CRÍTICA: Nossa Cidade, Teatro Almeida ✭✭✭✭✭

Foto: Marc Brenner A Nossa Cidade Almeida Theatre 21 de outubro de 2014 5 Estrelas

Thornton Wilder ganhou três Prémios Pulitzer. O que recebeu em 1938 foi por A Nossa Cidade, que estreou na Broadway nesse mesmo ano. Que coisa invulgar, confrontadora, talvez até perturbadora, deve ter sido aquela primeira produção para o público de teatro: sem cenário, com adereços mínimos, mímica de atividades do quotidiano, um narrador que lhes falava diretamente, quebrando a quarta parede, vislumbres de linhas narrativas e pequenas vinhetas a delinear personagens específicas. Deve ter sido inebriante, intrigante, inspirador. Fresco.

Feito com estilo e mestria, A Nossa Cidade ainda pode ser tudo isso — e mais. Como a notável reposição de David Cromer da peça, agora em cena no Almeida Theatre após temporadas bem-sucedidas pelo mundo fora, estabelece com uma facilidade impressionante.

Cromer é um génio. Tudo aqui — absolutamente tudo — funciona. Na perfeição. Com sublime precisão. De corpo e alma. Não há nada de que se possa reclamar ou embirrar.

Pelo menos, isto é, se não for elegível para Presidente dos Estados Unidos da América. Porque, como o programa sugere, pelo logótipo/ícone desta produção, Cromer procura tornar a peça de Wilder mais universal ao exigir que os atores usem sotaques familiares no Reino Unido e do Reino Unido. Isto é, talvez, controverso, já que Wilder é considerado tão americano como uma tarte de maçã e, na verdade, o texto tem ritmos e palavras ou expressões específicas que mergulham o diálogo em New Hampshire, onde se situa a vila no centro da ação, Grover’s Corners. Assim, percebe-se por que razão os americanos podem sentir algum sentido de pertença em relação aos sotaques numa produção desta grande peça “americana”.

Mas, longe de diminuir a força e o efeito do trabalho de Wilder, a decisão de Cromer sobre os sotaques traz dividendos reais. As divisões de classe nítidas, tantas vezes impercetíveis para ouvidos não americanos, ficam cristalinas quando entram em jogo sotaques ingleses. Além disso, o “Nossa” do título ganha verdadeiro peso. Esta produção não é sobre um lugar pitoresco e antiquado perdido nas terras agrícolas da América — não, é uma peça sobre nós, sobre as nossas cidades e vilas, as nossas pessoas, as nossas vidas. Os sotaques locais impulsionam a universalidade da obra.

Mas, na verdade, toda a visão de Cromer faz isso. O cenário de Stephen Dobay e os figurinos de Alison Siple combinam-se para criar uma paisagem comum, uma paleta de reconhecimento e familiaridade. Duas secções da primeira fila tornam-se, quase, as vedações de jardim ou as ruas da vila, o que deixa algumas pessoas ali sentadas desconfortáveis, mas sublinha em força a inclusividade da abordagem ao texto. A iluminação de Heather Gilbert é simplesmente mágica; a mudança gradual de luz evoca a passagem do tempo e a hora do dia pretendidas. As próprias luzes — concebidas para parecerem luzes domésticas comuns — reforçam a sensação de domesticidade, de intimidade. E manter as luzes da plateia acesas garante que o público se recorda sempre de observar o que acontece com a consciência de que também pode ser visto — um dos temas de Wilder sobre a forma como as vidas são vividas (ou não).

E, quando chega no Ato Três, o truque de design espetacular é de cortar a respiração. Absolutamente de cortar a respiração.

É também este ato que traz, num relance, o uso de sotaques americanos numa cena de flashback — outra decisão de encenação engenhosa, que alinha a história da cidade com o Narrador e, ao mesmo tempo, encontra mais uma forma de refletir a universalidade dos temas, lembrando ao público de onde a peça veio.

A peça de Wilder é enganadoramente simples à superfície, mas essa simplicidade é apenas o pano de cobertura — os tesouros por baixo são muitos e fascinantes. Esta é uma peça, no essencial, sobre o que é ser humano e sobre as coisas que os seres humanos fazem por hábito — por pressão dos pares ou dos pais, ou porque acham que sabem do que é feita a vida — para diminuir as suas próprias vidas. É tão confrontadora quanto sedutora.

Se fosse escrita hoje, ganharia mais um Prémio Pulitzer. Sem dúvida. É tão fresca, importante e urgente como era em 1938. Cromer compreende isso por inteiro e garante que o público também.

Para além de encenar, Cromer interpreta o diretor de cena, o narrador de Wilder que dialoga com o público e, como ele, observa as ações dos habitantes da vila. Sem adotar um tom condescendente, de professor, Cromer é espantosamente bom — quer a fazer uma das pequenas personagens da narrativa (o rapaz das gasosas, o celebrante do casamento, por exemplo), quer a passar informação ao público, quer a interagir com a plateia, incitando-a a participar. Ele usa o seu sotaque americano nativo — e, assim, enquadra a obra como uma obra americana, sem intrometer-se na universalidade dos temas e das personagens. É tão elegante, tão inexprimivelmente e perspicazmente perfeito, tão mercurial e empático. É uma interpretação magnífica.

Mas está longe de ser a única. Cada pessoa que entra em cena está perfeitamente escolhida e acrescenta brilho e prazer só pela sua presença. Cada uma. Mesmo quem não tem falas. Não me lembro de um elenco tão irrepreensivelmente escalado. Tiro o chapéu a todos e a cada um. Isto é interpretação de conjunto no seu melhor. Calorosa, acolhedora, dolorosamente honesta, perfeitamente familiar.

Há alguns destaques que merecem menção especial. Christopher Staines está soberbo como Simon Stimson, o mestre do coro alcoólico que é alvo de mexericos intermináveis na vila, mas por quem ninguém mexe uma palha para ajudar. Comovente e hilariante, o trabalho de Staines aqui é um puro prazer. Quem já esteve num coro compreenderá na perfeição a forma magistral como Staines retrata a angústia interminável de um homem a ensinar as várias vozes ao coro; é muito, muito engraçado. E contrasta, com brutalidade elétrica, com os momentos em que Stimson se perde na fuga do seu próprio desespero e cinismo.

A representação brutalmente honesta de Annette McLaughlin da fútil mexeriqueira da vila, Mrs Soames, é particularmente saborosa e jubilosa. O leiteiro fiável de Daniel Kendrick, Howie, e o Dr Gibbs de Rhashan Stone — admirado em público, mas detestável em privado — são delícias, pequenas guloseimas perfeitas.

Anna Francolini dá a interpretação da sua vida como Mrs Gibbs, a mulher do médico da vila, que passa o dia a trabalhar para garantir que as necessidades da família são satisfeitas, mas que sonha os seus próprios sonhos sabendo que estarão sempre um pouco fora de alcance. O seu sentido de ansiedade maternal está na medida certa, tal como a ideia de uma vida completamente desperdiçada com um marido ingrato e pretensioso. Ela é realmente maravilhosa no Ato Três; contida, precisa, em várias camadas. A morte prematura da sua personagem não impede a interpretação belissimamente calibrada de Francolini.

Toda a família Webb está desenhada na perfeição: a mãe exausta de Kate Dickie; a Emily de Laura Elsworthy, inteligente, precoce, estudante (da vida, como se revela); o trágico Wally de Arthur Byrne; e o pai superbamente comum de Richard Lumsden. Têm uma vitalidade enquanto unidade familiar que é notável. Duas cenas são particularmente maravilhosas: quando o Sr. Webb transmite sabedoria ao futuro genro (hilariante e profunda); e a ocasião do 12.º aniversário de Emily (calorosa, entusiasmante e, no fim, devastadora).

No entanto, a interpretação da noite é de David Walmsley como George Gibbs. Não sei que idade tem Walmsley, mas não é um adolescente e, ainda assim, no primeiro ato convence totalmente como tal — aquele tipo de rapaz adolescente rabugento e perdido, tão familiar a tantos pais. Em cada segundo em que está em palco, Walmsley está completamente entregue, completamente convincente e absolutamente magnífico. No Ato Dois, as suas interações desajeitadas com a Emily de Elsworthy são inesquecíveis — desde a tarefa aparentemente complicada de carregar os livros dela até ao momento diabólicamente embaraçoso em que lhe declara o amor. Terno, verdadeiro e intemporal, Walmsley é excecional em todos os aspetos. A sua passagem de miúdo irritadiço a marido e pai másculo e dedicado é segura e totalmente real. E a sua representação quase sem som, dilacerante, de uma angústia paralisante no Ato Três coroa esta viragem quase shakespeariana.

Esta é uma reposição fenomenalmente eficaz e ambiciosa de uma obra-prima. Restaura a nossa fé no poder e na magia do teatro e mostra, de forma muito clara, que escolher atores que saibam representar é a chave para um teatro bem-sucedido. Faz o coração e o espírito levantar voo, embora possa deixar cair algumas lágrimas pelo caminho. Poderosa. Absorvente. Inesquecível. Acolhedora. Uma Nossa Cidade para o nosso tempo.