REZENSION: Jenseits von Bollywood, London Palladium ✭✭

Beyond Bollywood

London Palladium

11. Mai 2015

2 Sterne

Versuche, den Glanz der Bollywood-Musicaltradition von der indischen Leinwand auf die britische Bühne zu übertragen, blicken auf eine eher wechselhafte Geschichte zurück. Schon 2002 war Andrew Lloyd Webber maßgeblich daran beteiligt, Bombay Dreams im Apollo Victoria herauszubringen – und nun bezieht Beyond Bollywood bis Ende Juni Quartier im London Palladium. Auf den ersten Blick wirkt das Palladium wie ein naheliegender Ort für das überschäumende, opulente Auftreten von Bollywood in voller Pracht. Draußen vor dem Theater standen am Premierenabend die Paparazzi bereit, um die Stars abzulichten, die wir gleich auf der Bühne sehen würden, und als sich der Vorhang zur Eröffnungsnummer „Namaste India“ hob, schien zwischen dem Plüsch und Bling von Matchams prächtigem Haus und dem Schwung, der Verve und den farbenfrohen Kostümen der Tänzerinnen, Tänzer und Trommler auf der Bühne alles perfekt zusammenzupassen. Doch von da an ging es bergab, nur gelegentlich aufgehalten durch eine starke Reihe von Tanzsequenzen in der zweiten Hälfte des Abends. In vielerlei Hinsicht ähneln die Probleme denen, die Kritiker schon 2002 ausgemacht hatten. Damals wurde Bombay Dreams dafür kritisiert, sich zu sehr zu bemühen, Handlung und Form an westliche Konventionen und Erwartungen anzupassen – und dabei den Kontakt zu den Kernstärken der Bollywood-Filmtradition zu verlieren. Gleiches gilt auch hier.

Die grundlegende Handlung an sich ist in Ordnung: Sie folgt der üblichen aufstiegsorientierten Achterbahnfahrt vom Tellerwäscher zum Millionär – mit Herausforderungen familiärer, romantischer und finanzieller Art –, die Held und Heldin von Träumen zu Erfolg, zu Enttäuschung und schließlich zur finalen Apotheose führt, stets unterbrochen von diversen spektakulären Tanznummern. Daran ist nichts auszusetzen – schließlich ist das so viel oder mehr, als viele hochkulturelle Opernhandlungen der westlichen Klassiktradition vorweisen können. Außerdem liefert diese Art von Dramaturgie den Vorwand für eine Reihe exotischer Schauplätze und eine Abfolge von Gelegenheiten für schillernde Einblicke in unterschiedliche Tanzkulturen und choreografische Traditionen aus ganz Indien. In Bestform, in der zweiten Hälfte, funktioniert diese bewährte Formel wirklich – und es war ein echtes Fest, Tänze aus Gujarat und Punjab zu sehen, die keinerlei Handlung oder Kommentar brauchten. In Abständen gab es zudem exquisite Beispiele des klassischen Kathak-Tanzes, vor allem von Pooja Pant in der Rolle der Mutter der Heldin – ein Hinweis darauf, dass bei Bollywood manchmal auch weniger mehr sein kann.

Doch diese Kernstärken wurden an vielen Stellen leider dadurch untergraben, dass man das Material für ein westliches Publikum erklären und anpassen wollte – ein Publikum, das meiner Ansicht nach vom unveränderten Original deutlich mehr gefesselt gewesen wäre. Nach der Eröffnungsnummer folgte eine völlig unnötige Demonstration der wichtigsten Instrumente der indischen Tradition. Man darf wohl voraussetzen, dass ein Publikum für ein Bollywood-Musical die Eigenschaften und Klangfarben von Sitar und Tabla bereits kennt. Ebenso wenig musste man die Heldin Shaily mit einer komplizierten Vorgeschichte in München belasten, die letztlich nur dazu dient, eine ohnehin überlange erste Hälfte weiter zu strecken. Shaily möchte das traditionsreiche Theater, das ihr ihre Mutter hinterlassen hat, wiederbeleben, indem sie es mit Shows auf Basis indischer Volkstänze zurück zum Erfolg führt. Um ihre eigenen Tanzfähigkeiten zu verbessern, zieht sie nach Bombay und trifft dort Raghav, der seinen Einsatz für die Volkstanztradition dadurch verwässert hat, dass er an Projekten arbeitete, die West und Ost verschmolzen. Durch ihre Ermutigung und ihr Vorbild findet er wieder zu Wahrheit und Authentizität seiner Choreografie zurück. Dann touren sie durch Indien – und die Show hätte klugerweise dort enden können, ohne eine holprige Rückkehr nach München und die Wiederherstellung des Theaters, dieses ewigen MacGuffins der Handlung. Unterwegs gibt es lange Strecken hölzernen Dialogs, die die Handlung aufhalten und der Glaubwürdigkeit der Figuren wenig helfen. In Momenten, in denen die Handlung einen kräftigen Schubs braucht, erscheint Shailys verstorbene Mutter und ermuntert sie: „Folge deinem Herzen, wo Träume Wirklichkeit werden.“ So viel besser wäre es gewesen, der traditionellen Bollywood-Formel zu folgen: die Dialoge kurz zu halten, in der Originalsprache zu belassen und sich an die rhetorischen Fixpunkte des moralischen und imaginativen Kompasses zu binden – Familie, Pflicht, Rebellion, Selbstaufopferung und melodramatischer Zufall. Das ist authentisch, und das Publikum hätte es respektiert. Der andere Weg führt ins Pathetische …

Und die Darbietungen? Auch hier lässt sich unterscheiden zwischen den Vorzügen, bei der Formel zu bleiben, und den Gefahren, einer bestimmten Vorstellung davon nachzugeben, was man in London erwartet. Im klassisch-indischen Tanz gab es hervorragende solistische Disziplin und große Präzision in den Gruppenroutinen. In den verschiedenen Folkelementen zeigte die Kompanie mit bis zu 45 Tänzerinnen und Tänzern viel Teamgeist und Einfallsreichtum und gab uns einen echten Einblick in die religiösen Traditionen und Rituale, zu denen diese Tänze letztlich gehören. In den Nummern jedoch, in denen der Choreograf versuchte, Hollywood mit Bollywood zu verschmelzen, wirkte die Technik unsicher; das Ergebnis war sowohl wenig überzeugend als auch, offen gesagt, im Rahmen des Abends nicht hilfreich. Die vier Hauptprotagonisten, besonders die beiden jungen Hauptrollen, sind durchweg große Tanztalente. Schade, dass es nicht mehr Gesang und weniger Lip-Sync gab, doch sowohl Ana Ilmi als auch Mohit Mathur nutzten ihre Möglichkeiten mit spürbarem Engagement – und sobald sie vom Textbuch befreit waren, fanden sie eine Freiheit und eine Chemie, die berührte, besonders in der zweiten Hälfte. Die Komponisten Salim und Sulaiman Merchant lieferten eine Partitur, die der Farbe und Energie der Tanzroutinen gewachsen war, und Rajeev Goswamis Choreografie schöpfte die reichlichen Mittel, die ihm zur Verfügung standen, voll aus. All diese kreativen Pluspunkte schärfen nur das Bedauern, das dieser Rezensent – und offenbar viele im Publikum – empfand: dass wir nicht mehr vom unvermittelten Original zu sehen bekamen. Wenn man große künstlerische Traditionen über Kulturen hinweg überträgt, ist es am besten, das Risiko einzugehen, sie roh und mit voller Wucht zu präsentieren und das Publikum einzuladen, der Herausforderung in ihrer ganzen Größe gerecht zu werden, statt die Formel zu verwässern, um dem Publikum auf halbem Weg entgegenzukommen. Wenn wir diese Haltung bei Shakespeare und anderen westlichen Autoren einnehmen, bei denen es vermeintliche Rezeptionsschwierigkeiten gibt, sollten wir Bollywood im Gegenzug dasselbe Vertrauen schenken. Ich hoffe, dass das nächste Unternehmen dieser Art den Mut haben wird, genau das zu tun.