ANMELDELSE: Casa Valentina, Samuel J Friedman Theatre ✭✭✭✭

Casa Valentina – Nick Westrate (fra venstre), John Cullum, Gabriel Ebert og Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13. april 2014

4 stjerner

Vi er i 1962, og mindet om McCarthys heksejagt sidder stadig i kroppen. I et lille gæstehus i Catskill-bjergene samles en gruppe mænd til en weekend med elegant samvær. Hver især er de gift, men de deler alle en passion for at klæde sig i kvindetøj, komplet med makeup, paryk og høje hæle. De er lykkelige, elegante, selvskabte "kvinder". Flere har kendt hinanden i årevis og er tætte venner. Hustruen til manden, der ejer gæstehuset, er der også; hun hygger om dem alle og opmuntrer dem i deres personlige frirum.

Ind i denne gruppe træder to fremmede. Den ene er en nybegynder, der tager sine første tøvende skridt i transvestismens verden. Den anden er en gammel kending, en professionel transvestit med en politisk dagsorden om at øge synligheden og samfundets accept af mænd som ham selv.

Det er udgangspunktet for Casa Valentina, et nyt stykke af Harvey Fierstein, som nu har premiere på Samuel J Friedman Theatre på Broadway i en opsætning instrueret af Joe Mantello. Tilsammen har Mantello og Fierstein været involveret i eller ansvarlige for stort set alle vigtige homoseksuelle teaterstykker i amerikansk teater de sidste halvtreds år.

Casa Valentina er dog ikke sådan et stykke.

Langt fra.

Det er et stykke om en helt anden verden, og en verden, der mærkeligt nok virker i modstrid med det mantra om accept, der gennemsyrer – eller synes at gennemsyre – den homoseksuelle kultur. Men det er vigtigt at huske, at stykket foregår i 1962, og at karaktererne udtrykker holdninger, der for de flestes vedkommende ligger før de løssluppende 60'ere, Stonewall, AIDS-krisen og kampen for homovielser.

Det er et sjældent teaterdyr: et varmt og morsomt, til tider hylende morsomt, stykke fuld af interessante karakterer, som pludselig vender på en tallerken og kaster sig ud i et mørkt, skræmmende sted præget af angst, desperation og forræderi.

Mantello instruerer med stor kærlighed og omhu. Scott Pasks smukke scenografi indeholder adskillige toiletborde og spejle, og ved disse forvandler mændene sig – i forskellige stadier af afklædthed – til deres kvindelige alter egoer, mens forestillingen begynder. Det er en bevidst smuk åbning, der indhyller forløbet i en følelse af gammeldags fornemhed, som føles tryg både på grund af de minder, den vækker (alle havde en mor med sådan et toiletbord), og den distance, den skaber mellem nutiden og stykket.

Stykket er for størstedelen af tiden smukt skrevet, selvom det føles en smule langt. Der er masser af fremragende oneliners, men også en grundlæggende hjertelighed i teksten, som er afgørende for stykkets succes.

I første akt går de erfarne "piger" sammen om at give nybegynderen, Miranda, en feminin makeover, og den scene er et af de mest livsbekræftende og hjertevarme øjeblikke på en Broadway-scene netop nu. Den funkler af generøsitet og en fælles drøm om kvindelighed.

Men det er ikke kun i glæden, at Fiersteins dramatik brillerer. Han forstår også smerten, og den står klart frem. Han mestrer svære diskussioner med klarhed og knivskarpe detaljer. Derfor har manuskriptets overraskelser en reel slagkraft og tyngde.

Det overvejende præcise cast hjælper betydeligt.

John Cullum, en Broadway-veteran (der oprindeligt medvirkede i den første opsætning af Camelot), er helt vidunderlig som den ældre matrone Terry. Han rammer hver eneste komiske pointe, men stråler også, når det dramatiske lys rettes mod ham. Hans tale om, hvorfor han aldrig ville svigte det homoseksuelle miljø, der gav ham venskab og trøst i tider med dyb ensomhed, er en mesterklasse i underspillet, stærk dramatik.

Den alsidige Nick Westrate er storslået som den vilde rødhætte Gloria, komplet med strutskørt, smal talje og høje hæle. Westrate gør Gloria stålsat og urokkelig – en sand naturkraft. Hendes sammenstød med værten er et af aftenens højdepunkter, og jeg vil længe huske det kuldegys, jeg fik, da han talte om at "plyndre kroppene" på de piger, han mødte på universitetet. Det er en autentisk, energisk og helstøbt præstation. Formidabel på alle måder.

Tom McGowan er som den venlige, buttede Bessie – hende med hjertet af guld og en forkærlighed for at citere Oscar Wilde, som i sit civile liv er karrieresoldat – et festfyrværkeri af chiffon, læbestift og utilsløret munterhed. Han kan dog skifte retning på et øjeblik, hvilket han gør med både komisk og dramatisk effekt. Endnu en lækker præstation, der aldrig kammer over i parodi.

Den sværeste rolle – den respekterede dommer om dagen og Amy i weekenden, manden med en kone og datter, der foragter hans feminine side, og som kan knækkes på grund af et øjebliks svaghed – spilles af Larry Pine, som er helt fantastisk som Dommeren/Amy. Hans skarpe juridiske hjerne træder tydeligt frem, når den krøllede brune paryk er lagt væk, men når den er på, overtager Amy scenen og giver ikke slip. Han leverer et lysende studie i indespærret følsomhed, indkapslet begær og naiv tillid til andre.

Men aftenens bravurpræstation leveres af Reed Birney, der spiller Charlotte, karrierepolitikeren i kjole; hende der bærer orange spadseredragt, kæderyger og drikker gin martinis – hende der kunne have været din klaverlærer, historielærer eller lægesekretær. Som den personificerede kvindelige effektivitet er Charlotte præcis så modbydelig, dobbeltspillet og selvretfærdig, som det kan lade sig gøre, og Birney udfolder det hele ubesværet. Han er især skræmmende og ekstraordinær i en lang, perfekt doseret tale, hvor han lægger en af de andre pigers liv i ruiner. Det er en subtil, usubtil præstation – hvilket lyder som en modstrid, men det er netop nøglen til det forbløffende arbejde, han udfører. Skuespil i absolut topklasse.

Birneys karakter er den, der trækker stykkets centrale tematikker frem: forskellen på homoseksualitet og det at klæde sig ud; offentlighedens manglende evne til at se nuancer i kønsidentitet og skelne mellem mand, kvinde og mænd, der ønsker at klæde sig som kvinder. Han har en fantastisk tale, hvor hans karakter mener, at homoseksuelle om 40 år (altså nu) stadig vil gemme sig i skyggerne, mens mænd i kvindetøj vil være lige så accepterede og allestedsnærværende som rygning. Det er tankevækkende at forestille sig, hvordan verden kunne have set ud, hvis hans karakter havde fået ret.

Som nybegynderen Miranda er Gabriel Ebert også fremragende. Hans følelse af tøven og ren frygt er til at tage og føle på, men forvandles til ægte begejstring og grænseløs lykke efter hans makeover. Overgangen er virkelig rørende at opleve, og det, der sker i anden akt, bliver kun stærkere af den glæde, han bringer til første akt. Hans afsluttende, utroligt triste og bevægende scene er brutal, hjerteskærende og helt rigtig.

Men alt er ikke fryd og gammen. Ejerne af gæstehuset, ægteparret Rita og George, spillet af Mare Winningham og Patrick Page, fungerer hverken individuelt eller som par. Winningham er alt for overfladisk og upræcis til at være overbevisende som Rita – en kvinde, der tydeligvis har truffet bevidste valg og fulgt en klar vej. Hun er ingen svækling.

Page virker ikke ægte, især ikke i kontrast til de andre "søstre". Han virker ikke fortrolig med sit feminine id, hvilket er et stort problem, da stykkets klimaks afhænger af hans behov for at holde fast i sin feminine persona.

Stykket ville have haft langt mere dramatisk slagkraft, hvis disse to roller var besat af skuespillere med større vilje til at tabe sig selv i karaktererne – nøjagtig som resten af castet gør.

Det var sigende, at Page altid så utilpas og mandig ud som Valentina, Georges alter ego. Han skal være lige så kompromisløst tøset som de andre, og det samme gælder Winninghams Rita. Hun spiller en af de eneste to kvinder, og hendes karakter er levende, reflekteret og følsom – en total kontrast til den anden (Lisa Emery som dommerens kolde, eksplosive og indvendigt døde datter). Winningham vælger dog en intetsigende og afmålt tomhed, selvom hun spiller den karakter, der har truffet sine valg og stået ved dem hele livet, ikke kun i weekenden.

Rita Ryack har skabt fantastiske kostumer, og Jason P Hayes’ hår-, paryk- og makeupdesign er forrygende. Tidsperioden står knivskarp, farverne er levende, og følelsen af inkluderende kvindelighed er herlig. Justin Townsend lyssætter det hele fint og smukt – han fremkalder melankolsk eftertænksomhed eller klog glæde med et enkelt tryk på kontakten. Det er et omhyggeligt og indsigtsfuldt lysdesign, der i den grad styrker produktionen.

Dette er måske det bedste stykke, Fierstein nogensinde har skrevet.

Det er i hvert fald tankevækkende og kaster lys over en subkultur, der sjældent får opmærksomhed. Det er klogt, begavet, vittigt og gribende. Det kræver et gennemført eksemplarisk cast, og på netop det punkt lever Mantellos forestilling desværre ikke helt op til teksten.