리뷰: 비욘드 볼리우드, 런던 팔라디움 ✭✭

비욘드 볼리우드

런던 팔라디움

2015년 5월 11일

별 2개

인도 영화 속 볼리우드 뮤지컬 전통의 영광을 영국 무대로 옮기려는 시도는, 솔직히 말해 성패가 엇갈리는 역사를 거쳐 왔다. 2002년에는 앤드루 로이드 웨버가 아폴로 빅토리아에서 봄베이 드림스를 올리는 데 큰 역할을 했고, 이제 비욘드 볼리우드가 6월 말까지 런던 팔라디움에 자리한다. 겉보기에는 팔라디움이야말로 화려함과 과장미, 그리고 당당한 기세로 한껏 차려 입은 볼리우드를 담아내기에 더없이 자연스러운 극장처럼 보인다. 프레스 나이트에는 극장 밖에 파파라치가 자리를 잡고 무대에서 곧 보게 될 ‘스타’를 찍을 준비를 하고 있었고, 오프닝 넘버 ‘나마스테 인디아’에서 막이 오르자 매첨의 아름다운 극장이 지닌 벨벳 같은 호화로움과 번쩍임이 무대 위 댄서와 드러머들의 경쾌함, 활기, 알록달록한 의상과 멋지게 맞물리는 듯했다. 하지만 그 뒤로는 후반부에 이어지는 훌륭한 춤 시퀀스들이 간간이 흐름을 붙잡아 주는 것을 제외하면, 전반적으로는 내리막 곡선이었다. 여러 면에서 문제점은 2002년 당시 평단이 지적했던 것과 닮아 있다. 그때 봄베이 드림스는 서구적 관습과 전제를 지나치게 의식해 이야기와 형식을 ‘서구식’으로 맞추려다, 볼리우드 영화 전통의 핵심 강점을 놓쳤다는 비판을 받았다. 이번에도 같은 말을 할 수 있다.

기본 줄거리 자체는 나쁘지 않다. 흔히 보아 온 ‘성공을 향한’ 성장 서사, 가난에서 부로 치닫는 롤러코스터 같은 시련들—부모, 로맨스, 경제적 난관—을 따라 남녀 주인공이 꿈에서 성취로, 다시 좌절로, 그리고 마침내 최종적인 환희의 순간으로 돌아가는 과정을 그린다. 그리고 그 사이사이를 각종 스펙터클한 춤 시퀀스들이 찍어 누른다. 그 자체로 흠잡을 것은 없다. 서구 고전 전통의 ‘고상한’ 오페라 줄거리들 중에도 이것보다 내세울 만한 것이 적은 경우가 많으니 말이다. 게다가 이런 구성 덕분에 이국적인 장소들을 다양하게 보여 줄 수 있고, 인도 전역의 서로 다른 춤 문화와 안무 전통을 눈부시게 펼쳐 보일 기회가 연달아 주어진다. 후반부에서 가장 빛날 때, 이 검증된 공식은 확실히 제 몫을 해냈고, 이야기나 해설이 전혀 필요 없을 만큼 구자라트와 펀자브의 춤을 보는 것은 진정한 잔치였다. 또한 공연 내내 간간이 등장하는 카탁(Kathak) 고전무용의 섬세한 순간들—특히 여주인공의 어머니 역을 맡은 푸자 판트의 무대—은 볼리우드에서는 ‘덜어냄’이 때로 ‘더함’이 될 수 있음을 보여 주었다.

그럼에도 이러한 핵심 강점들은, 서구 관객에게 설명하고 각색하려는 집요한 의지 때문에 여러 지점에서 아쉽게도 약화됐다. 오프닝 이후에는 인도 전통의 주요 악기들을 하나하나 ‘소개’하는, 전혀 불필요한 시연이 이어진다. 볼리우드 뮤지컬을 보러 온 관객이라면 시타르와 타블라의 특징과 음색은 굳이 설명하지 않아도 이미 알고 있다고 봐도 좋지 않을까. 마찬가지로 여주인공 샤일리에게 뮌헨을 배경으로 한 복잡한 과거사를 덧씌울 필요도 없었다. 이는 이미 길게 늘어진 1막을 그저 더 지연시킬 뿐이다. 샤일리는 어머니가 남긴 ‘가문의 극장’을 인도 민속무용을 기반으로 한 공연들로 다시 흥행시키며 되살리고자 한다. 그녀는 자신의 춤 실력을 끌어올리기 위해 봄베이로 옮겨가고, 그곳에서 서양과 동양을 뒤섞은 프로젝트를 하며 민속무용 전통에 대한 자신의 신념을 타협해 온 라가브를 만난다. 샤일리의 격려와 모범을 통해 라가브는 자신의 안무에 다시금 진실성과 진정성을 회복한다. 이후 두 사람은 인도를 투어하며, 공연은 사실 그 지점에서 끝나는 편이 현명했을 것이다. 그런데도 뮌헨으로 어색하게 되돌아가 극장을 ‘복원’하는 결말로 이어지는데, 이 극장은 줄거리 내내 반복되는 맥거핀일 뿐이다. 그 과정에서 액션을 붙잡아 세우는 투박한 대사들이 길게 이어지고, 캐릭터 묘사의 설득력에도 아무 도움이 되지 않는다. 줄거리에 강한 밀어붙임이 필요할 때마다, 세상을 떠난 샤일리의 어머니가 등장해 ‘마음을 따라가라, 꿈이 현실이 되는 곳으로’ 같은 말을 건넨다. 오히려 전통적인 볼리우드 공식에 충실했더라면 훨씬 나았을 것이다. 대사는 짧게, 원어로, 그리고 가족, 의무, 반항, 자기희생, 멜로드라마적 우연 같은 도덕적·상상적 나침반의 수사적 관습에 단단히 묶어 두는 방식 말이다. 그것이야말로 ‘진짜’이고, 관객도 충분히 존중했을 것이다. 다른 길로 가면—허탈함만 남는다….

공연 자체는 어떠했을까? 여기서도 ‘공식에 충실했을 때의 미덕’과 ‘런던 관객의 기대’라는 특정한 시선을 지나치게 의식했을 때의 위험을 구분해 볼 수 있다. 보다 고전적인 인도 무용 파트에서는 솔로의 기량이 뛰어나고, 군무 역시 정교함이 돋보였다. 다양한 민속 요소에서는 최대 45명에 이르는 무용수들이 훌륭한 팀워크와 상상력을 보여 주며, 춤이 궁극적으로 뿌리내린 종교적 전통과 의례에 대한 진정한 통찰을 선사했다. 반면 안무가가 할리우드와 볼리우드를 억지로 융합하려 한 루틴에서는 테크닉이 어색했고, 결과물은 설득력도 떨어질 뿐 아니라 이날 공연의 틀 안에서 솔직히 도움이 되지 않았다. 네 명의 주요 주역들, 특히 두 젊은 주인공은 모두 대단한 춤 재능을 지녔다. 노래가 더 많고 립싱크가 덜했더라면 하는 아쉬움은 있지만, 아나 일미와 모힛 마투르는 자신들에게 주어진 기회를 진심 어린 집중력으로 붙잡았고, 대본의 굴레에서 벗어나자(특히 후반부에서) 자유로움과 호흡이 살아나며 감흥을 자아냈다. 작곡가 살림과 술라이만 머천트는 춤 루틴의 색채와 에너지에 걸맞은 스코어를 들려줬고, 라지브 고스와미의 안무는 주어진 풍부한 자원을 최대한 활용했다. 창작진 측면에서의 이런 장점들은, 이 리뷰어는 물론이고 많은 관객이 ‘가공되지 않은 원형’을 더 많이 보지 못했다는 아쉬움을 느꼈다는 사실을 오히려 더 선명하게 만든다. 위대한 예술 전통을 문화권을 넘어 옮길 때에는, 위험을 감수하고 날것 그대로, 전면적으로 제시하며 관객이 그 도전에 끝까지 올라서도록 초대하는 편이 낫다. 관객에게 ‘반쯤 맞춰 주기’ 위해 공식을 희석하는 것보다는 말이다. 우리가 셰익스피어를 포함한 서구의 작가들을 대할 때—수용에 어려움이 있다고 여겨지는 경우에도—이 같은 관점을 취한다면, 볼리우드에도 그만한 신뢰를 되돌려 주어야 한다. 다음번 이런 기획에서는 그럴 용기가 드러나길 바란다.