RESEÑA: Beyond Bollywood, London Palladium ✭✭

Más allá de Bollywood

London Palladium

11 de mayo de 2015

2 estrellas

Los intentos de trasladar las glorias de la tradición del musical de Bollywood del celuloide indio al escenario británico han tenido una trayectoria algo irregular. En 2002, Andrew Lloyd Webber fue decisivo para llevar Bombay Dreams al Apollo Victoria, y ahora Beyond Bollywood se instala en el London Palladium hasta finales de junio. A primera vista, el Palladium parece un lugar natural para el desparpajo exuberante y la extravagancia de un Bollywood en todo su esplendor. Fuera del teatro, en la noche de estreno, los paparazzi estaban apostados para fotografiar a las estrellas que íbamos a ver sobre el escenario y, cuando se alzó el telón con el número inicial, ‘Namaste India’, pareció haber una combinación perfecta entre el terciopelo y el brillo del magnífico teatro de Matcham y el brío, la energía y el colorido vestuario de las bailarinas, los bailarines y los percusionistas en escena. Sin embargo, a partir de ahí la cosa fue cuesta abajo, solo detenida de vez en cuando por una buena sucesión de secuencias de baile en la segunda mitad. En muchos sentidos, los problemas son similares a los que los críticos señalaron en 2002. Entonces Bombay Dreams fue criticado por esforzarse demasiado en adaptar la historia y el formato a convenciones y supuestos occidentales, perdiendo así el contacto con las fortalezas esenciales de la tradición cinematográfica de Bollywood. Lo mismo puede decirse aquí.

La línea argumental básica, en sí, está bien: sigue el habitual vaivén aspiracional, de la pobreza a la riqueza, de retos —familiares, románticos, económicos— que llevan al héroe y a la heroína de los sueños al logro, del logro a la decepción y, por fin, a una apoteosis final, todo ello jalonado por diversas secuencias de baile espectaculares. No hay nada malo en eso; al fin y al cabo, es tanto o más de lo que muchos argumentos operísticos de alto copete en la tradición clásica occidental pueden presumir. Además, ese tipo de trama nos sirve de excusa para una variedad de localizaciones exóticas y una sucesión de oportunidades para deslumbrantes exhibiciones de distintas culturas de danza y tradiciones coreográficas de toda la India. En su mejor momento, en la segunda mitad, esta fórmula probada y comprobada funciona de verdad, y fue un auténtico festín ver danzas de Guyarat y Punyab que no necesitaban historia ni comentario alguno para acompañarlas. A intervalos, a lo largo del espectáculo, hubo también exquisitas muestras de danza clásica kathak, especialmente por parte de Pooja Pant, en el papel de la madre de la protagonista, lo que demuestra que en Bollywood menos también puede ser más.

Sin embargo, estas fortalezas esenciales quedaron tristemente socavadas en tantos momentos por la determinación de explicar y adaptar el material a un público occidental que, creo, se habría sentido mucho más fascinado por el original sin alterar. Tras el número de apertura, se nos ofreció una demostración completamente innecesaria sobre la identidad de los instrumentos clave de la tradición india. Creo que puede darse por hecho que el público de un musical de Bollywood ya conoce las características y la sonoridad del sitar y la tabla. Del mismo modo, no hacía falta cargar a la heroína, Shaily, con un trasfondo complicado ambientado en Múnich, que solo sirve para alargar una primera parte ya de por sí extensa. Shaily pretende revitalizar el teatro ancestral que le dejó su madre devolviéndolo al éxito con espectáculos basados en la danza folclórica india. Se traslada a Bombay para mejorar sus propias habilidades de baile y allí conoce a Raghav, que se ha visto obligado a comprometer su propia entrega a la tradición folclórica trabajando en proyectos que fusionaban Occidente y Oriente. Gracias a su impulso y su ejemplo, él recupera de nuevo la verdad y la autenticidad de su coreografía. Luego recorren la India, y el espectáculo habría sido más sensato si hubiese terminado ahí, sin un regreso torpe a Múnich y la restauración del teatro, el eterno macguffin de la trama. Por el camino hay largos tramos de diálogo tosco que frenan la acción y no aportan nada a la credibilidad de la caracterización. A ratos, cuando la trama necesita un empujón considerable, aparece la difunta madre de Shaily y la anima a «seguir tu corazón, donde los sueños se hacen realidad». Habría sido mucho mejor seguir la fórmula tradicional de Bollywood: mantener el diálogo breve, en el idioma original, y ajustado a las convenciones retóricas de esos puntos cardinales morales e imaginativos —familia, deber, rebeldía, sacrificio y coincidencia melodramática—. Eso sí es auténtico, y el público lo habría respetado. El otro camino conduce al patetismo…

¿Y qué hay de las interpretaciones? De nuevo, cabe distinguir entre las virtudes de ceñirse a la fórmula y los peligros de complacer una cierta idea de lo que se espera en Londres. En la danza india más clásica hubo una excelente disciplina en los solos y una gran precisión en las rutinas de conjunto. En los distintos elementos folclóricos, la compañía —de hasta 45 bailarines— mostró un gran trabajo en equipo e imaginación, y nos ofreció una visión genuina de las tradiciones y rituales religiosos de los que, en última instancia, las danzas forman parte. Sin embargo, en las rutinas en las que el coreógrafo intentó fusionar Hollywood con Bollywood, la técnica resultó forzada y el resultado, poco convincente y, francamente, poco útil dentro del marco de la velada. Los cuatro protagonistas principales, y en particular los dos jóvenes en cabeza, son todos grandes talentos de la danza. Es una pena que no hubiera más canto y menos play-back, pero tanto Ana Ilmi como Mohit Mathur aprovecharon las oportunidades que se les dieron con auténtica entrega y, una vez liberados del libreto, encontraron una libertad y una compenetración conmovedoras, especialmente en la segunda mitad. Los compositores Salim y Sulaiman Merchant nos ofrecieron una partitura a la altura del color y la energía de las rutinas de baile, y la coreografía de Rajeev Goswami sacó todo el partido posible de los amplios recursos a su disposición. Todos estos aspectos positivos en lo creativo no hacen sino intensificar la pena que este crítico —y, claramente, buena parte del público— sintió al pensar que no estábamos viendo más del original sin filtros. Al trasladar grandes tradiciones artísticas entre culturas, lo mejor es asumir el riesgo y presentarlas tal cual, sin rebajar intensidad, e invitar al público a estar a la altura del desafío, en lugar de diluir la fórmula para encontrarse con el público a medio camino. Si aplicamos esa visión a Shakespeare y a otros autores occidentales cuando se perciben dificultades de recepción, deberíamos devolverle la misma confianza a Bollywood. Ojalá la próxima iniciativa de este tipo tenga el valor de hacerlo.