RECENSION: Daphne, Arcola Theatre ✭✭

Daphne

Arcola Studio 1

20/08/15

2 Stjärnor

Richard Strauss skrev sin enaktare till opera, Daphne, i mitten av 1930-talet, sent i sin karriär. Den framförs sällan och passar utmärkt för den nysatsning som Grimeborn-festivalen gör genom sitt engagemang för att återupptäcka bortglömda verk. Den erbjuder dessutom en rejäl kväll på teatern då den, trots att den bara består av en akt, pågår i över 90 minuter. Det är ett märkligt, abstrakt verk, fyllt av ljuvlig musik och flera gripande dramatiska scener, men dess undertitel – en bukoliska tragedi – skvallrar om de definitionsmässiga utmaningar som väntar varje konstnärligt team. Handlingen är på ytan anmärkningsvärt enkel och håller sig nära den grekiska mytologin så som den berättas av Ovidius (Metamorfoser) och Euripides (Backanterna). Daphne (Justine Viani), en najad eller nymf, hör hemma i naturen men känner sig främmande inför det sociala och politiska livets komplexitet, samt den sexuella kärlekens och romantikens frestelser. Hon avvisar först barndomsvännen Leukippos (Panos Ntourntoufis) och därefter guden Apollo (John Upperton), som först uppträder förklädd till herde och sedan som gäst vid en fest till Dionysos ära, anordnad av hennes föräldrar Peneios (James Gower) och Gaea (Violetta Gawara). Detta visar sig vara en ”fest från helvetet” där Leukippos klär ut sig i en festivaldräkt som Daphne tidigare tackat nej till. Efter diverse missförstånd skjuter Apollo ihjäl Leukippos med en pil. Daphnes sorg får Apollo att ångra sina handlingar, och han ber Zeus att förvandla henne till ett lagerträd – ett öde hon ivrigt omfamnar som en förening med naturen.

Vad ska vi, eller för den delen teaterregissörer, dra för slutsatser av detta? Är det ett verk fyllt av djup symbolism eller en enkel, charmig återberättelse av en antik saga? Opera at Home och regissören Jose Gandia har valt att förlägga verket till tiden då det skrevs – Nazityskland. Alla auktoritetsfigurer har flyttats från Grekland och blivit militära och civila befälhavare; Daphne och hennes mor bär eleganta aftonklänningar, och en trio judiska flyktingar utsätts för fysiska övergrepp med jämna mellanrum under dramat, innan förvandlingsscenen omsluter och lindar in dem och Daphne själv i en bukett av taggtråd, som förmodligen ska föreställa ett koncentrationsläger.

Jag kan inte påstå att jag finner detta grepp på dramat övertygande.

Dessa tillägg känns mer som gester än som en genomarbetad och integrerad omtolkning, och slutscenen går stick i stäv med kompositörens och librettistens intentioner. Förvandlingen är en upprättelse och ett hemvändande för Daphne, och att förvandla detta till en taggtrådsinstängning tillsammans med andra offer gör ingen något gott. Det är sant att det finns mycket att säga om de fascinerande former av samarbete och motstånd som Strauss ägnade sig åt under 1930-talet, men detta har redan täckts väl av Ronald Harwood i hans pjäs Collaboration. Dessutom rinner dessa bekymmer inte över i just detta verk, där huvudkontrasten står mellan den naturliga världens oskuld och renhet och det omgivande samhällets allmänna förfall. Om det finns en tidsenlig kritik här, är den betydligt mer indirekt och en del av Strauss försök att dra sig tillbaka från ett offentligt liv han såg på med allt större avsmak, till förmån för mer intima, tidlösa teman. Vad som skulle fungera bättre i en uppsättning vore ett miljömedvetet scenario snarare än en tillbakagång till 30-talets Tyskland, vilket numera får ses som något av en operaklyscha.

Det finns ett annat allvarligt problem med denna produktion, och det är avsaknaden av en orkester eller åtminstone en mindre ensemble för att ge musiken dess rätta textur. Jag förstår att detta inte är Opera at Homes fel, då de nekades tillstånd av Strauss dödsbo att använda mer än ett piano. Med det sagt är instrumenteringen i post-wagnerianska operor av detta slag en nyckelspelare i dramat, inte bara ett behagligt harmoniskt underlag. Vid de tre eller fyra nyckelmomenten i detta drama dränerades livet ur vad som borde ha varit magnifika klimaxar eftersom orkestern saknades.

Detta är ingen kritik mot Marta Lopez utmärkta spel, utan snarare ett konstaterande att till skillnad från de flesta andra Grimeborn-operor som använt mindre ensembler i år, så har en stor del av verkets kärna gått förlorad, inte bara dess dekoration. Strauss skrev sina partitur med ett öra för klanglig komplexitet som syftade till att uppnå enkla effekter. Tar man bort de tätt vävda detaljerna återstår inte mycket. Om man tar bort praktfullt doftande klätterrosor från en trädgårdsvägg, så återstår bara själva väggen, oavsett hur vackert murverket än är.

Det bjuds på några fina insatser, men även stunder där de tekniska utmaningarna i partituret skapar hörbara ansträngningar. Som Daphne agerade Viani med passande grace och harmoni, och hon besitter definitivt rätt rösttyngd för denna typ av sopranroll. Hennes hantering av de snabba replikskiftena i det ofta ordrika librettot var också utmärkt. Men i de svävande, långa linjerna i hennes hymn till naturen, i svaret till Apollo och i den slutliga förvandlingen, var intonationen mer osäker och tonen något forcerad.

Strauss hjältetenorroller är nästan omöjliga att sjunga och kräver en kombination av röststyrka och kontroll i ett högt tessitura som sällan skådas i verkligheten. Med det sagt verkade både Upperton och Ntourntoufis under vokal press under stora delar av kvällen, vilket förtog en del av deras i övrigt övertygande skådespeleri och starka scennärvaro. Gower och Gawara sjöng båda utmärkt i de mindre rollerna som Daphnes föräldrar och fyllde sina roller väl. De mindre rollerna som herdar och pigor sjöngs mer än väl av unga sångare som vi utan tvekan kommer att få höra mer av snart. Jose Gandia satte, utöver regin, även passande tempi med rätt sorts flexibilitet i huvudscenerna där partituret tar flera knepiga vändningar.

Allt på Grimeborn kan inte fungera, och även om allas engagemang förtjänar erkännande, kan denna bearbetning inte anses vara helt lyckad. Som ett bättre test av dess värde hoppas jag dock att fler föreställningar kan arrangeras med en full ensemble av stråkar, träblås och bleckblås. Om alla huvudlinjer finns på plats kan kärnan i detta sköra verk fortfarande frambringa det rätta silverskimret.

Ett sista klagomål: kan någon på Arcola vänligen placera de projicerade textmaskinerna så att hela publiken kan se dem? Det har fungerat tidigare år – vad är problemet 2015?

Läs mer om operafestivalen Grimeborn