CRITIQUE : Demander à Rembrandt, Old Red Lion Theatre ✭✭✭✭✭

Asking Rembrandt. Photo : Chris Gardner Asking Rembrandt

Old Red Lion Theatre, Islington

25 juin 2015

5 Étoiles

Réserver des billets L'exposition de la National Gallery sur les oeuvres tardives de Rembrandt, au tournant de l'année, s'est concentrée sur la production du peintre pendant les années 1650 et 1660. Sa leçon sous-jacente mais tacite parlait de la persistance triomphante et de l'évolution énergique de la créativité du peintre face à la faillite, aux décès des proches, aux problèmes juridiques et à une santé déclinante. L'audacieuse technicité et l'innovation dans la capture du caractère continuaient, surtout dans ses portraits plus tardifs : était-ce grâce à, ou en dépit, des troubles et de l'effondrement éventuel des certitudes qui avaient soutenu les grands succès publics de sa carrière précoce ? C'est l'une des nombreuses questions captivantes posées dans Asking Rembrandt de Steve Gooch, actuellement en représentation à l'Old Red Lion à Islington. Il s'agit de la troisième pièce dans laquelle Gooch examine la manière dont les priorités et les choix créatifs d'un artiste sont influencés par sa société. Comme dans l'exposition, l'action de la pièce se concentre sur les années centrales du peintre à l'approche de la crise de la faillite en 1656. Nous rencontrons le peintre chez lui dans son atelier en compagnie de sa femme en union libre Hendrikje (Henni) et de son fils survivant, Titus. Entrant et sortant de la maison par intervalles, il y a le riche mécène de Rembrandt, le magistrat, poète et collectionneur d'art, Jan Six : en effet, la substance de la pièce réside dans leurs discussions sur l'art en général et celui de Rembrandt en particulier, le ton variant du badinage amical aux échanges acerbes. Rembrandt fait essentiellement face à trois problèmes : pendant de nombreuses années, il a vécu largement au-dessus de ses moyens dans une propriété somptueusement meublée mais lourdement hypothéquée, et en conséquence, il est devenu entièrement dépendant d'un flux continu de commandes de portraits lucratifs juste pour tenir à flot. Cependant, les commandes commencent à se raréfier, en partie à cause de son impolitesse envers les clients, notamment s'ils se sont plaints à quelque égard que ce soit de la ressemblance achevée, et en partie parce qu'il prend de plus en plus de temps pour terminer chaque œuvre. Il se défend en affirmant qu'il ne 'procrastine' pas mais qu'il 'marine' à la recherche de nouvelles techniques d'expression du caractère. Ces problèmes sont amplifiés par son refus d'épouser Henni, ce qui lui vaut l'inimitié et les restrictions sociales de l'Église calviniste locale, qui les accuse de vivre dans le péché. Finalement, il entretient une relation difficile avec son fils adolescent, qui à la fois il compte de plus en plus comme un vendeur mais qu'il critique pour ses propres efforts artistiques. En somme, nous le voyons comme l'archétype de l'artiste héroïque montant vers une chute, et nous sommes, en tant que public, invités à réfléchir sur ce qui advient n'est qu'une juste punition, avec une némésis suivant inévitablement l'hubris, ou un exemple de la figure créative unique qui, en vertu de son art, mérite d'être exemptée des conventions de la vie sociale ordinaire.

Il est surprenant que les archives historiques soient pauvres pour cette période de la vie de Rembrandt, offrant ainsi une large opportunité à l'écrivain de combler les lacunes de manière dramatique. Gooch utilise particulièrement bien le fait que Six ait accordé à Rembrandt un prêt substantiel au même moment où il posait pour le très beau portrait qui reste encore aujourd'hui en possession de sa famille. Nous savons aussi qu'ils se sont querellés peu de temps après. À partir de ces maigres éléments, Gooch façonne une scène particulièrement fine comme le point culminant de la pièce, qui rassemble tous les thèmes précédents avec un grand effet dramatique et un succès analytique. Devrait-on penser à un marchand ou mécène comme un Mécène, un Svengali ou un Méphistophélès ? L'artiste devrait-il prêter attention aux souhaits du mécène, ou suivre ses propres instincts créatifs où qu'ils mènent ? Qui détient le droit d'interpréter un portrait - l'artiste, le modèle, ou la communauté au sens large ? L'amitié et des priorités esthétiques partagées peuvent-elles survivre à la traction de la différence de classe et à la disparité de talent et de compréhension ? Ce sont quelques-unes des questions qui se cristallisent de manière mémorable dans cette confrontation, digne de Bernard Shaw au sommet de son art.

Les acteurs livrent tous des performances très fines. Liam McKenna capture la grande générosité de cœur que l'on imagine que Rembrandt aurait eue, ainsi que l'irrévérence prête, la vive colère et l'habileté avec l'argent et les relations que l'on aperçoit dans ces célèbres autoportraits. Il possède la présence physique robuste, l'esprit, l'éclat et l'animation nécessaires pour animer les longues discussions sur la nature de son art. On ressent également quelqu'un qui n'a pas perdu contact avec ses racines et ses origines modestes, un homme possédant un sens aigu de la famille et de la vie comme quelque chose à vivre, apprécier et saisir ici et maintenant, à la fois en personne et en termes de son persona artistique. Le génie est notoirement difficile à dépeindre sur scène – le surjeu et un sentiment d'irréalité et d'auto-agrandissement guettent. C'est un signe de la compétence de sa performance que McKenna est également convaincant à la fois comme une figure menteuse, vulnérable et imparfaite, et comme quelqu'un repoussant vraisemblablement les limites de ce qui peut être exprimé avec des peintures à l'huile.

Dans un contraste attrayant, John Gorick dans le rôle de Six est tout en sophistication cosmopolite soyeuse et en lassitude du monde à la surface, mais avec beaucoup d'acier et d'estime de soi en dessous. On ne doute pas qu'il est un négociateur et un homme d'affaires redoutable, et non un simple esthète. En apparence et en style, il rappelle Simon Callow, mais sans les manières. Il a pour tâche d'argumenter en faveur du bon sens et d'une douce raison pratique, ce qu'il fait bien, révélant humanité et profondeur dans son interprétation autant que maîtrise de soi et un fort sens de sa position dans la communauté. Son langage corporel rigide contraste également de manière efficace avec la truculence débridée de McKenna.

Dans les rôles de Henni et Titus, Esme Patey-Ford et Loz Keystone ont des rôles plus de soutien que centraux, mais ils saisissent bien leurs opportunités. Patey-Ford vous fait comprendre pourquoi Rembrandt trouvait Henni si charmante et attachante en contraste de sa défunte femme Saskia : elle a une légèreté et une irrévérence qui offre un bon contre-poids à la gravité de la discussion ailleurs, mais vous ressentez aussi pour elle en tant que personne qui, plutôt que Rembrandt lui-même, doit subir les frondes et flèches du mépris de la société pour leur relation non résolue. Le jeu vous rend pleinement conscient de son sacrifice et, par conséquent, de la profondeur de son amour pour le peintre. Elle n'est pas un simple personnage de la trame ni dans la matrice émotionnelle de la pièce. Nous savons très peu de choses sur Titus, mais Keystone crée un personnage de dynamisme physique considérable, beaucoup plus vendeur naturel que son père, et un mélange touchant de gaucherie et de sagesse de rue avisée.

Il n'y a pas beaucoup de place pour la manœuvre à l'étage de l'Old Red Lion, mais l'équipe créative, dirigée par le metteur en scène Jonathan Kemp, a assemblé un décor flexible et bien ajusté qui offre un cadre richement texturé pour la pièce, plein d'encombrement artistique pertinent et de débris et de magnifiques tissus – théâtral de manière consciente d'une manière qui est tout à fait appropriée pour les peintures de cette période de la vie de Rembrandt. L'atmosphère intime et le jeu parfaitement calibré vous plongent rapidement dans les relations et les sujets, et en conséquence, nous avons une soirée au théâtre correctement rigoureuse et chaleureuse. La pièce se joue jusqu'à la mi-juillet et est gratifiante à tous égards. Mais la prochaine fois que vous mettrez une paire de gants, vous ne les percevrez peut-être plus jamais tout à fait de la même manière...

Asking Rembrandt est en représentation au Old Red Lion Theatre jusqu'au 18 juillet 2015