리뷰: 다프네, 아콜라 극장 ✭✭

다프네

아르콜라 스튜디오 1

20/08/15

별점 2점

리하르트 슈트라우스는 1930년대 중반, 작곡가로서 말년에 접어든 시기에 단막 오페라 다프네를 썼다. 공연되는 일이 많지 않은 작품이어서, 레퍼토리 재발견을 내세우는 그라임본 페스티벌의 취지에 맞춰 부활하기에 더없이 알맞다. 게다가 단막이지만 90분이 훌쩍 넘게 이어져, 사실상 저녁 한나절을 온전히 채우는 길이이기도 하다. 아름다운 음악과 몇몇 인상적인 드라마 장면들로 가득하지만, ‘목가적 비극’이라는 부제부터가 창작진이라면 누구나 맞닥뜨리게 될 정의의 난점을 예고한다. 줄거리는 겉보기엔 놀랄 만큼 단순하고, 오비디우스(변신 이야기)와 에우리피데스(바쿠스의 여인들)가 전한 그리스 신화에 꽤 충실하다. 나이아드, 즉 님프인 다프네(저스틴 비아니)는 자연의 세계에서는 편안하지만, 사회·정치적 삶의 복잡함과 성적 사랑과 로맨스의 유혹으로부터는 소외돼 있다. 그녀는 먼저 어린 시절 친구 레우키포스(파노스 느투른투피스)를, 이어서 목동으로 변장했다가 디오니소스를 기리는 잔치의 손님으로 나타난 아폴론(존 어퍼턴)을 거부한다. 그 잔치는 부모 페네이오스(제임스 고워)와 가이아(비올레타 가와라)가 마련한 것이지만, 결과적으로 ‘지옥의 파티’가 된다. 레우키포스는 다프네가 입기를 거절했던 축제 의상을 차려입고, 여러 오해가 이어진 끝에 아폴론이 화살로 레우키포스를 쏘아 죽인다. 다프네의 비탄은 아폴론에게 후회를 불러일으키고, 그는 제우스에게 다프네를 월계수로 변신시켜 달라고 청한다. 다프네는 이를 자연과의 결합으로 여기며 기꺼이 받아들인다.

그렇다면 우리는, 더 나아가 연출가들은 이 이야기를 어떻게 받아들여야 할까? 깊은 상징으로 가득한 작품일까, 아니면 고대 설화를 매력적으로 들려주는 단순한 재담일까? 오페라 앳 홈과 연출 호세 간디아는 작품을 집필 당시로 옮겨, 나치 독일을 배경으로 설정했다. 권위적 인물들은 모두 그리스를 떠나 군·민 지휘관으로 변하고, 다프네와 어머니는 유행하던 이브닝드레스를 입는다. 또한 유대인 난민 3명이 등장해 드라마 곳곳에서 신체적 학대를 당하다가, 변신 장면에서는 수용소를 대신하는 듯한 철조망의 꽃다발에 그들과 다프네까지 함께 둘러싸인다.

나는 이러한 해석이 설득력 있다고 말하기 어렵다.

이런 추가 요소들은 치밀하게 고민되고 통합된 재해석이라기보다 ‘제스처’에 가깝고, 마지막 장면은 작곡가와 대본가의 의도를 정면으로 거스른다. 변신은 다프네에게 정당화이자 귀환인데, 이를 다른 희생자들과 함께하는 철조망의 구금으로 바꾸는 것은 누구에게도 도움이 되지 않는다. 물론 1930년대 슈트라우스가 보여준 협력과 저항의 복잡한 스펙트럼에 대해 할 말이 많은 것은 사실이다. 하지만 그런 논의는 로널드 하우드의 희곡 콜라보레이션에서 이미 훌륭하게 다뤄졌다. 더구나 이 작품 자체에서는 그러한 문제의식이 크게 넘쳐흐르지 않는다. 핵심 대비는 자연 세계의 순수함과 무고함, 그리고 더 넓은 사회의 전반적 타락 사이에 있다. 만약 여기서 당대에 대한 비판이 있다면, 그것은 훨씬 비스듬하고, 공적 삶을 점점 혐오하게 된 슈트라우스가 더 친밀하고 시대를 초월한 주제로 물러서려 했던 시도의 일부로 읽힌다. 제작 차원에서라면 1930년대 독일로의 회귀—이제는 오페라에서 일종의 클리셰가 돼버린—보다 환경주의적 설정이 더 효과적일지도 모른다.

이 프로덕션에는 또 하나의 심각한 문제가 있는데, 바로 오케스트라가 없다는 점, 최소한 음향의 결을 살릴 소편성 앙상블조차 없다는 점이다. 오페라 앳 홈의 잘못이 아니라는 것은 안다. 슈트라우스 유족(재단) 측이 피아노 이상을 사용하는 데 허가를 내주지 않았기 때문이다. 그렇다 해도 이런 후기 바그너 계열의 오페라에서 기악적 질감은 단순히 편안한 화성의 받침이 아니라, 드라마의 핵심 ‘배우’다. 이 드라마의 서너 차례 결정적 순간들에서, 오케스트라가 없으니 정교하게 쌓여야 할 클라이맥스가 힘을 잃고 생기가 빠져나가는 것이 느껴졌다.

이는 마르타 로페스의 훌륭한 연주에 대한 비판이 아니라, 올해 그라임본의 다른 작품들이 축소 편성으로도 비교적 잘 버텼던 것과 달리, 이 작품은 장식이 아니라 ‘본질’의 상당 부분이 사라졌다는 사실을 인정하는 말이다. 슈트라우스는 단순한 효과를 위해서도 음향의 복잡성을 치밀하게 설계해 악보를 썼다. 촘촘히 엮인 디테일을 걷어내면 남는 것이 많지 않다. 향기로운 덩굴장미가 끝없이 얽혀 올라가던 오두막 정원 담에서 그 장미를 떼어내면, 벽돌이 아무리 예뻐도 결국 남는 것은 그저 벽일 뿐인 것과 같다.

연기와 노래 모두 뛰어난 순간들이 있는가 하면, 악보가 요구하는 기술적 난도가 고스란히 부담으로 드러나는 대목도 있었다. 다프네 역의 비아니는 적절한 우아함과 평정심으로 연기했고, 이런 소프라노 배역에 맞는 성량과 성격의 목소리를 지녔다. 말이 많은 대본에서 빠르게 오가는 대사 처리도 훌륭했다. 다만 자연을 향한 찬가의 길게 뻗는 선율, 아폴론에 대한 반응, 그리고 마지막 변신 장면에서는 음정이 다소 불안정했고 톤이 조금 무리하게 들렸다.

슈트라우스의 영웅적 테너 배역은 사실상 불가능할 정도로 어렵다. 성량의 무게감과 함께 높은 테시투라를 장시간 지배해야 하는데, 현실에서는 좀처럼 동시에 갖추기 힘든 조건이다. 그럼에도 어퍼턴과 느투른투피스는 저녁 내내 상당 부분에서 성악적으로 압박을 받는 듯 보였고, 이는 설득력 있는 연기와 무대 위의 강한 존재감을 다소 약화시켰다. 다프네의 부모 역할을 맡은 고워와 가와라는 비교적 작은 역할임에도 정확한 음정으로 훌륭하게 노래했고, 목동과 하녀 같은 단역들도 젊은 성악가들이 매우 능숙하게 소화했다. 머지않아 다시 이름을 듣게 될 이들이다. 호세 간디아는 연출뿐 아니라, 악보에 까다로운 전환이 여러 곳 있는 주요 장면들에서 적절한 유연성을 갖춘 템포를 제시했다.

그라임본에서 모든 것이 다 성공할 수는 없다. 관계자들의 헌신은 분명 인정받아 마땅하지만, 이번 각색을 온전히 성공적이라고 보기는 어렵다. 다만 작품의 가치를 더 제대로 시험해 보려면, 현악·목관·금관을 갖춘 완전한 앙상블로 추가 공연이 성사되기를 진심으로 바란다. 주요 선율들이 모두 살아 있다면, 이 섬세한 작품의 핵심은 여전히 알맞은 은빛의 반짝임을 만들어낼 수 있을 것이다.

마지막으로 한 가지 투덜거림: 아르콜라에서는 관객 모두가 볼 수 있는 위치로 자막(서타이틀) 투사 위치를 좀 옮겨 줄 수 없을까? 예전에는 됐던 일이다—2015년에는 대체 무엇이 문제란 말인가?

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