CRITIQUE : Au-delà de Bollywood, London Palladium ✭✭

Au-Delà De Bollywood

London Palladium

11 mai 2015

2 Étoiles

Les tentatives pour transférer les gloires de la tradition musicale Bollywoodienne du celluloïde indien à la scène britannique ont connu une histoire quelque peu mouvementée. En 2002, Andrew Lloyd Webber a joué un rôle clé en mettant en scène Bombay Dreams à l'Apollo Victoria, et maintenant Beyond Bollywood s'installe au London Palladium jusqu'à fin juin. À première vue, le Palladium semble être un lieu naturel pour la flamboyance et l'extravagance de Bollywood dans toute sa splendeur. À l'extérieur du théâtre lors de la soirée de presse, les paparazzi étaient en place pour prendre en photo les stars que nous étions sur le point de voir sur scène, et lorsque le rideau s'est levé sur le numéro d'ouverture 'Namaste India', il semblait y avoir une correspondance parfaite entre le luxe et le clinquant du superbe théâtre de Matcham et le dynamisme et la verve des costumes colorés des danseurs et percussionnistes sur scène. Cependant, à partir de là, ce fut une descente uniquement interrompue par une succession réussie de séquences de danse dans la seconde moitié de la soirée. À bien des égards, les problèmes sont similaires à ceux que les critiques avaient identifiés en 2002. À l'époque, Bombay Dreams était critiqué pour avoir trop essayé d'adapter l'histoire et le format aux conventions et présupposés occidentaux, perdant ainsi le contact avec les forces essentielles de la tradition cinématographique Bollywoodienne. On peut en dire autant ici.

L'intrigue principale en tant que telle est correcte : elle suit le parcours habituel d'aspirations, de tournants entre humilité et réussite – parental, romantique, financier – qui conduit le héros et l'héroïne des rêves à l'accomplissement, à la déception, puis au final triomphal, le tout ponctué par diverses séquences de danse spectaculaires. Il n'y a rien de mal à cela – après tout, c'est autant voire plus que ce que peuvent se targuer de nombreuses intrigues d'opéras intellectuels de la tradition classique occidentale. De plus, ce type de scénario nous offre l'occasion d'explorer une variété de lieux exotiques et une succession d'opportunités pour des démonstrations éblouissantes de différentes cultures de danse et traditions chorégraphiques de toute l'Inde. Au meilleur de sa forme dans la seconde moitié, cette formule éprouvée donne vraiment des résultats, et c'était un réel festin de voir des performances de danse du Gujarat et du Pendjab qui n'avaient besoin d'aucune histoire ou commentaire pour les accompagner. À intervalles réguliers tout au long du spectacle, il y avait aussi de magnifiques exemples de danse classique Kathak, notamment par Pooja Pant, jouant la mère de l'héroïne, indiquant que dans Bollywood, moins peut parfois être plus.

Cependant, ces forces essentielles étaient malheureusement sapées à tellement de points par une détermination à expliquer et adapter les matériaux à un public occidental qui aurait, je pense, été bien plus captivé par l'original inchangé. Après le numéro d'ouverture, nous avons eu une démonstration totalement inutile de l'identité des instruments clés de la tradition indienne. Je pense que l'on peut supposer qu'un public pour une comédie musicale Bollywoodienne connaît déjà les atouts et les qualités sonores du sitar et du tabla. De même, il n'était pas nécessaire de charger l'héroïne, Shaily, d'une histoire compliquée basée à Munich qui ne fait que prolonger une première moitié déjà étendue. Shaily vise à raviver le théâtre ancestral légué par sa mère en le ramenant au succès par des spectacles basés sur la danse folklorique indienne. Elle se rend à Bombay pour améliorer ses compétences en danse et rencontre là-bas Raghav, qui a dû compromettre son engagement vis-à-vis de la tradition de la danse folklorique, en travaillant sur des projets fusionnant l'Occident et l'Est. À travers son encouragement et son exemple, il retrouve la vérité et l'authenticité de sa chorégraphie. Ils parcourent ensuite l'Inde, et le spectacle aurait judicieusement pu se terminer là, sans un retour maladroit à Munich et la restauration du théâtre, le MacGuffin perpétuel du scénario. En cours de route, il y a de longs passages de dialogues maladroits qui freinent l'action et ne font rien pour la crédibilité des personnages. À intervalles réguliers quand l'intrigue a besoin d'un coup de pouce, la mère décédée de Shaily apparaît et l'encourage à « suivre ton cœur, là où les rêves deviennent réalité ». Il aurait été tellement préférable de suivre la formule Bollywoodienne traditionnelle, en gardant les dialogues courts, dans la langue originale et liés aux conventions rhétoriques des points de repères moraux et imaginatifs traditionnels – famille, devoir, rébellion, sacrifice de soi, et coïncidence mélodramatique. Cela est authentique et le public l'aurait respecté. L'autre chemin mène au pathétique...

Et les performances ? Là encore, on peut faire une distinction entre les vertus de rester fidèle à la formule et les dangers de se plier à une certaine vue des attentes londoniennes. Dans les danses plus classiques indiennes, il y avait une excellente discipline en solo, et une grande précision dans les routines de combinaison. Dans les différents éléments folkloriques, la troupe de jusqu'à 45 danseurs montrait un excellent travail d'équipe et une grande imagination, et nous donnait un aperçu authentique des traditions religieuses et rituelles dont les danses font finalement partie. Cependant, dans les routines où le chorégraphe a essayé de fusionner Hollywood avec Bollywood, la technique était hésitante et le résultat à la fois peu convaincant et franchement inutile dans le cadre de la soirée. Les quatre principaux protagonistes, notamment les deux jeunes premiers, sont tous de grands talents de danse. C'est dommage qu'il n'y ait pas eu plus de chant et moins de playback, mais Ana Ilmi et Mohit Mathur ont saisi les opportunités qui leur étaient offertes avec un réel engagement et, une fois libérés des contraintes du livre, ont trouvé une liberté et un rapport qui étaient touchants, surtout dans la seconde moitié. Les compositeurs Salim et Sulaiman Merchant nous ont offert une partition à la hauteur de la couleur et de l'énergie des routines de danse et la chorégraphie de Rajeev Goswami a pleinement exploité les ressources abondantes à sa disposition. Tous ces points positifs du côté créatif ne font que renforcer le regret de cette critique et manifestement de nombreux membres du public qui ont ressenti que nous ne voyions pas suffisamment de l'original immédiat. Lors du transfert de grandes traditions artistiques à travers les cultures, il est préférable de prendre le risque et de les présenter brutes et pleines, et d'inviter le public à relever le défi dans toute son ampleur, plutôt que de diluer la formule pour rencontrer le public à mi-chemin. Si nous prenons cette approche avec Shakespeare, et d'autres auteurs occidentaux où il y a des difficultés perçues de réception, nous devrions en retour accorder la même confiance à Bollywood. J'espère que la prochaine entreprise de ce type révélera le courage de le faire.