CRITIQUE : Notre Ville, Théâtre Almeida ✭✭✭✭✭

Photo : Marc Brenner Notre Ville Théâtre Almeida 21 octobre 2014 5 Étoiles

Thornton Wilder a remporté trois Prix Pulitzer. La récompense qu'il a reçue en 1938 était pour Notre Ville, qui a été créée à Broadway la même année. Comme cette première production a dû être étrange, confrontante, voire troublante pour les spectateurs - pas de décor, des accessoires minimaux, un mimétisme des activités quotidiennes, un narrateur qui leur parlait directement, brisant le Quatrième Mur, des aperçus de fils narratifs et de petites vignettes décrivant des personnages particuliers. Cela a dû être enivrant, intrigant, inspirant. Frais.

Réalisée avec style et habileté, Notre Ville peut encore être tout cela - et plus encore. Comme le renouveau magistral de la pièce par David Cromer, qui se joue actuellement au Théâtre Almeida après des saisons réussies à travers le monde, le démontre sans effort.

Cromer est un génie. Tout ici - absolument tout - fonctionne. Parfaitement. Sublimement. De tout cœur. Il n'y a rien à critiquer ou chicaner.

Du moins, c'est le cas si vous n'êtes pas éligible pour être élu Président des États-Unis d'Amérique. Car, comme le programme le suggère, étant donné le logo/icône de cette production, Cromer cherche à rendre la pièce de Thornton plus universelle en demandant aux acteurs d'utiliser des accents familiers au Royaume-Uni. Cela est peut-être controversé, car Wilder est considéré comme aussi américain que la tarte aux myrtilles et, en vérité, le texte comporte des rythmes et des mots ou expressions spécifiques qui ancrent le dialogue dans le New Hampshire, où la ville au centre de l'action, Grover's Corners, est située. Ainsi, on peut comprendre pourquoi les Américains pourraient se sentir propriétaires des accents utilisés dans une production de cette grande pièce « américaine ».

Mais, loin de diminuer la puissance et l'effet de l'œuvre de Wilder, la décision de Cromer concernant les accents porte ses fruits. Les divisions de classe claires, souvent perdues pour les oreilles non américaines, sont cristallines lorsque des accents anglais entrent en jeu. De plus, le « Notre » du titre de la pièce prend tout son sens. Cette production ne concerne pas un lieu pittoresque et désuet dans les campagnes d'Amérique - non, c'est une pièce sur nous, sur nos villes, nos gens, nos vies. Les accents locaux renforcent l'universalité de l'œuvre.

Mais, en réalité, la vision entière de Cromer le fait. Le décor de Stephen Dobay et les costumes d'Alison Siple se combinent pour créer un paysage ordinaire, une palette de reconnaissance et de familiarité. Deux sections du premier rang deviennent, presque, les palissades figuratives ou les passages de la ville, ce qui rend certains spectateurs assis là inconfortables, mais renforce l'inclusivité de l'approche du texte. L'éclairage de Heather Gilbert est tout simplement magique ; le changement graduel de lumière évoque le passage du temps et le moment de la journée. Les lumières elles-mêmes - conçues pour ressembler à des lumières domestiques ordinaires - ajoutent au sentiment de domesticité, d'intimité. Et conserver l'éclairage de la salle allumé garantit que le public se souvient toujours de regarder ce qui se passe en sachant qu'il peut être vu, l'un des thèmes de Wilder à propos de la façon dont les vies sont menées (ou non).

Et, quand cela arrive dans l'Acte Trois, le tour de design spectaculaire est à couper le souffle. Absolument à couper le souffle.

C'est également dans cet acte que l'utilisation d'accents américains se fait lors d'une scène de flash-back, une autre décision ingénieuse de mise en scène, alignant l'histoire de la ville avec le narrateur tout en trouvant simultanément une autre façon de refléter l'universalité des thèmes tout en rappelant au public l'origine de la pièce.

La pièce de Wilder est trompeusement simple en surface, mais cette simplicité n'est que le chiffonnier - les trésors en dessous sont nombreux et captivants. C'est une pièce, essentiellement, sur ce que c'est d'être un être humain et les choses que les êtres humains font habituellement, sous la pression des pairs ou des parents ou parce qu'ils pensent savoir ce qu'est la vie, pour diminuer leur vie. C'est aussi confrontant que captivant.

Si elle était écrite aujourd'hui, elle gagnerait un autre Prix Pulitzer. Sans aucun doute. Elle est aussi fraîche, importante et urgente qu'elle l'était en 1938. Cromer comprend parfaitement cela et s'assure que le public le comprenne également.

En plus des devoirs de direction, Cromer joue le régisseur, le narrateur de Wilder qui communie avec le public et, comme eux, observe les actions des habitants du village. Adoptant une approche non condescendante, façon maître d'école, Cromer est étonnamment bon, qu'il joue l'un des petits personnages du récit (le marchand de soda, le célébrant du mariage par exemple) ou qu'il fournisse des informations au public ou interagisse avec lui, les incitant à participer. Il utilise son accent américain natif – et cadre ainsi le travail comme une œuvre américaine, tout en n'interférant pas dans l'universalité des thèmes et des personnages. Il est si élégant, si ineffablement, astucieusement parfait, si mercuriel et empathique. C'est une performance magnifique.

Mais ce n'est de loin pas la seule ici. Chaque personne qui apparaît est parfaitement choisie et ajoute de l'éclat et du plaisir par sa présence. Chaque personne. Même ceux qui n'ont pas de répliques. Je ne me souviens pas d'un ensemble plus parfaitement choisi. Mon chapeau bas devant chacun d'entre eux. C'est du jeu d'ensemble à son plus haut niveau. Chaleureux, accueillant, douloureusement honnête, parfaitement familier.

Quelques interprétations méritent une mention spéciale. Christopher Staines est superbe dans le rôle de Simon Stimson, le maître de chœur alcoolique qui est le sujet de ragots sans fin dans le village mais pour lequel personne ne lève le petit doigt pour aider. Émouvant et hilarant, le travail de Staines ici est un pur délice. Quiconque a déjà fait partie d'une chorale comprendra parfaitement la manière magistrale dont Staines dépeint l'angoisse sans fin de l'homme enseignant les différentes parties à la chorale ; c'est très, très drôle. Et contrebalance, avec une brutalité électrique, les moments où Stimson est perdu dans la fugue de son propre désespoir et de son cynisme.

La représentation brutalement honnête d'Annette McLaughlin du commérage insipide du village, Mme Soames, est particulièrement fruitée et joyeuse. Daniel Kendrick en laitier fiable, Howie, et Rhashan Stone comme le Dr Gibbs, publiquement admiré mais odieux en privé, sont des délices, des plaisirs parfaits.

Anna Francolini livre la performance de sa vie dans le rôle de Mrs Gibbs, l'épouse du docteur de la ville qui s'épuise toute la journée pour assurer les besoins de sa famille mais qui rêve ses propres rêves tout en sachant qu'ils seront toujours hors d'atteinte. Son sens de l'anxiété maternelle est parfaitement jugé, de même que la notion d'une vie complètement gâchée avec un mari ingrat et prétentieux. Elle est vraiment merveilleuse dans l'Acte Trois; économe, précise, multiforme. La mort prématurée de son personnage n'empêche pas la performance magnifiquement jugée de Francolini.

Toute la famille Webb est parfaitement rendue : Kate Dickie en mère épuisée ; Laura Elsworthy en étudiante intelligente, précoce, (de la vie, il s'avère) Emily ; Arthur Byrne en Wally tragique ; et Richard Lumsden en père superbement ordinaire. Ils ont une vitalité en tant qu'unité familiale qui est remarquable. Deux scènes sont particulièrement merveilleuses : où M. Webb transmet sa sagesse à son futur gendre (hilarant et profond) ; et l'occasion du 12ème anniversaire d'Emily (chaleureux, excitant et, en fin de compte, dévastateur).

Cependant, la performance de la nuit vient de David Walmsley en George Gibbs. Je ne sais pas quel âge a Walmsley mais il n'est pas un adolescent, et pourtant dans le premier Acte il convainc complètement en tant que tel, ce genre de garçon adolescent grognon, perdu, avec lequel tant de parents sont familiers. Chaque seconde où il est sur scène, Walmsley est totalement engagé, totalement persuasif et totalement magnifique. Dans l'Acte Deux, ses interactions maladroites avec l'Emily d'Elsworthy sont inoubliables - de la tâche apparemment compliquée de porter ses livres au moment atrocement maladroit où il déclare son amour pour elle. Tendre, véridique et intemporel, Walmsley est exceptionnel à tous égards. Sa progression de garçon râleur à mari et père engagé et viril est assurée et totalement réelle. Et sa représentation presque silencieuse, déchirante de l'angoisse paralysante dans l'Acte Trois caps cette interprétation assez shakespearienne.

Il s'agit d'une reprise phénoménalement efficace et ambitieuse d'un chef-d'œuvre. Elle restaure votre foi dans le pouvoir et la magie du théâtre et montre, de manière très claire, comment le recrutement d'acteurs capables d'interpréter est la clé d'un théâtre réussi. Elle fait s'envoler votre cœur et votre esprit, bien que vous puissiez verser quelques larmes en cours de route. Puissante. Captivante. Inoubliable. Chaleureuse. Un Notre Ville pour notre époque.