RECENSION: Casa Valentina, Samuel J Friedman Theatre ✭✭✭✭

Casa Valentina – Nick Westrate (från vänster), John Cullum, Gabriel Ebert och Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13 april 2014

4 stjärnor

Året är 1962 och minnet av McCarthys häxjakt ligger fortfarande som en fuktig, kvav dimma. I ett litet gästhem i Catskillbergen samlas en grupp män för en helg av elegant nöje. Samtliga är gifta, men alla hyser de en passion för att klä sig i kvinnokläder, komplett med smink, peruker och klackar. Dessa är lyckliga, eleganta och självskapade ”kvinnor”. Vissa har kännt varandra i åratal och de är alla vänner. Hustrun till mannen som äger stället är med dem, uppmuntrar dem och stöttar deras personliga frigörelse.

Två främlingar ansluter till gruppen. Den ene är en nybörjare som tar sina första tvekande steg in i transvestismens värld. Den andre är en gammal räv, en yrkespolitisk transvestit med en agenda att höja statusen och acceptansen i samhället för män som han själv.

Detta är upptakten i Casa Valentina, en ny pjäs av Harvey Fierstein, som nu har premiär på Samuel J Friedman Theatre på Broadway i en uppsättning regisserad av Joe Mantello. Tillsammans har Mantello och Fierstein varit involverade i eller ansvariga för i stort sett varje viktig gay-pjäs under de senaste femtio åren av amerikansk teaterhistoria.

Casa Valentina är dock inte en sådan pjäs.

Långt ifrån.

Det är en pjäs om en helt annan värld, en som paradoxalt nog verkar stå i strid med det mantra av acceptans som genomsyrar gaykulturen. Men det är viktigt att komma ihåg att pjäsen utspelar sig 1962 och att karaktärerna uttrycker åsikter som till största del föregår det frisläppta 60-talet, Stonewall, aidskrisen och kampen för samkönade äktenskap.

Det är ett sällsynt teaterdjur: en varm och rolig, ibland sanslöst komisk pjäs full av färgstarka karaktärer, som på ett ögonblick vänder och dyker ner i ett mörkt, hotfullt djup av ångest, förtvivlan och svek.

Mantello regisserar förloppet med stor kärlek och omsorg. Scott Pasks vackra scenografi bjuder på flera toalettbord och speglar, och vid dessa sitter männen i pjäsens början och förvandlar sig till sina kvinnliga alter egon. Det är en medvetet vacker inledning som sveper in handlingen i en känsla av gammaldags grace – trösterikt både genom de minnen det väcker (alla hade en mor med ett sådant sminkbord) och det avstånd det skapar mellan nuet och pjäsen.

Pjäsen är för det mesta fantastiskt välskriven, även om den kan kännas en aning lång. Det finns gott om slagfärdiga repliker, men också en känsla av gemyt som genomsyrar manuset och som är avgörande för pjäsens framgång.

I första akten går de etablerade ”tjejerna” samman för att ge nykomlingen Miranda en feminin makeover, och den scenen är ett av de mest glädjefyllda och hjärtvärmande ögonblicken på Broadway just nu. Den glimrar av generositet och en gemensam längtan efter femininitet.

Men det är inte bara i glädjen som Fiersteins skrivande briljerar. Han förstår även smärtan och skildrar den tydligt. Han skriver skarpa argument med klarhet och skoningslösa detaljer. Därför bär manusets överraskningar på ett verkligt hot och får stor effekt.

Den nästintill klockrena rollsättningen hjälper avsevärt.

John Cullum, en Broadway-veteran (som ursprungligen debuterade i originaluppsättningen av Camelot), är helt enkelt underbar som den äldre matronan Terry. Han sätter varje komisk poäng men lyser även i de dramatiska partierna. Hans tal om varför han aldrig skulle vända ryggen åt det homosexuella samhället – de som erbjöd honom vänskap och tröst under tider av desperat ensamhet – är en mästerklass i finstämt dramatiskt agerande.

Den mångsidige Nick Westrate är magnifik som den eldiga rödtotten Gloria, komplett med vid kjol, markerad midja och höga klackar. Westrate gör Gloria till en okuvlig naturkraft. Hennes ordväxling med värden är en av kvällens höjdpunkter, och jag kommer länge att minnas kylan som rann längs ryggraden när han talade om att ”skövla kropparna” hos flickorna han träffade på universitetet. Det är en vital och helt igenom komplett prestation. Formidabel på alla sätt.

Tom McGowan, som den vänliga och fylliga Bessie – hon med hjärtat av guld och en fäbless för att citera Oscar Wilde, och som i sitt manliga liv är yrkesmilitär – är en explosion av chiffong, läppstift och uppriktig munterhet. Men han kan vända på en femöring, och gör så med både komisk och dramatisk effekt. Ännu en utsökt prestation som aldrig tippar över i parodi.

Den svåraste rollen – den respekterade domaren om dagen, Amy om helgerna, mannen med hustru och dotter som avskyr hans feminina sida – spelas av Larry Pine som är helt lysande som Domaren/Amy. Hans skarpa juridiska sinne är tydligt när den bruna lockiga peruken är av, men när den väl är på tar Amy plats och vägrar vika undan. Han ger en lysande studie i en instängd känslighet, undertryckt begär och dårskapen i att lita på andra.

Men kvällens bravurnummer står Reed Birney för i rollen som Charlotte, yrkespolitikern i klänning; hon som bär orange dräkt, kedjeröker och dricker gin-martinis – hon som likaväl kunde ha varit din pianolärarinna eller lokala sjuksköterska. Som den fullständiga förkroppsligandet av kvinnlig effektivitet är Charlotte så vidrig, falsk och självrättfärdig som man kan bli, och Birney lyfter fram allt detta med lätthet. Han är särskilt iskall och extraordinär i ett långt, perfekt avvägt tal där han krossar livet för en av de andra ”tjejerna”. Det är en prestation som är subtilt osubtil, vilket kan låta som en paradox, men det är nyckeln till det häpnadsväckande arbete han gör här. Skådespeleri när det är som bäst.

Birneys karaktär är den som lyfter fram pjäsens kärnfrågor: skillnaden mellan homosexualitet och att klä upp sig; allmänhetens oförmåga att se nyanser i könsidentitet och att skilja mellan man, kvinna och män som vill klä sig som kvinnor. Han har ett fantastiskt tal där hans karaktär menar att om 40 år (alltså ungefär nu) kommer homosexuella fortfarande att gömma sig i skuggorna, medan män klädda som kvinnor kommer att vara lika accepterade som rökning. Det är intressant att fundera på hur världen sett ut om hans karaktär hade fått som han ville (i de verkliga händelser som pjäsen baseras på).

Som nykomlingen Miranda är även Gabriel Ebert förträfflig. Hans känsla av bävan och ren skräck är påtaglig, för att sedan förvandlas till äkta entusiasm och total lycka efter makeovern. Förvandlingen är genuint rörande att bevittna, och det som sker i akt två blir så mycket starkare tack vare den glädje han sprider i första akten. Hans sista, otroligt sorgliga och gripande scen är brutal, hjärtskärande och helt rätt.

Men allt är inte guld och gröna skogar. Ägarna till gästhemmet där allt utspelar sig, makarna Rita och George (Mare Winningham respektive Patrick Page), fungerar varken individuellt eller som ett par. Winningham är alldeles för ytlig och oprecis för att vara trovärdig som Rita, en kvinna som uppenbarligen har gjort medvetna val och valt tydliga vägar. Menlös är hon inte.

Page känns inte äkta, särskilt inte i kontrast till de andra medlemmarna i systerskapet. Han verkar inte bekväm med sitt feminina jag, vilket är ett stort problem då hela pjäsens klimax hänger på hans behov av att hålla fast vid sin feminina persona.

Pjäsen hade varit en mycket mer explosiv historia om dessa två karaktärer spelats av skådespelare med större vilja att förlora sig själva i rollerna – på precis samma sätt som resten av ensemblen gör.

Det var talande att Page alltid såg obekväm och manlig ut som Valentina, Georges alter ego. Han behöver vara lika obevekligt tjejig som de andra, och det gäller även Winninghams Rita. Hon spelar en av endast två kvinnor, och hennes karaktär är levande, eftertänksam och känslig – en total kontrast till den andra kvinnan (Lisa Emery som domarens kalla, känslomässigt döda barn). Winningham väljer dock en intetsägande tomhet när hon i själva verket spelar den enda karaktären som har gjort val och stått för dem jämt, inte bara på helgerna, utan hela livet.

Rita Ryack står för den fantastiska kostymen, och Jason P Hayes hår-, peruk- och makeupdesign är strålande. Tidsepoken är tydlig, färgerna levande och känslan av inkluderande femininitet är underbar. Justin Townsend ljussätter allt med fingertoppskänsla – framkallar melankoli eller visdomsfylld glädje med ett enkelt knapptryck. Det är en genomtänkt och insiktsfull ljussättning som tillför produktionen oerhörd styrka.

Detta kan vara den bästa pjäs Fierstein någonsin skrivit.

Den är definitivt tankeväckande och belyser en subkultur som sällan får stå i rampljuset. Den är klok, kvick och brännande. Den kräver en genomgående klockren ensemble, och i just det avseendet gör Mantellos uppsättning den inte full rättvisa.