CRITIQUE : Daphne, Arcola Theatre ✭✭

Daphne

Arcola Studio 1

20/08/15

2 Étoiles

Richard Strauss a écrit son opéra en un acte Daphne tard dans sa carrière de compositeur, au milieu des années 1930. Il n'est pas souvent joué et mérite d'être relancé dans le cadre de l'engagement du Grimeborn Festival à redécouvrir le répertoire. Il offre aussi quasiment une soirée complète au théâtre car, bien que ce ne soit qu'un seul acte, il dure plus de 90 minutes. C'est une œuvre abstraite singulière, pleine de musique magnifique et de plusieurs scènes dramatiques émouvantes, mais son sous-titre – tragédie bucolique – indique déjà certains problèmes de définition qui attendent toute équipe créative. L'intrigue est remarquablement simple en surface et reste assez proche de la mythologie grecque telle que racontée par Ovide (Métamorphoses) et Euripide (Les Bacchantes). Daphne (Justine Viani), une naïade ou nymphe, est chez elle dans le monde naturel mais aliénée par les complexités de la vie sociale et politique, les tentations de l'amour sexuel et de la romance. Elle rejette d'abord un ami d'enfance, Leukippos (Panos Ntourntoufis), puis le dieu Apollon (John Upperton), d'abord déguisé en berger puis comme un invité à un banquet en l'honneur de Dionysos organisé par ses parents Peneios (James Gower) et Gaea (Violetta Gawara). Cela devient une ‘fête infernale’ où Leukippos se déguise avec une tenue de festival que Daphne avait déclinée et, après divers malentendus, Apollon tue Leukippos d'une flèche. Le deuil de Daphne pousse Apollon à regretter ses actions ; il demande donc à Zeus de transformer Daphne en un laurier, un destin qu'elle accueille avec empressement comme une union avec la nature.

Que devons-nous penser de cela, ou les metteurs en scène de théâtre pour ainsi dire ? Est-ce une œuvre de symbolisme profond ou simplement une charmante relecture d'une histoire ancienne ? Opera at Home et le metteur en scène Jose Gandia ont choisi de transposer l'œuvre à l'époque où elle a été écrite – l'Allemagne nazie. Toutes les figures d'autorité sont retirées de la Grèce et deviennent des commandants militaires et civils ; Daphne et sa mère portent des robes de soirée à la mode, et un trio de réfugiés juifs apparaît pour recevoir des abus physiques à intervalles dans le drame, avant que la scène de transformation ne les encercle et ne les enroule, avec Daphne, dans un bouquet de fil barbelé censé représenter un camp de concentration.

Je ne peux pas dire que je trouve cette interprétation du drame convaincante.

Ces ajouts sont des gestes plutôt qu'une réinterprétation complètement travaillée et intégrée, et la scène finale va à l'encontre des intentions du compositeur et du librettiste. La transformation est une justification et un retour à la maison pour Daphne, et convertir cela en une confinement de barbelés avec d'autres victimes ne rend service à personne. Il est vrai qu'il y a beaucoup à dire sur les variétés fascinantes de collaboration et de résistance que Strauss a mises en scène dans les années 1930 ; mais cela a déjà été bien couvert par Ronald Harwood dans sa pièce Collaboration. De plus, ces préoccupations ne débordent pas dans cette œuvre particulière où le principal contraste est entre l'innocence et la pureté du monde naturel et la corruption généralisée de la société plus large. S'il y a une critique des temps offerte ici, elle est beaucoup plus indirecte et fait partie de la tentative de Strauss de se retirer d'une vie publique qu'il voyait de plus en plus avec dégoût vers des thèmes plus intimes et intemporels. Ce qui pourrait mieux fonctionner en production serait un scénario écologiste plutôt qu'un retour aux années 1930 en Allemagne, devenu entre-temps un cliché opératique.

Il y a un autre problème sérieux avec cette production, à savoir le manque d'un orchestre ou au moins d'un petit ensemble pour étoffer les textures. Je comprends que cela n'est pas de la faute d'Opera at Home qui s'est vu refuser l'autorisation par l'Estate Strauss d'utiliser plus qu'un piano. Cela dit, dans les opéras post-Wagnériens de ce genre, les textures instrumentales sont des acteurs clés du drame, pas simplement un sous-entendu harmonieux réconfortant. Aux trois ou quatre moments clés de ce drame, la vie s'est évaporée de ce qui aurait dû être des climax magnifiquement accomplis parce que l'orchestre n'était pas là.

Ce n'est pas une critique du jeu excellent de Marta Lopez mais une reconnaissance que, contrairement à la plupart des opéras de Grimeborn qui ont utilisé des forces réduites cette année, une grande partie de l'essence de l'œuvre a disparu, pas simplement la décoration. Strauss a écrit ses partitions avec une oreille pour l'intrication sonore conçue pour atteindre des effets simples. Retirez le détail finement tissé et il ne reste que peu. Si des rosiers grimpants somptueusement parfumés, des lignes infiniment entrelacées, sont retirés d'un mur de jardin de cottage, ce qui reste n'est qu'un mur, quelle que soit la beauté de la maçonnerie.

Il y a des performances de qualité et d'autres où le défi technique de l'écriture impose des contraintes audibles. En tant que Daphne, Viani a joué avec grâce et sérénité appropriée et possède certainement le poids de voix requis pour ce type de rôle soprano. Sa gestion des échanges rapides dans ce qui est souvent un livret verbeux était également excellente. Cependant, dans les lignes longues et en vol plané de son hymne à la nature, sa réponse à Apollon et dans la transformation finale, la justesse était plus incertaine et le ton quelque peu forcé.

Les rôles de ténor héroïque de Strauss sont extrêmement difficiles, nécessitant un poids de voix en même temps que la maîtrise d'une tessiture élevée, à un degré qui se produit rarement dans la nature. Cela dit, Upperton et Ntourntoufis semblaient sous pression vocale pendant une grande partie de la soirée, ce qui a nui à leur jeu convaincant et à leur forte présence physique sur scène. Gower et Gawara ont tous deux chanté de manière excellente dans les rôles plus petits des parents de Daphne, pleinement à la hauteur de leurs rôles, et les rôles mineurs des bergers et des servantes ont été plus que bien rendus par de jeunes chanteurs dont nous entendrons sans doute bientôt parler. Jose Gandia, en plus de la mise en scène, a également fixé des tempi appropriés avec le bon type de flexibilité dans les principales scènes où il y a plusieurs virages maladroits dans la partition.

Tout ne peut pas fonctionner à Grimeborn et bien que l'engagement de tous mérite d'être reconnu, cette adaptation ne peut pas être considérée comme totalement réussie. Comme un meilleur test de sa valeur cependant, j'espère que d'autres performances pourront être organisées avec un ensemble complet de cordes, bois et cuivres. Si toutes les lignes principales sont présentes, le cœur de cette œuvre délicate peut encore générer le bon type de scintillement argenté.

Un dernier problème : quelqu'un peut-il à l'Arcola repositionner les surtitres projetés à un endroit où tout le public peut les voir ? Cela a été fait les années précédentes – quel est le problème en 2015 ?

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