino Unido. Esto puede ser, quizá, controvertido, ya que a Wilder se le considera tan estadounidense como la tarta de arándanos y, en realidad, el texto tiene ritmos y palabras o expresiones concretas que empapan el diálogo de New Hampshire, donde se sitúa Grover’s Corners, el pueblo en el centro de la acción. Así que se entiende que a muchos estadounidenses les resulte casi “propio” reclamar los acentos en una producción de esta gran obra “americana”.

Pero, lejos de disminuir la fuerza y el impacto del trabajo de Wilder, la decisión de Cromer con respecto a los acentos da auténticos frutos. Las divisiones de clase, tan a menudo imperceptibles para oídos no estadounidenses, quedan cristalinas cuando entran en juego acentos ingleses. Además, el “Our” del título cobra un sentido real. Esta producción no va de algún lugar pintoresco y anticuado en las tierras de cultivo de Estados Unidos: no, es una obra sobre nosotros, sobre nuestros pueblos, nuestra gente, nuestras vidas. Los acentos locales refuerzan la universalidad del texto.

Pero, en realidad, toda la visión de Cromer hace justamente eso. La escenografía de Stephen Dobay y el vestuario de Alison Siple se combinan para crear un paisaje ordinario, una paleta de reconocimiento y familiaridad. Dos tramos de la primera fila se convierten casi en las vallas blancas figuradas o las calles principales del pueblo, lo que incomoda a algunas personas del público sentadas allí, pero subraya a martillazos la inclusividad del enfoque del texto. La iluminación de Heather Gilbert es sencillamente mágica; el cambio gradual de luz evoca el paso del tiempo y el momento del día. Las propias lámparas —diseñadas para parecer luces domésticas corrientes— aumentan la sensación de hogar, de intimidad. Y mantener encendidas las luces de sala garantiza que el público recuerde siempre que, al mirar lo que sucede, también puede ser visto: uno de los temas de Wilder sobre cómo se viven (o no) las vidas.

Y cuando llega en el Acto III, el espectacular truco de diseño es sobrecogedor. Absolutamente sobrecogedor.

Es también este acto el que incorpora acentos estadounidenses en una escena de flashback, otra decisión de dirección ingeniosa, que vincula la historia del pueblo con el Narrador y, al mismo tiempo, encuentra otra forma de reflejar la universalidad de los temas mientras recuerda al público el origen de la obra.

La obra de Wilder es engañosamente simple en la superficie, pero esa simplicidad no es más que el paño que cubre: los tesoros debajo son abundantes y fascinantes. Es, en esencia, una obra sobre qué significa ser un ser humano y sobre las cosas que los seres humanos hacen habitualmente —por presión de sus iguales o de la familia, o porque creen que saben de qué va la vida— para empequeñecer sus propias vidas. Tan incómoda como seductora.

Si se escribiera hoy, ganaría otro Pulitzer. Sin duda. Es tan nueva, importante y urgente como lo era en 1938. Cromer lo entiende por completo y se asegura de que el público también.

Además de dirigir, Cromer interpreta al regidor, el narrador de Wilder, que se comunica con el público y, como ellos, observa las acciones de los habitantes del pueblo. Con un enfoque de maestro de escuela, pero sin condescendencia, Cromer está asombrosamente bien, ya sea encarnando a uno de los personajes pequeños de la historia (por ejemplo, el chico de los refrescos o el oficiante de la boda), proporcionando información al público o interactuando con la sala, empujándola a participar. Utiliza su acento estadounidense nativo —y así enmarca la obra como una obra americana— sin entorpecer la universalidad de los temas y los personajes. Es tan elegante, tan inefablemente, sagazmente perfecto; tan volátil y empático. Es una interpretación magnífica.

Pero ni mucho menos es la única. Todas y cada una de las personas que aparecen están perfectamente elegidas y aportan brillo y placer con su sola presencia. Todas y cada una. Incluso quienes no tienen texto. No recuerdo un reparto de conjunto más impecable. Me quito el sombrero ante todos y cada uno de ellos. Esto es teatro de reparto en su máxima expresión. Cálido, acogedor, dolorosamente honesto, perfectamente reconocible.

Hay algunos nombres que merecen una mención especial. Christopher Staines está soberbio como Simon Stimson, el maestro de coro alcohólico objeto de cotilleos interminables en el pueblo y a quien nadie mueve un dedo para ayudar. Conmovedor y desternillante, el trabajo de Staines aquí es un auténtico regalo. Cualquiera que haya estado alguna vez en un coro comprenderá a la perfección la forma magistral en que Staines retrata la angustia interminable del hombre que enseña las distintas voces al coro; es muy, muy divertido. Y contrasta, con brutalidad eléctrica, con los momentos en que Stimson se pierde en la fuga de su propia desesperación y cinismo.

El retrato brutalmente honesto de Annette McLaughlin de la insustancial cotilla del pueblo, la señora Soames, es especialmente sabroso y gozoso. El lechero fiable de Daniel Kendrick, Howie, y el doctor Gibbs de Rhashan Stone —admirado en público, detestable en privado— son deliciosos, auténticas delicias.

Anna Francolini ofrece la interpretación de su vida como la señora Gibbs, la esposa del médico del pueblo, que se deja la piel todo el día para cubrir las necesidades de su familia, pero que sueña sus propios sueños sabiendo que siempre quedarán fuera de su alcance. Su sentido de la ansiedad materna está medido a la perfección, igual que la idea de una vida completamente desperdiciada junto a un marido desagradecido y pretencioso. Está realmente maravillosa en el Acto III; austera, precisa, con múltiples capas. La muerte prematura de su personaje no impide la hermosísima interpretación, finamente calibrada, de Francolini.

Toda la familia Webb está dibujada a la perfección: la madre agotada de Kate Dickie; la inteligente y precoz —al final, estudiante de la vida— Emily de Laura Elsworthy; el trágico Wally de Arthur Byrne; y el padre soberbiamente corriente de Richard Lumsden. Como unidad familiar tienen una vitalidad notable. Dos escenas son especialmente maravillosas: cuando el señor Webb transmite su sabiduría a su futuro yerno (hilarante y profunda); y la celebración del 12º cumpleaños de Emily (cálida, emocionante y, en última instancia, devastadora).

Sin embargo, la interpretación de la noche llega de la mano de David Walmsley como George Gibbs. No sé cuántos años tiene Walmsley, pero no es un adolescente y, aun así, en el primer acto convence por completo como tal: ese tipo de chico adolescente gruñón y desorientado tan familiar para tantos padres. Cada segundo que está en escena, Walmsley está absolutamente entregado, absolutamente convincente y absolutamente magnífico. En el Acto II, sus torpes interacciones con la Emily de Elsworthy son inolvidables: desde la aparentemente complicada tarea de llevarle los libros hasta el endiabladamente incómodo momento en que le declara su amor. Tierno, verdadero e intemporal, Walmsley es excepcional en todos los sentidos. Su evolución de chaval desaliñado a marido y padre comprometido es segura y totalmente real. Y su retrato casi sin sonido, desgarrador, de una angustia paralizante en el Acto III remata este giro casi shakespeariano.

Esta es una reposición fenomenalmente eficaz y ambiciosa de una obra maestra. Devuelve la fe en el poder y la magia del teatro y muestra, de manera muy clara, que elegir a intérpretes que de verdad saben actuar es la clave para que el teatro funcione. Te eleva el corazón y el espíritu, aunque puede que se te escape alguna lágrima por el camino. Poderosa. Absorbente. Inolvidable. Cálida. Un Our Town para nuestro tiempo.