RECENSIONE: Beyond Bollywood, London Palladium ✭✭

Beyond Bollywood

London Palladium

11 maggio 2015

2 stelle

I tentativi di trasferire le glorie della tradizione del musical di Bollywood dalla celluloide indiana al palcoscenico britannico hanno avuto una storia piuttosto altalenante. Già nel 2002 Andrew Lloyd Webber ebbe un ruolo decisivo nel portare in scena Bombay Dreams all’Apollo Victoria, e ora Beyond Bollywood si stabilisce al London Palladium fino alla fine di giugno. A prima vista, il Palladium sembra un luogo naturale per l’esuberante, straripante sfrontatezza di Bollywood in tutto il suo splendore. Fuori dal teatro, alla prima, i paparazzi erano schierati per immortalare le star che stavamo per vedere sul palco e, quando il sipario si è alzato sul numero d’apertura “Namaste India”, è sembrato esserci un abbinamento perfetto tra il velluto e lo sfarzo luccicante dello splendido teatro di Matcham e la grinta, l’energia e i costumi sgargianti di danzatori e percussionisti in scena. Tuttavia, da lì in poi la serata è scivolata in una china discendente, solo a tratti interrotta da una bella successione di sequenze di danza nella seconda metà. Per molti aspetti i problemi sono simili a quelli individuati dai critici già nel 2002. All’epoca Bombay Dreams fu accusato di impegnarsi troppo ad adattare storia e formato alle convenzioni e alle aspettative occidentali, perdendo così contatto con i punti di forza centrali della tradizione cinematografica di Bollywood. Lo stesso si può dire qui.

La trama di base, in sé, funziona: segue il consueto percorso aspirazionale, dalle stalle alle stelle, a montagne russe tra sfide – familiari, romantiche, economiche – che portano lui e lei dal sogno al successo, poi alla delusione e infine alla catarsi conclusiva, il tutto punteggiato da vari numeri di danza spettacolari. Non c’è nulla di sbagliato in questo – dopotutto è tanto, se non più, di quanto possano vantare molte trame d’opera “alta” nella tradizione classica occidentale. Inoltre, un impianto del genere ci offre il pretesto per una serie di ambientazioni esotiche e una successione di occasioni per abbaglianti dimostrazioni di diverse culture coreutiche e tradizioni coreografiche provenienti da tutta l’India. Al suo meglio, nella seconda metà, questa formula collaudata funziona davvero, ed è stato un vero banchetto vedere danze del Gujarat e del Punjab che non avevano bisogno di storia o commento per reggersi da sole. A intervalli, durante lo spettacolo, ci sono stati anche esempi squisiti di danza classica Kathak, in particolare con Pooja Pant nel ruolo della madre dell’eroina, a ricordare che, in Bollywood, a volte anche “meno” può essere “di più”.

Tuttavia, questi punti di forza sono stati purtroppo indeboliti in molti passaggi da una volontà di spiegare e adattare i materiali a un pubblico occidentale che, credo, sarebbe stato molto più rapito dall’originale non modificato. Dopo il numero d’apertura, ci è stata propinata una dimostrazione del tutto superflua sull’identità degli strumenti chiave della tradizione indiana. Direi che si può dare per scontato che il pubblico di un musical di Bollywood conosca già caratteristiche e timbri di sitar e tabla. Allo stesso modo non c’era bisogno di caricare l’eroina, Shaily, di un complicato retroscena ambientato a Monaco, che serve soltanto ad allungare un primo tempo già fin troppo esteso. Shaily mira a far rivivere il teatro di famiglia lasciatole dalla madre, riportandolo al successo con spettacoli basati sulla danza popolare indiana. Si trasferisce a Bombay per migliorare le proprie capacità e lì incontra Raghav, costretto a scendere a compromessi con il suo attaccamento alla tradizione della danza popolare lavorando a progetti che fondevano Occidente e Oriente. Grazie al suo incoraggiamento e al suo esempio, lui ritrova la verità e l’autenticità della propria coreografia. A quel punto i due girano l’India, e lo spettacolo avrebbe fatto bene a chiudersi lì, senza l’ingombrante ritorno a Monaco e il ripristino del teatro, l’ennesimo MacGuffin della trama. Nel percorso ci sono lunghi tratti di dialoghi legnosi che rallentano l’azione e non aiutano la credibilità delle caratterizzazioni. A intervalli, quando la storia ha bisogno di una bella spinta, appare la madre defunta di Shaily e la esorta a “seguire il tuo cuore, dove i sogni diventano realtà”. Sarebbe stato molto meglio seguire la formula tradizionale di Bollywood: dialoghi brevi, in lingua originale, e legati alle convenzioni retoriche dei classici punti della bussola morale e immaginativa – famiglia, dovere, ribellione, sacrificio, e coincidenze melodrammatiche. Quello sì che è autentico, e il pubblico lo avrebbe rispettato. Altrimenti, il rischio di scivolare nel patetico è dietro l’angolo…

E le interpretazioni? Anche qui si può distinguere tra i pregi del restare fedeli alla formula e i pericoli di assecondare una certa idea delle aspettative londinesi. Nelle sezioni di danza indiana più classica c’erano un’ottima disciplina nei soli e grande precisione nei pezzi d’insieme. Negli elementi folk, la compagnia – fino a 45 danzatori – ha mostrato grande lavoro di squadra e immaginazione, offrendoci uno sguardo autentico sulle tradizioni e sui rituali religiosi di cui, in ultima analisi, queste danze sono parte. Tuttavia, nei numeri in cui il coreografo ha cercato di fondere Hollywood con Bollywood, la tecnica risultava incerta e l’esito poco convincente e, francamente, poco utile nel quadro complessivo della serata. I quattro protagonisti principali, e in particolare i due giovani interpreti, sono tutti talenti di prim’ordine nella danza. È un peccato che ci fosse più canto e meno playback, ma sia Ana Ilmi sia Mohit Mathur hanno colto le occasioni con vero impegno e, una volta liberati dal “copione”, hanno trovato una libertà e un’intesa che toccavano, soprattutto nella seconda metà. I compositori Salim e Sulaiman Merchant ci hanno offerto una partitura all’altezza del colore e dell’energia dei numeri di danza, e la coreografia di Rajeev Goswami ha sfruttato appieno le ampie risorse a sua disposizione. Tutti questi aspetti positivi sul piano creativo rendono ancora più acuto il rammarico che questo recensore – e chiaramente molti in sala – ha provato nel sentire che non stavamo vedendo abbastanza dell’originale, senza filtri. Quando si trasferiscono grandi tradizioni artistiche da una cultura all’altra, è meglio correre il rischio e presentarle crude e a pieno volume, invitando il pubblico a raccogliere la sfida fino in fondo, piuttosto che annacquare la formula per venirgli incontro a metà strada. Se adottiamo questo principio con Shakespeare e con altri autori occidentali che possono presentare difficoltà di ricezione, dovremmo ricambiare la stessa fiducia anche a Bollywood. Mi auguro che il prossimo progetto di questo tipo abbia il coraggio di farlo.