리뷰: 프로듀서, 처칠 극장 그리고 투어 ✭✭✭✭

코리 잉글리시(맥스), 제이슨 맨퍼드(레오), 티파니 그레이브스(울라) — The Producers 출연. 사진: 마누엘 할런. The Producers

브롬리 처칠 극장 공연 후 영국 투어

2015년 3월 11일

별 4개

브로드웨이 초연 후 The Book Of Mormon을 리뷰하며, 뉴욕 타임스의 평론가 벤 브랜틀리는 (정확히도) 이렇게 썼다. "…‘The Book of Mormon’은 기적에 가까운 무언가를 해낸다. 미국식 ‘영감 넘치는 북 뮤지컬’이라는 장르를 동시에 조롱하면서도, 뜨겁게 껴안는다. 멜 브룩스가 자신의 영화 ‘The Producers’를 10여 년 전 무대화한 이후로, 브로드웨이에서 이렇게 두 마리 토끼를 완벽히 잡은 작품은 없었다."

멜 브룩스의 정치적으로 올바르지 않은 풍자 소동극 The Producers는 브로드웨이 뮤지컬을 ‘악랄할 만큼 웃기면서도’ 동시에 귀에 착 감기는 멜로디, 당돌한 태도, 화려한 볼거리와 색채로 되찾아왔다. 브룩스는 온갖 전형적인 브로드웨이 캐릭터들을 정조준해, 때로는 입이 떡 벌어질 정도로 모조리 꼬집어 비틀어버린다. 그러면서도 훌륭한 뮤지컬의 핵심 재료로 흔히 꼽히는 ‘마음’에는 고개를 끄덕이는 정도만—그 이상은 아니다—영리하게 꿰매 넣었다.

효과는? 그야말로 대성공이었다.

The Producers의 성공은 비슷한 결의 작품들이 뒤따를 길을 열었다. 하지만 이후 작품들(예컨대 Hairspray는 멜로디가 풍성한 악보와, 마음으로 꽉 찬 서사를 자랑한다)도 각자의 장점이 분명함에도, 브룩스가 The Producers로 만들어낸 순도 높은 환희와, 등장인물 하나하나가 스포트라이트를 받는 그 폭넓은 캐릭터 구성을 제대로 재현한 작품은 좀처럼 없었다.

지금 영국에서는 매슈 화이트가 연출한 세련되고 인상적인 The Producers 리바이벌이 투어 중이다. 다양한 극장을 옮겨 다니는 투어 프로덕션 특유의 물류·예산 제약을 감안하면, 화이트는 꽤 놀라운 성과를 일궈냈다.

첫째, 화이트는 ‘스타 캐스팅’을 자신 있게 활용했다. 한 명을 제외하면, 캐스팅된 스타들은 음악·연기·안무 면에서 요구되는 것을 모두 해낸다. 둘째, 폴 판스워스의 디자인은 예산과 다회차·다극장 투어라는 불가피한 한계를 단점이 아니라 장점으로 끌어안는다. 셋째, 탄탄한 앙상블은 작품이 요구하는 다른 모든 조건을 뛰어넘는 것은 물론, 기지 넘치고 감각적으로 계산된 짧은 장면들을 무수히 만들어낸다. 넷째, 화이트는 놀라움과 즐거움을 동시에 주는 새롭고 신선한 ‘무대 비즈니스’를 추가한다. 훌륭한 신체 코미디는 물론, 다른 뮤지컬들에 대한 재치 있는 ‘참조’도 가득하다. (투어 공연에서 흔히 즐기는 게임—“언더스터디 찾기”—에 더해, 이번엔 “다른 브로드웨이 히트작 레퍼런스 찾기”도 가능하다. Chorus Line, Gypsy, West Side Story, 42nd Street에 대한 언급들이 기막힌 방식으로 웃음 포인트를 건드린다.) 다섯째, 리 프라우드의 재치 있고 활기차며 (정말로) 아주 ‘빙글빙글’ 도는 안무는 공연 내내 톡 쏘는 에너지와 흥미를 더한다.

하지만 아마 더 중요한 것은, 이번 재공연에서 화이트가 The Producers의 성공을 가로막는 두 가지 핵심 장애물을 넘어섰다는 점이다. 풀사이즈 오케스트라의 부재, 그리고 큰 예산의 부재(앙상블 규모와 디자인의 제약으로 드러난다). 본질적으로 The Producers는 ‘큰’ 쇼가 아니라 ‘작고 싸구려 같은’ 쇼를 둘러싼, 크고 화려한 뮤지컬이다. 스타일과 제시 방식의 대비가 곧 즐거움이고, 작품이 먹히는 이유다. 여기의 프로덕션은 크거나 과시적이지는 않지만, 기발함과 진짜 실력으로 맥박치듯 살아 움직인다.

이전 프로덕션들에서 The Producers를 경험한 베테랑 코리 잉글리시는 1급 맥스다. 그는 모든 농담을 정확히 꽂아 넣고, 더럽고 장난기 많고 교활하며 돈에 굶주린 ‘올드 브로드웨이의 노련한 왕’을 능숙하고 당당하게 연기한다. 비꼬는 듯한 악동의 기운과 쉼 없이 뿜어내는 에너지 속에서, 잉글리시의 맥스는 늘 궁지에 몰려 있으면서도 동시에 능청스럽게 수다를 떠는 인물로 존재한다. 발음과 억양은 타이밍과 노래만큼이나 완벽하고, 2막의 Betrayed는 정말 훌륭하다.

잉글리시는 제이슨 맨퍼드가 연기하는 겁쟁이이자, 얼떨결에 교활해지고, 터무니없이(그래서 더 사랑스러운) 순진한 레오 블룸과도 매끄럽게 호흡한다. 스타 캐스팅의 사례로 보자면, 맨퍼드는 “우리가 어디서 제대로 맞췄지?”라는 질문에 답해주는 존재다. 그는 마시멜로 같은 마음을 가진 바보를 섬세하게 빚어내고, 몸과 말 모두로 아주 웃기며, 쇼 비즈니스에 대한 레오의 열정을 정확히 찍어낸다. 노래는 달콤하고 정직하며, 무대 위에서 편안해 보인다(불편해하는 캐릭터를 연기하면서 편안해 보이기란 쉽지 않다). 눈빛에는 두려움, 어쩌면 공포가 번쩍이지만, 빠릿한 발놀림에서도 충분히 제 몫을 한다. 공연이 진행될수록 그의 레오는 ‘피어’나듯 성장한다—그게 정답이니까.

티파니 그레이브스는 오전 11시의 유혹, ‘발음하기 어려운 성의’ 울라 역으로 눈부신 컨디션을 보여준다. 어느 각도에서 봐도 멋지고, 흠잡을 데 없는 과장된 스웨덴식 억양을 구사하는데 그게 분명하게—그리고 아주—웃기다. 노래와 춤도 힘차게 밀어붙인다. 웨스트엔드의 재능 있는 무대 베테랑이, 완전한 ‘스타 모드’로 빛나는 모습을 보는 건 정말 반갑다. 그는 ‘그것’을 갖고 있고, 당당히 드러낸다.

두 번째 스타 캐스팅은 프란츠 리프킨트 역이다. 더러운 레더호젠 차림으로 뉴욕 웨스트 빌리지에 살며 비둘기와 대화하는, 미쳐 있고 망상에 빠진 히틀러 광신도—맥스와 레오가 돈벌이 사기극을 위해 올릴 ‘세상 최악의 연극’을 찾아내는 바로 그 작가다. 여기서 필 주피터스는 탁월한 선택이다.

정신 나간 브라트부르스트 괴수처럼, 주피터스의 프란츠는 기능장애의 승리이자, 끝난 대의에 대한 히스테릭한 헌신과, 친근한 살인적 망상이 뒤섞인 존재다. 그는 양 ‘엄니’로 배역을 단단히 물고, 주어진 기회에서 웃음의 마지막 한 조각까지 흔들어 털어낸다. 두 개의 큰 넘버 모두, 특히 Haben Sie gehört das deutsche Band?는 기세 좋게 밀어붙인다. 이런 프란츠는 전례가 없었을 것이다. 주피터스는 얼빠진 신경질 대신 음울한 분노를 택하고, 그게 아주 잘 먹힌다.

마지막 스타 캐스팅은 루이 스펜스의 카르멘 지아다. 브로드웨이 최악의 연출가 로저 드 브리스의 사실혼 파트너이자 조수인 인물이다. 스펜스는 ‘스펜스다운’ 스펜스를 보여준다. 아니, 더 정확히는 ‘카르멘 지아를 연기하는 스펜스’가 대단하다. 그게 당신이 원하는 것이라면 문제없다. 2막쯤 되면 그 전제에 익숙해지고, 크게 거슬리지도 않는다.

하지만 사실, 꽤 큰 아쉬움이다. 카르멘과 로저의 역학은 둘이 하나의 매끈한 팀으로 움직일 때만 제대로 작동하고, 그때에야 코미디도 온전히 드러난다. 그들은 듀오다. 서로 다른 두 개의 공연이 아니다. 따뜻한 동시성이 주는 힘이 없으면 많은 것이 사라진다. 다만, 스펜스는 카르멘의 ‘클러치백’ 속 기술들에 화려한 안무적 기교를 더하고, 다른 카르멘이라면 (혹은 할 수 없을) 곳에서, 그리고 방식으로 웃음을 뽑아낸다.

데이비드 베델라는 2막의 과장미 폭발 시퀀스에서 진가를 발휘한다. 로저가 Springtime for Hitler 초연 공연에서 역사상 가장 ‘캠’한 히틀러로 등장하는 장면이다. 물론 이 순간은, 로저에게 사실상 온전히 주어지는 솔로 타임이다. 베델라는 아주 웃기고, 스펜스와 떨어져 있는 여기서 가장 편안해 보인다. 이 장면의 스타는 의심할 여지 없이 그다.

하지만 거의 다른 모든 장면들, 특히 1막의 Keep It Gay 장면에서 로저와 카르멘의 신은 차갑고 평평하며 서로 분리돼 있다. 베델라의 목소리는 이상하게도, 로저가 보여줘야 할 종류의 보컬 민첩성에 어울리지 않아 보였다. 로저와 제작팀 사이의 동료애도 느껴지지 않았는데, 유일하게 제이 웹의 툴툴거리듯 뾰로통한 사부만이 ‘팀’의 결속과 연결감을 만들어보려 애쓰는 듯했다. 작품에 내재한 코미디와의 이런 묘한 단절은 1막을 마무리하는 ‘할머니들’ 시퀀스, Along Came Bialy에서도 다시 보인다. 이 장면은 할머니들을 축하하는 느낌이 놀랍도록 약하고, 대신 정신적·신체적 질병과 ‘여장 남성’ 클리셰에 기대 웃음을 얻으려 한다.

그럼에도 큰 그림에서 보면, 이런 문제들은 그리 치명적이지 않다. 대체로 주역들은 뛰어나고, 앙상블은 공연 내내 지치지 않고 숙련되게 작품을 밀어붙인다.

Springtime For Hitler 시퀀스는 아름답게 처리됐고 엄청나게 웃기다. 의상, 춤, 연기가 한데 합쳐져 반짝이는 금빛의 광란, 칼 같은 군무, 황홀한 노래로 폭발한다. 웹이 훌륭하게 소화하는 ‘아리안 솔로이스트’를 번쩍이는 레더호젠에 넣자고 결정한 사람은 정말 센스가 있다. 진행 중간중간 멋진 순간도 많다. 무기력한 회계사로 Show Boat 모드의 웃음을 터뜨리다가, ‘아주 아일랜드스러운’ 오훌리한 병장으로 숨 돌릴 틈 없이 웃기는 토시 와노고-모드, 명랑하고 보컬 에너지가 뛰어난 안내원으로 활약하는 레베카 페널리와 에이미 호드넷, 축복받을 만큼 말 없는 교도관 아론 와일드, 등장할 때마다 회오리처럼 휘돌아 나가는 앤드루 고든-왓킨스까지.

앤드루 힐턴은 소규모 밴드를 효과적으로 이끈다. 음악적 지원에서 제대로 된 스트링이 빠진 아쉬움에 한 번 익숙해지고 나면, 음악 면에서는 불평할 것이 거의 없다. 노래는 생기 있고 정확하며, 템포와 밸런스도 꾸준히 적절하다. 브룩스의 멜로디가 가진 고유의 매력이 마음껏 빛을 발한다.

극장에서 정말 즐거운 시간을 보낼 수 있는 공연이다. 투어 공연 가운데서도 손꼽히는 훌륭한 사례—웃기고, 살짝 야릇하며, 처음부터 끝까지 톡톡 튄다.

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