ANMELDELSE: Daphne, Arcola Theatre ✭✭

Daphne

Arcola Studio 1

20.08.15

2 stjerner

Richard Strauss skrev sin enakters opera Daphne sent i karrieren, på midten av 1930-tallet. Den oppføres sjelden og er moden for en gjenoppdagelse som en del av Grimeborn-festivalens satsing på å gjenfinne glemte repertoarer. Den byr også på en fullverdig kveld i teatret, for selv som enakter varer den i over 90 minutter. Det er et underlig, abstrakt verk, fylt med nydelig musikk og flere gripende dramatiske scener, men undertittelen – bukolisk tragedie – antyder allerede definisjonsproblemene som venter ethvert kunstnerisk team. Handlingen er tilsynelatende enkel og holder seg tett til gresk mytologi slik den fortelles av Ovid (Metamorfoser) og Evripides (Bakkantinnene). Daphne (Justine Viani), en najade eller nymfe, føler seg hjemme i naturen, men er fremmedgjort overfor det sosiale og politiske livets kompleksitet, og fristelsene i seksuell kjærlighet og romanse. Hun avviser først barndomsvennen Leukippos (Panos Ntourntoufis) og deretter guden Apollo (John Upperton), som først dukker opp forkledd som gjeter og deretter som gjest i en fest til ære for Dionysos, organisert av hennes foreldre Peneios (James Gower) og Gaea (Violetta Gawara). Dette viser seg å være «selskapet fra helvete» der Leukippos kler seg ut i et festantrekk Daphne hadde takket nei til, og etter diverse misforståelser skyter Apollo Leukippos død med en pil. Daphnes sorg får Apollo til å angre sine handlinger; han ber derfor Zevs om å forvandle Daphne til et laurbærtre, en skjebne hun ivrig omfavner som en forening med naturen.

Hva skal vi, eller for den saks skyld teaterregissører, få ut av dette? Er dette et verk med dyp symbolikk eller en enkel og sjarmerende gjenfortelling av en antikk historie? Opera at Home og regissør Jose Gandia har valgt å flytte verket til tiden det ble skrevet – Nazi-Tyskland. Alle autoritetsfigurene er hentet ut av Hellas og har blitt militære og sivile kommandanter; Daphne og hennes mor bærer fasjonable aftenkjoler, og en trio av jødiske flyktninger dukker opp og blir utsatt for fysiske overgrep med jevne mellomrom i dramaet, før transformasjonsscenen omslutter og pakker dem og Daphne selv inn i en bukett av piggtråd, som antagelig skal forestille en konsentrasjonsleir.

Jeg kan ikke si at jeg finner denne tolkningen av dramaet overbevisende.

Disse tilleggene er snarere overfladiske gester enn en grundig gjennomarbeidet og integrert nytolkning, og sluttscenen går stikk i strid med intensjonene til komponisten og librettisten. Transformasjonen er en oppreisning og en hjemkomst for Daphne, og å forvandle dette til innesperring bak piggtråd sammen med andre ofre, gjør ingen noen tjenester. Det er sant at det er mye å si om de fascinerende variantene av samarbeid og motstand Strauss utviste på 1930-tallet; men dette har allerede blitt godt dekket av Ronald Harwood i hans stykke Collaboration. Dessuten flyter ikke disse bekymringene over i akkurat dette verket, der hovedkontrasten ligger mellom naturens uskyld og renhet og det generelle forfallet i samfunnet for øvrig. Hvis det finnes en kritikk av samtiden her, er den langt mer indirekte og en del av Strauss’ forsøk på å trekke seg tilbake fra et offentlig liv han i økende grad betraktet med avsmak, til fordel for mer intime og tidløse temaer. Det som kanskje ville fungert bedre i en produksjon, hadde vært et miljøvernperspektiv fremfor en tilbakevending til 1930-tallets Tyskland, som nå må sies å være en operaklise.

Det er et annet alvorlig problem med denne produksjonen, og det er mangelen på et orkester eller i det minste et lite ensemble for å gi liv til teksturen i musikken. Jeg forstår at dette ikke er Opera at Home sin feil, da de ble nektet tillatelse fra Strauss-boet til å bruke noe mer enn et piano. Når det er sagt, er de instrumentale teksturene i post-wagnerianske operaer som denne nøkkelaktører i dramaet, ikke bare et behagelig harmonisk underlag. Ved de tre eller fire avgjørende øyeblikkene i dette dramaet rant livet ut av det som burde vært storslåtte klimaks fordi orkesteret manglet.

Dette er ingen kritikk av Marta Lopez’ utmerkede spill, men en erkjennelse av at i motsetning til de fleste andre Grimeborn-operaene som har brukt reduserte krefter i år, har mye av stykkets kjerne forsvunnet, ikke bare pynten. Strauss skrev partiturene sine med et øre for klangmessig kompleksitet designet for å oppnå enkle effekter. Fjerner man de tettvevde detaljene, blir lite stående igjen. Hvis du fjerner duftende klatreroser fra en hagevegg, står man bare igjen med en murvegg uansett hvor vakkert murerarbeidet er.

Det er noen fine prestasjoner her, og andre steder hvor de tekniske utfordringene i partituret fører til merkbare anstrengelser. Som Daphne spilte Viani med passende ynde og ro, og hun har definitivt den rette stemmetyngden for denne typen sopranrolle. Hennes håndtering av de raske ordvekslingene i en ofte ordrik libretto var også utmerket. Men i de svevende, langstrakte linjene i hennes hymne til naturen, i svaret til Apollo og i den endelige transformasjonen, var intonasjonen mer usikker og klangen noe forsert.

Strauss’ heltetentor-roller er nesten umulig vanskelige; de krever en kombinasjon av stemmekraft og kontroll over høy tessitura som sjelden forekommer naturlig. Når det er sagt, virket både Upperton og Ntourntoufis under vokalt press i store deler av kvelden, noe som trakk ned det som ellers var overbevisende skuespill og sterk fysisk tilstedeværelse. Gower og Gawara sang begge utmerket i de mindre rollene som Daphnes foreldre, helt på høyde med rollenes krav, og de mindre rollene som gjetere og terner ble mer enn kapabelt sunget av unge sangere vi utvilsomt vil høre mer fra snart. Jose Gandia satte i tillegg til regien også treffende tempi med riktig fleksibilitet i hovedscenene der det er flere krevende vendinger i partituret.

Ikke alt på Grimeborn kan fungere, og selv om innsatsen fra alle involverte fortjener anerkjennelse, kan ikke denne bearbeidelsen anses som helt vellykket. Som en bedre test av verkets verdi håper jeg imidlertid at det kan arrangeres flere forestillinger med et fullt ensemble av strykere, treblåsere og messing. Hvis alle hovedlinjene er til stede, kan kjernen i dette delikate verket fortsatt skape den rette formen for sølvskimrende glød.

Et siste sukk: Kan noen på Arcola vennligst flytte de projiserte tekstingene til en posisjon der hele publikum kan se dem? Det har blitt gjort tidligere år – hva er problemet i 2015?

Finn ut mer om Grimeborn Opera Festival