CRÍTICA: Noite de Reis, Teatro de Richmond ✭✭✭

Michael Benz como Sebastian em Noite de Reis. Foto: Mark Douet Noite de Reis

English Touring Theatre

Richmond Theatre (em digressão)

19 de novembro de 2014

3 estrelas

No coração da obra-prima da comédia romântica de Shakespeare, Noite de Reis, estão as ideias de travestismo e identidade trocada. Após um naufrágio e separada do seu irmão gémeo, Viola assume uma identidade masculina e consegue um lugar na corte do Conde Orsino, onde passa a chamar-se Cesario. O Conde sente-se estranhamente atraído por Cesario, sem saber que ele é ela. A isto soma-se a tarefa que Orsino dá a Cesario — cortejar, em seu nome, a Senhora Olivia. Cesario revela-se um completo desastre nessa missão, mas Olivia apaixona-se por um pretendente: Cesario. Assim, uma mulher vestida de homem é ardentemente perseguida por uma mulher que pensa tratar-se de um homem, enquanto outro homem, que também pensa que ela é um homem, se apaixona por esse “homem”. Travestismo e uma boa dose de hilaridade.

Na encenação de Jonathan Munby de Noite de Reis, agora em cena no Richmond Theatre como parte da digressão pelo Reino Unido (uma co-produção entre Sheffield Theatres e a English Touring Theatre), há uma ênfase retumbante no “trans” do travestismo. Tanto Viola/Cesario como Olivia passam tempo a mais a gritar, berrar, rosnar, fazer barulho. Porquê, nunca fica claro. E tão pouco se percebem as palavras — ou o sentido das palavras — perdidas no meio desse volume.

Dito isto, Munby parece ter uma visão clara para esta produção: sublinhar os aspectos melancólicos da peça, torná-la mais contemplativa e, talvez, olhar para algumas personagens de outra forma.

Feste torna-se uma espécie de narrador. Entra no palco às escuras vindo pela plateia e, com guitarra na mão, encontra um lugar sob a luz em cena e começa a cantar uma melodia muito lamentosa. O resto do elenco surge atrás dele, quase como se fosse convocado por ele, e cria-se um quadro eficaz que promete intriga. Depois, a peça começa.

Orsino (Jake Fairbrother) está claramente a sofrer quando o vemos pela primeira vez, talvez até um pouco fora de si. Arranca a camisa e vai ficar à chuva. Assim, Munby estabelece-o eficazmente como, no mínimo, apaixonado doente e, possivelmente, desequilibrado. Leva isto adiante com uma passagem estranha, quase brincalhona — certamente idiossincrática — pela famosa cena “If Music Be The Food Of Love” e depois, de forma difícil de explicar, tenta beijar Cesario na primeira vez que os vemos juntos, precisamente quando Orsino encarrega Cesario de cortejar Olivia.

É claro, portanto, que Orsino está confuso. Mas não da forma habitual, em que, ao longo da peça, ele vai percebendo aos poucos que se está a apaixonar profundamente pelo rapaz que o serve. Não. Aqui, a confusão — e a imprevisibilidade — está em dose dupla desde o início. E vai rodopiando dentro e através da confusão até que, por fim, toma Cesario, o rapaz que ama, por esposa. Fica-se com a sensação de que o casamento talvez não venha a ser feliz — até porque Olivia, embora já casada com Sebastian nesta altura, parece incapaz de tirar as mãos de Viola, a mulher por quem se apaixonou quando pensava que era um homem.

O percurso de Sebastian também é muito diferente da forma habitual de contar a história. De início pareceu estranho ver o Sebastian de Michael Benz beijar o Antonio de Ross Walton com tanto vigor na primeira cena em que encontramos a dupla. Antonio prolonga o beijo, quer que dure mais, mas é Sebastian quem avança primeiro — e sem arrependimento. O retorno disso, que demora a chegar, acontece no Acto II, com a dolorosa despedida final dos dois: Benz coloca desejo, pedido de desculpa e culpa no olhar de separação e no momento em que Sebastian fica sozinho para ponderar o que fez: casar com Olivia e partir o coração de Antonio.

Assim, tal como Olivia abandona os seus votos de castidade por Cesario, também Sebastian abandona o seu amor por Antonio por Olivia — há um momento no acto final em que Orsino confunde Sebastian com Viola, e foi difícil não pensar se, em vez do riso habitual por causa do engano, ele não ficaria com Sebastian (afinal, era um rapaz por quem se apaixonou) e deixaria Olivia ficar com Viola, como tão claramente parece preferir.

O mais desconcertante nesta produção é que a parte da narrativa que costuma ser melancólica é praticamente esvaziada desse sentimento: a história triste do empolado e pretensioso Malvolio, cruelmente enganado e depois encarcerado por Sir Toby Belch e a sua pandilha, não tem aqui qualquer perfume de tragédia. Também não é particularmente engraçada, e os pontos em que se poderiam puxar as cordas do coração são curiosamente contornados.

Feste sublinha o lado de palhaço triste da personagem do princípio ao fim, tanto que, se começasse a entoar o “Vesti la giubba” de Puccini, não pareceria deslocado. O verdadeiro palhaço aqui é Sir Andrew Aguecheek, embora Maria também dê boa ajuda nesse departamento. Sir Toby parece perdido numa névoa de bílis, álcool e uma interpretação exageradamente histriónica que rende poucos risos.

E, mais uma vez, isso faz com que outro dos momentos tipicamente melancólicos da peça — quando Sir Toby se vira contra Sir Andrew, com veneno — se perca. Em vez disso, Munby oferece, contra o momento final, melancólico e trovadoresco de Feste, a imagem de um Sir Andrew resignado, com as malas feitas e a partir para casa, e outra de Sir Toby e a sua nova noiva, Maria, a deixarem a propriedade de Olivia rumo a seja lá o que for conjugal, felicidade ou o contrário.

Assim, no fim desta produção, temos dois homens aparentemente/possivelmente/provavelmente gays (um dos quais talvez seja instável) casados com duas mulheres, sendo que uma delas deseja a outra mulher casada; três homens despedaçados; um casal provavelmente infeliz; e um palhaço que poderia estar a canalizar o Rufus Wainwright no seu lado mais sombrio. Não é o final triunfante habitual de Noite de Reis.

Mas há também outra coisa que não costuma existir: um foco no lado trágico do amor. Orsino, Olivia e Malvolio são levados à exasperação — no mínimo — ou quase à loucura por acontecimentos inesperados que atingem o núcleo da sua natureza: Malvolio, por uma carta que ele julga ter sido escrita por Olivia; Olivia, pela fascinante mulher-disfarçada-de-jovem que lhe ensina algo sobre si mesma; Orsino, pela mesma fascinante mulher-disfarçada-de-jovem, pela mesma razão. Até Sebastian parece um pouco selvagem depois da sua união com Olivia, talvez um reflexo da sua autoconsciência: que Antonio, afinal, não era para ele. O amor — ou a possibilidade dele — muda cada um de forma fundamental.

Há aqui ainda outra ênfase: um trio diferente punido pelo amor. Antonio (por causa do amor e da confiança em Sebastian), Sir Andrew (por causa do seu amor — ainda que platónico — e da confiança em Sir Toby) e Malvolio (por causa do amor por Olivia e da crença de que ela o quer).

O título alternativo de Noite de Reis é O que quiserem e, mais do que tudo, parece ser daí que Munby tira inspiração. Com verdadeira determinação, encontrou uma nova forma de abordar o texto; enfatizou deliberadamente diferentes aspectos da história para mudar, de forma radical, a experiência. Esta não é uma noite alegre no teatro e, embora alguma interpretação e algum dizer de verso sejam lamentáveis, há muito em que pensar e sobre o que matutar. Os estreantes na plateia à minha volta pareciam certamente apreciar o espectáculo, os quadros de cena elaborados (há um motivo recorrente de pétalas de rosa vermelha a rebentarem de lugares improváveis) e a atmosfera mais escura e soturna. Talvez isso seja de esperar quando The Walking Dead e The Fall são séries de televisão de sucesso?

Milo Twomey está em grande forma como Sir Andrew, uma alma alta, desengonçada e desditosa, com roupas parvas, uma necessidade desesperada de ser popular e uma alegria quase infantil perante coisas malandras. Twomey estabelece a personagem com facilidade e segurança, e extrai de cada situação boas gargalhadas. Foi ele quem deu aqui o norte cómico.

Como Sebastian, Michael Benz alia um entendimento claro do verso a uma caracterização robusta e completa, oferecendo a viragem dramática da noite. Quente, sexy e desnorteado, este Sebastian tem uma natureza dupla que reflecte o seu estatuto de gémeo de Viola. A expressão de frenesi/entusiasmo selvagem, recém-descoberto, no rosto de Benz depois de se deitar com Olivia é reveladora e convincente, antecipando de forma completa e limpa o momento assombroso em que partirá o coração de Antonio. Uma nova leitura de Sebastian — mas pensada e bem-sucedida.

É um prazer ouvir o Malvolio melodioso de Hugh Ross; cada palavra é clara e cuidada, mas a personagem é demasiado simpática no início da peça, o que torna muito difícil compreender as acções mesquinhas dos outros contra ele. Malvolio precisa de parecer malicioso e vil — pelo menos do ponto de vista de Sir Toby, Maria e Fabian. Ross não consegue sequer uma indiferença altiva, e assim a alegria que poderia surgir da cena do buxo e da cena das ligas cruzadas nunca chega. E também não surge a sensação de injustiça quando ele é preso.

Jake Fairbrother compõe um Orsino atraente, com olhos selvagens e faculdades perdidas. Tem uma voz rica, luxuosa, que poderia ser muito melhor aproveitada, explorando com mais delicadeza e luminosidade os aspectos líricos do verso, mas oferece sem dúvida o Conde fora de controlo com que Munby conta. Ross Walton faz um Antonio excelente e apaixonado e, de forma invulgar, consegue torná-lo uma personagem completa e arredondada — e é quem é tratado pior nesta versão.

Há aspectos nas interpretações de David Fielder (Sir Toby) e Brian Protheroe (Feste) que são divertidos e inteligentes, mas nenhum dos dois funciona realmente como um todo. Feste é concebido aqui como uma criatura muito musical, mas Protheroe é mais actor do que cantor; se fosse o contrário, este Feste poderia ter sido algo extraordinário. Fielder come, arrasta ou mastiga a maior parte do texto, como um anão bêbado sobredimensionado de outro tempo e lugar, vestindo a incompreensibilidade como uma mortalha. Está no seu melhor com o Sir Andrew de Twomey e nas cenas com a Maria, irregularmente prazerosa, de Dona Croll.

Jonathan Christie brilha como Valentine e o Segundo Oficial — focado, grande uso da voz e entendimento do texto, uma interpretação nítida e segura. Christopher Chilton e Colm Gormley fazem um bom trabalho como o Capitão do Mar/Padre e Fabian, respectivamente.

Shakespeare escreveu tanto Olivia como Viola/Cesario como verdadeiros presentes de personagem e, nas mãos certas, podem ser os grandes destaques de Noite de Reis. Aqui, não. Rebecca Johnson parece achar que Olivia é Katherine de A Megera Domada, e Rose Reynolds prefere uma insistência estridente à nuance de uma mulher a interpretar um homem — e tudo o que isso traz. Mas devem ser estas as interpretações que Munby quer das suas protagonistas, por mais surpreendente que isso seja.

O cenógrafo Colin Richmond, com um cenário de propriedade desgastada, evoca O Pomar das Cerejeiras e ajuda a reforçar a noção geral de melancolia. Há alguns truques inteligentes — especialmente bom é o modo como um armário se transforma na solitária prisão de Malvolio. O uso do motivo das pétalas de rosa não é tão central ao desenho global que chegue a ser inspirado, mas acrescenta alguma cor (e uma ideia tradicional para representar o romance) à apresentação. As opções de figurino são excelentes. Chris Davey ilumina tudo com inteligência e competência, ainda que de forma algo previsível, e a música de Grant Olding ajuda a alcançar e sustentar o tom reflexivo, depressivo e pensativo, de olhar para trás, da peça.

Muita coisa do que acontece aqui irrita — um caso de irritação que nos é imposta — mas isso é apenas parte do quadro. Esta é uma abordagem intrigante e não totalmente bem-sucedida de Noite de Reis de Shakespeare. Trocar a alegria pela tristeza parece, à primeira vista, uma escolha surpreendente, mas há justificativa suficiente no texto para esta abordagem. Munby imprimiu, sem dúvida, uma visão encenatória firme sobre as personagens e as histórias de Shakespeare e, embora possa não provocar tantas gargalhadas como outras montagens desta peça, o seu trabalho provoca certamente respostas e pensamentos singulares.