RECENSIONE: Daphne, Arcola Theatre ✭✭

Daphne

Arcola Studio 1

20/08/15

2 stelle

Richard Strauss scrisse la sua opera in un atto Daphne verso la fine della sua carriera compositiva, a metà degli anni Trenta. Non viene rappresentata spesso ed è più che mai pronta per essere riscoperta, in linea con l’impegno del Grimeborn Festival nel riportare alla luce titoli di repertorio dimenticati. Inoltre, offre praticamente una serata intera a teatro perché, pur essendo in un solo atto, supera i 90 minuti. È un lavoro astratto e singolare, pieno di musica splendida e di alcune scene drammatiche davvero toccanti, ma il sottotitolo – tragedia bucolica – indica già alcune delle difficoltà di definizione che attendono qualsiasi squadra creativa. La trama, in superficie, è sorprendentemente semplice e resta piuttosto fedele al mito greco così come raccontato da Ovidio (Metamorfosi) e da Euripide (Le Baccanti). Daphne (Justine Viani), una naiade o ninfa, è a suo agio nel mondo naturale ma estranea alle complessità della vita sociale e politica, e alle tentazioni dell’amore sessuale e del romanticismo. Respinge prima un amico d’infanzia, Leukippos (Panos Ntourntoufis), e poi il dio Apollo (John Upperton), dapprima travestito da pastore e poi come ospite a un banchetto in onore di Dioniso, organizzato dai suoi genitori Peneios (James Gower) e Gaea (Violetta Gawara). Ne scaturisce una vera e propria ‘festa dall’inferno’, in cui Leukippos si traveste con un abito da festival che Daphne aveva rifiutato e, dopo vari fraintendimenti, Apollo uccide Leukippos con una freccia. Il lutto di Daphne induce Apollo a pentirsi delle proprie azioni; così chiede a Zeus di trasformare Daphne in un albero di alloro, destino che lei abbraccia con entusiasmo come unione con la natura.

Che cosa dobbiamo farne noi — o, del resto, i registi teatrali? È un’opera di profondo simbolismo o una semplice e affascinante rilettura di un racconto antico? Opera at Home e il regista Jose Gandia hanno scelto di spostare l’azione all’epoca in cui fu scritta: la Germania nazista. Tutte le figure autoritarie vengono sottratte alla Grecia e diventano comandanti militari e civili; Daphne e sua madre indossano eleganti abiti da sera, e un trio di profughi ebrei compare per subire a intervalli violenze fisiche nel corso del dramma, prima che la scena della trasformazione li racchiuda e li avvolga — insieme a Daphne — in un bouquet di filo spinato, presumibilmente a evocare un campo di concentramento.

Non posso dire che questa lettura del dramma mi convinca.

Queste aggiunte sono più gesti che una reinterpretazione davvero pensata fino in fondo e integrata, e la scena finale va contro le intenzioni di compositore e librettista. La trasformazione è per Daphne una rivendicazione e un ritorno a casa; convertirla in una reclusione di filo spinato insieme ad altre vittime non giova a nessuno. È vero che ci sarebbe molto da dire sulle affascinanti forme di collaborazione e resistenza che Strauss mise in atto negli anni Trenta; ma l’argomento è già stato affrontato molto bene da Ronald Harwood nella sua pièce Collaboration. Inoltre, queste preoccupazioni non traboccano in quest’opera specifica, dove il contrasto principale è tra l’innocenza e la purezza del mondo naturale e la corruzione generale della società più ampia. Se qui c’è una critica dell’epoca, è molto più obliqua e rientra nel tentativo di Strauss di ritirarsi da una vita pubblica che guardava con crescente disgusto, rifugiandosi in temi più intimi e senza tempo. In scena potrebbe funzionare meglio uno scenario ambientalista, piuttosto che un ritorno alla Germania degli anni Trenta, ormai diventato quasi un cliché operistico.

C’è un altro serio problema di questa produzione: l’assenza di un’orchestra o almeno di un piccolo ensemble che dia corpo alle tessiture. Capisco che non sia colpa di Opera at Home, a cui lo Strauss Estate ha negato il permesso di utilizzare qualcosa in più di un pianoforte. Detto questo, in opere post-wagneriane di questo tipo le trame strumentali sono protagoniste del dramma, non una semplice e rassicurante base armonica. Nei tre o quattro momenti chiave del dramma, la vita è venuta meno proprio là dove avremmo dovuto avere climax splendidamente costruiti, perché l’orchestra non c’era.

Non è una critica all’eccellente esecuzione di Marta Lopez, ma il riconoscimento che, a differenza della maggior parte delle opere del Grimeborn che quest’anno hanno utilizzato forze ridotte, qui si è perso gran parte dell’essenza del pezzo, non solo l’ornamento. Strauss scriveva le sue partiture con un orecchio per un’intricata raffinatezza sonora pensata per ottenere effetti semplici. Togliete il dettaglio fittamente intrecciato e resta ben poco. Se da un muro di un giardino di cottage si rimuovono rose rampicanti riccamente profumate, con tralci senza fine intrecciati, ciò che rimane è pur sempre solo un muro, per quanto belli siano i mattoni.

Ci sono alcune ottime interpretazioni e altre in cui la sfida tecnica della scrittura impone sforzi udibili. Nei panni di Daphne, Viani ha recitato con grazia e serenità appropriate e possiede senza dubbio il giusto peso vocale per questo tipo di ruolo da soprano. Anche la sua gestione dei rapidi botta e risposta in un libretto spesso verboso è stata eccellente. Tuttavia, nelle linee ampie e sostenute del suo inno alla natura, nella risposta ad Apollo e nella trasformazione finale, l’intonazione è risultata più incerta e il timbro un po’ forzato.

I ruoli da tenore eroico di Strauss sono terribilmente difficili, richiedendo peso di voce insieme al controllo di un’alta tessitura, in una misura che raramente si riscontra in natura. Detto questo, sia Upperton sia Ntourntoufis sono sembrati sotto pressione vocale per una parte considerevole della serata, il che ha tolto qualcosa alla loro recitazione convincente e alla forte presenza fisica in scena. Gower e Gawara hanno cantato entrambi in modo eccellente nei ruoli più piccoli dei genitori di Daphne, pienamente a fuoco con le esigenze dei loro personaggi, e i ruoli minori di pastori e ancelle sono stati cantati più che bene da giovani interpreti di cui senza dubbio sentiremo presto parlare. Jose Gandia, oltre alla regia, ha anche impostato tempi appropriati, con la giusta flessibilità nelle scene principali dove la partitura presenta diverse svolte scomode.

Non tutto al Grimeborn può funzionare e, sebbene l’impegno di tutti meriti riconoscimento, questo adattamento non può essere considerato del tutto riuscito. Come prova migliore del suo valore, però, spero davvero che si possano organizzare ulteriori repliche con un organico completo di archi, legni e ottoni. Se tutte le linee principali sono presenti, il cuore di questo lavoro delicato può ancora sprigionare quel giusto luccichio argenteo.

Un’ultima lamentela: qualcuno all’Arcola può per favore riposizionare i sopratitoli proiettati in un punto in cui tutto il pubblico possa vederli? Negli anni passati si è fatto — qual è il problema nel 2015?

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