مراجعة: ما وراء بوليوود، لندن بالاديوم ✭✭

ما وراء بوليوود

لندن بالاديوم

11 مايو 2015

نجمتان

لطالما كانت محاولات نقل أمجاد تقاليد المسرحيات الغنائية في بوليوود من الشاشة الهندية إلى خشبة المسرح البريطاني ذات تاريخ متقلب. ففي عام 2002، كان أندرو لويد ويبر لاعباً أساسياً في تقديم Bombay Dreams على مسرح أبولو فيكتوريا، وها هو Beyond Bollywood يستقر الآن في لندن بالاديوم حتى نهاية يونيو. للوهلة الأولى يبدو البالاديوم مكاناً طبيعياً لبهجة بوليوود وبذخها واستعراضها حين تكون في كامل زينتها. خارج المسرح في ليلة الافتتاح كان مصورو الباباراتزي في مواقعهم لالتقاط صور للنجوم الذين كنا على وشك رؤيتهم على الخشبة، وعندما ارتفعت الستارة عن الرقم الافتتاحي «Namaste India»، بدا وكأن هناك تطابقاً مثالياً بين الفخامة واللمعان في مسرح ماتشام الأخّاذ وبين خفة الراقصين وعنفوانهم وأزياءهم الزاهية والطبّالين على الخشبة. لكن بعد ذلك لم يكن المسار إلا هبوطاً، لا يقطعه إلا على فترات متباعدة تتابع جيد من الاستعراضات الراقصة في النصف الثاني من الأمسية. ومن نواحٍ كثيرة، تبدو المشكلات هنا مشابهة لتلك التي أشار إليها النقاد عام 2002. آنذاك وُجهت الانتقادات إلى Bombay Dreams لأنها بذلت جهداً كبيراً لتكييف الحكاية والصيغة مع الأعراف والافتراضات الغربية، ففقدت الصلة بنقاط القوة الجوهرية في تقاليد سينما بوليوود. ويمكن قول الشيء نفسه هنا.

خط الحكاية الأساسي بحد ذاته لا بأس به: فهو يتبع المسار الاعتيادي الطموح، من الفقر إلى الثراء، عبر تقلبات التحديات — العائلية والرومانسية والمالية — التي تنقل البطل والبطلة من الحلم إلى الإنجاز ثم إلى خيبة الأمل، قبل العودة إلى تتويج نهائي، وكل ذلك تتخلله استعراضات راقصة مبهرة. لا عيب في أي من هذا — فذلك يضاهي، بل يتجاوز أحياناً، ما يمكن لكثير من حبكات الأوبرا «الرفيعة» في التقاليد الكلاسيكية الغربية أن تتباهى به. ثم إن هذا النوع من البناء السردي يمنحنا ذريعة لعرض مواقع «غريبة» متنوّعة، وسلسلة من الفرص لاستعراضات مدهشة لثقافات رقص مختلفة وتقاليد كوريغرافية من أنحاء الهند كافة. وفي أفضل لحظاته في النصف الثاني، تنجح هذه الوصفة المجرّبة حقاً في تقديم ما تعد به، وكان من المتعة الخالصة مشاهدة رقصات من غوجارات والبنجاب لم تكن بحاجة إلى قصة أو تعليق يرافقها. وعلى فترات متقطعة طوال العرض، ظهرت أيضاً نماذج بديعة من رقص الكاثاك الكلاسيكي، ولا سيما لدى بوجا بانت التي أدت دور أم البطلة، بما يذكّر بأن «الأقل» يمكن أن يكون «أكثر» أحياناً في بوليوود.

لكن هذه نقاط القوة الأساسية تقوضت للأسف في مواضع كثيرة بسبب إصرارٍ على الشرح وتكييف المواد لتناسب جمهوراً غربياً — وهو ما أعتقد أنه كان سيُفتن أكثر بكثير بالأصل غير المُعدَّل. بعد الرقم الافتتاحي، قُدمت لنا استعراضات غير ضرورية على الإطلاق للتعريف بالآلات الأساسية في التقليد الموسيقي الهندي. وأظن أنه يمكن الافتراض بأن جمهور مسرحية غنائية من بوليوود يعرف سلفاً خصائص السيتار والطبلة وجودة أصواتهما. وبالمثل لم تكن هناك حاجة لإثقال كاهل البطلة «شيلي» بخلفية معقدة تدور في ميونيخ، لا تفعل سوى إطالة فصل أول طويل أصلاً. تسعى شيلي إلى إحياء المسرح العائلي الذي ورثته عن أمها بإعادته إلى النجاح عبر عروض قائمة على الرقص الشعبي الهندي. تنتقل إلى بومباي لتحسين مهاراتها الراقصة، وهناك تلتقي «راغاف» الذي اضطر إلى المساومة على التزامه بتقاليد الرقص الشعبي من خلال العمل في مشاريع تدمج الغرب بالشرق. وبفضل تشجيعها وقدوتها يستعيد صدق كوريغرافيته وأصالتها من جديد. ثم يقومان بجولة في أنحاء الهند، وكان يمكن للعرض أن ينتهي بحكمة عند هذا الحد، من دون العودة المحرجة إلى ميونيخ واستعادة المسرح — ذلك «المحرك» الدائم للحبكة. على امتداد الطريق هناك مقاطع طويلة من حوار متخشب يعرقل الحركة ولا يضيف شيئاً إلى مصداقية رسم الشخصيات. وعلى فترات، حين تحتاج الحبكة إلى دفعة قوية، تظهر أم شيلي المتوفاة لتشجعها على «اتباع قلبك، حيث تتحول الأحلام إلى واقع». كان سيكون أفضل بكثير لو اتبع العرض صيغة بوليوود التقليدية: إبقاء الحوار قصيراً، وباللغة الأصلية، ومشدوداً إلى الأعراف البلاغية لنقاط البوصلة الأخلاقية والخيالية التقليدية — الأسرة، والواجب، والتمرد، والتضحية بالنفس، والمصادفة الميلودرامية. هذا هو الأصيل، وكان الجمهور سيحترمه. أما الطريق الآخر فمآله إلى الابتذال….

وماذا عن الأداء؟ هنا أيضاً يمكننا التمييز بين فضائل الالتزام بالصيغة ومخاطر مجاراة تصور معين لما يُتوقع في لندن. في الرقص الهندي الأكثر كلاسيكية كان هناك انضباط فردي ممتاز، ودقة كبيرة في التمارين الجماعية. وفي العناصر الشعبية المختلفة، أظهر فريق يصل إلى 45 راقصاً تعاوناً رائعاً وخيالاً خصباً، وقدم لنا لمحة صادقة عن التقاليد والطقوس الدينية التي تشكل هذه الرقصات جزءاً منها في نهاية المطاف. إلا أن التمارين التي حاول فيها مصمم الرقص دمج هوليوود ببوليوود بدت تقنيتها غير مريحة، وكانت النتيجة غير مقنعة وبصراحة غير مفيدة ضمن إطار الأمسية. الأبطال الأربعة الرئيسيون، ولا سيما الثنائي الشاب في المقدمة، جميعهم مواهب راقصة كبيرة. من المؤسف ألا يكون هناك غناء أكثر ومزامنة شفاه أقل، لكن آنا إلمي وموهيت ماثور اغتنما الفرص المتاحة لهما بالتزام حقيقي، وما إن تحررا من قيود «النص» حتى وجدا حرية وألفة كانتا مؤثرتين، خصوصاً في النصف الثاني. قدم لنا المؤلفان سليم وسليمان ميرشانت موسيقى تضاهي ألوان الاستعراضات الراقصة وطاقةها، واستفادت كوريغرافيا راجيف غوسوامي بالكامل من الموارد الواسعة المتاحة له. كل هذه الإيجابيات على الصعيد الإبداعي لا تزيد إلا من حدة الأسف الذي شعر به هذا المراجع — ومن الواضح أن كثيراً من الجمهور شاركه الإحساس — لأننا لم نرَ المزيد من الأصل كما هو، بلا وسيط. عند نقل تقاليد فنية عظيمة عبر الثقافات، من الأفضل المخاطرة وتقديمها «كما هي» وبكامل قوتها، ودعوة الجمهور إلى الارتقاء إلى مستوى التحدي كاملاً، بدلاً من تخفيف الوصفة لتلتقي بالجمهور في منتصف الطريق. وإذا كنا نتبنى هذا الرأي مع شكسبير وغيره من المؤلفين الغربيين حين يُظن أن تلقيهم قد يكون صعباً، فعلينا أن نمنح بوليوود الثقة نفسها بالمقابل. آمل أن تُظهر المغامرة القادمة من هذا النوع شجاعةً أكبر للقيام بذلك.