CRÍTICA: Os Produtores, Teatro Churchill e Depois em Turnê ✭✭✭✭

Cory English (Max), Jason Manford (Leo) e Tiffany Graves (Ulla) em The Producers. Foto: Manuel Harlan. The Producers

Churchill Theatre, Bromley, e depois em digressão pelo Reino Unido

11 de março de 2015

4 estrelas

Quando analisou The Book Of Mormon após a estreia na Broadway, em Nova Iorque, o crítico do New York Times Ben Brantley disse, com razão: "...The Book of Mormon” consegue algo como um milagre. Ao mesmo tempo que goza, abraça com fervor a forma de arte tipicamente americana do musical inspirador. Nenhum espetáculo da Broadway conseguiu tão bem jogar nos dois lados desde que Mel Brooks adaptou o seu filme “The Producers” para o palco há uma década."

A sátira politicamente incorreta de Mel Brooks, The Producers, permitiu recuperar o musical da Broadway como algo tão maliciosamente divertido quanto melodioso, atrevido e cheio de espetáculo e cor. Brooks mirou uma vasta galeria de estereótipos do teatro musical da Broadway, espetou todos — por vezes de forma de queixo caído — numa festa tresloucada de piadas, à qual foram habilmente cosidas algumas alusões, mas não mais do que isso, àquele ingrediente normalmente essencial num grande musical: o coração.

Resultou. Em grande.

O sucesso de The Producers abriu caminho a outros do mesmo calibre, mas, embora os que se seguiram tenham qualidades excelentes (Hairspray, por exemplo, tem uma partitura ricamente melódica e uma narrativa a transbordar de coração), nada chegou verdadeiramente perto de replicar a alegria pura que Brooks criou com The Producers, nem a gama de personagens principais tão variadas, em que cada um tem o seu momento ao sol.

Agora em digressão no Reino Unido está a reposição elegante e impressionante de The Producers, assinada por Matthew White. Tendo em conta as limitações logísticas e orçamentais de uma produção em tournée, que passará por muitos espaços diferentes, White conseguiu algo notável.

Em primeiro lugar, White recorreu a um elenco “de estrelas” com segurança: as estrelas que escolheu, com uma exceção, conseguem cumprir tudo o que lhes é pedido — musical, dramática e coreograficamente. Em segundo lugar, o design de Paul Farnsworth abraça as limitações do orçamento e as exigências de uma produção itinerante, transformando-as em virtudes. Em terceiro, o excelente ensemble apresenta uma série de vinhetas inteligentes e magistralmente calibradas, para além de responder a todas as outras exigências da peça. Em quarto, White introduz novas e frescas marcações e gags de cena que surpreendem e encantam: boa comédia física e também piscadelas a outros musicais. (Para lá do habitual jogo que as digressões proporcionam — “Encontra o suplente” — aqui há também o “Encontra a referência a outros êxitos da Broadway”, com alusões a A Chorus Line, Gypsy, West Side Story e 42nd Street a fazerem cócegas ao sentido de humor de forma inspirada). Em quinto, a coreografia ágil, exuberante e muito, muito rodada (mesmo) de Lee Proud acrescenta constantemente energia e interesse.

Mas, talvez mais importante, o essencial que White consegue nesta nova montagem é ultrapassar dois obstáculos centrais ao sucesso de The Producers: a ausência de uma orquestra completa e a falta de um grande orçamento (refletida no tamanho do ensemble e nas limitações do design). No seu âmago, The Producers é um musical grande e espalhafatoso sobre, essencialmente, um espetáculo pequeno e de mau gosto; o contraste de estilos e apresentação faz parte da graça, parte do que o faz resultar. Aqui, a produção não é grande nem espalhafatosa, mas pulsa com inventividade e verdadeira perícia.

Cory English, veterano de produções anteriores de The Producers, é um Max de primeira. Apanha todas as piadas, faz do rei calejado da velha Broadway — sujo, malicioso, manipulador, sedento de dinheiro — com estilo e à vontade. Irónico e patife, e com uma energia inesgotável, o Max de English está perpetuamente de rastos e, ao mesmo tempo, a debitar conversa fiada com a maior leveza. A dicção e o sotaque são tão perfeitos quanto o timing e o canto: Betrayed, no segundo ato, é absolutamente soberbo.

English também funciona na perfeição com o Leo Bloom de Jason Manford — um medricas, acidentalmente manhoso, absurdamente (e por isso mesmo, adoravelmente) ingénuo. Como exercício de “star casting”, Manford é um caso que responde à pergunta “Onde é que acertámos?”. Constrói com cuidado um pateta de coração de marshmallow, é muito engraçado (física e verbalmente) e acerta em cheio na paixão de Leo pelo mundo do espetáculo. Canta com doçura e afinação, está confortável em palco (difícil quando se interpreta uma personagem desconfortável) e, apesar de haver medo — possivelmente pânico — a piscar nos olhos, sai-se bem no departamento do jogo de pés. O seu Leo floresce à medida que o espetáculo avança, como deve ser.

Tiffany Graves está em forma sensacional como a tentadora das 11h, Ulla Apelido Impronunciável. Está deslumbrante de qualquer ângulo, faz um sotaque sueco de fazer fé — inequivocamente hilariante — e canta e dança com garra. É maravilhoso ver uma das talentosas veteranas do West End a brilhar em modo estrela total. Ela tem o que é preciso e não o esconde.

A segunda escolha “de estrela” envolve o papel de Franz Liebkind, o fanático hitlerista louco e delirante que vive no West Village de Nova Iorque em lederhosen imundos e fala com pombos; o autor da “pior peça” que Max e Leo conseguem encontrar para produzir como parte do seu esquema para fazer dinheiro. Aqui, Phil Jupitus é uma escolha inspiradíssima.

Como um colosso de bratwurst tresloucado, o Franz de Jupitus é um triunfo de disfunção, devoção histérica a uma causa perdida e uma delusão assassina de uma simpatia afável. Agarra a personagem com as duas presas e espreme cada migalha de hilaridade da oportunidade. Ambos os seus grandes números, mas sobretudo Haben Sie gehört das deutsche Band?, são entregues com entusiasmo. Duvido que alguma vez tenha havido um Franz assim: Jupitus prefere uma raiva soturna à irritabilidade pateta — e resulta muito bem.

A última escolha “de estrela” traz Louie Spence como Carmen Ghia, o assistente de facto do pior encenador da Broadway, Roger de Bris. Spence faz um Spence espetacular — ou, talvez mais precisamente, um espetacular Spence-a-fazer-de-Carmen-Ghia. O que é perfeitamente aceitável se for isso que se procura; no segundo ato, já estamos habituados à ideia e deixa de chocar.

Mas, na verdade, é uma desilusão séria. A dinâmica entre Carmen e Roger só funciona verdadeiramente — e a comédia só se revela por completo — se estiverem a operar como uma equipa integrada e sem costuras. São um duo; não duas atuações separadas. Sem o calor que a sintonia traz, perde-se muito. Dito isto, Spence acrescenta bravura coreográfica vistosa ao arsenal de truques de Carmen e arranca gargalhadas em lugares e de maneiras que nenhum outro Carmen conseguiu — ou conseguiria.

David Bedella está no seu melhor na gloriosamente exagerada sequência do segundo ato em que Roger entra como o Hitler mais camp da história, na estreia de Springtime for Hitler. Este é, claro, o momento na peça que é verdadeiramente um solo para Roger. Bedella é muito engraçado e parece mais à vontade aqui, longe de Spence, onde é indiscutivelmente a estrela do momento.

Mas, em quase todas as outras cenas, especialmente em Keep It Gay no primeiro ato, as cenas de Roger e Carmen são frias, planas e desconectadas. A voz de Bedella, curiosamente, não parece talhada para o tipo de agilidade vocal que Roger deveria conseguir exibir. Também não houve sensação de camaradagem entre Roger e a sua equipa de produção, com apenas o Sabu amuado de Jay Webb a tentar apresentar um quadro de integração e ligação. Esta estranha desconexão com a comédia inerente à peça volta a refletir-se na sequência das velhinhas que anuncia o fim do primeiro ato: Along Came Bialy. É curiosamente pouco celebratória das velhinhas, preferindo apoiar-se na doença mental e física e no cliché dos homens de vestido para sacar risos.

Mas, num sentido geral, estes problemas não têm assim tanta importância. Na maior parte do tempo, o elenco principal é extraordinário e o ensemble trabalha incansavelmente e com grande competência ao longo de todo o espetáculo.

A sequência de Springtime For Hitler é conduzida com grande cuidado e é mesmo muito engraçada, com figurinos, dança e interpretações a combinarem-se numa explosão de dourado brilhante sem freios, dança de precisão e canto radiante: quem decidiu pôr o belamente cantado solista ariano de Webb em lederhosen com lantejoulas foi de uma inspiração enorme. Há momentos excelentes pelo caminho: Tosh Wanogho-Maud, hilariante em modo Show Boat como um contabilista desencantado e depois irresistivelmente cómico como o muito irlandês Sargento O’Houlihan; Rebecca Fennelly e Aimee Hodnett como assistentes de sala despachadas e vocalmente dinâmicas; Aron Wild, deliciosamente silencioso como guarda prisional; e o dervixe rodopiante que é Andrew Gordon-Watkins sempre que aparece.

Andrew Hilton dirige eficazmente a pequena banda e, assim que nos habituamos à lamentável ausência de cordas a sério no apoio musical, há pouco de que reclamar do ponto de vista musical. O canto é vigoroso e certeiro e os andamentos e o equilíbrio estão consistentemente no ponto. O charme inerente das melodias de Brooks tem rédea solta.

É um enorme divertimento no teatro. Para uma produção em digressão, é um exemplo esplêndido — engraçado, atrevido e a borbulhar do princípio ao fim.

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