KRITIK: Casa Valentina, Samuel J Friedman Theatre ✭✭✭✭

Casa Valentina – Nick Westrate (von links), John Cullum, Gabriel Ebert und Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13. April 2014

4 Sterne

Wir schreiben das Jahr 1962, und die Erinnerung an die McCarthy-Hexenjagden ist noch immer heiß und faulig. In einem kleinen Gästehaus in den Catskill Mountains trifft sich eine Gruppe Männer zu einem Wochenende eleganter Vergnügungen. Jeder von ihnen ist verheiratet, doch jeder hegt eine Leidenschaft dafür, sich in weibliche Kleidung zu werfen – komplett mit Make-up, Perücken und High Heels. Das sind glückliche, stilvolle, selbst erschaffene „Frauen“. Einige kennen einander seit Jahren, und alle sind befreundet. Die Ehefrau eines der Männer – des Besitzers des Gästehauses – ist mit dabei, macht gute Stimmung, spornt sie an und ermutigt diese ganz persönliche Form des Ausbruchs.

In diese Runde kommen zwei Fremde. Der eine ist ein Neuling, der seine ersten vorsichtigen Schritte in die Welt des Transvestismus wagt. Der andere ist ein alter Hase: ein Transvestit aus Überzeugung, der eine politische Agenda verfolgt – das Ansehen und die gesellschaftliche Akzeptanz von Männern wie ihm zu stärken.

So ist das Setting von Casa Valentina, einem neuen Stück von Harvey Fierstein, das nun am Samuel J Friedman Theatre am Broadway in einer Inszenierung von Joe Mantello Premiere feiert. Mantello und Fierstein waren zusammen an so gut wie jedem wichtigen schwulen Stück der letzten fünfzig Jahre des amerikanischen Theaters beteiligt – oder dafür verantwortlich.

Casa Valentina allerdings ist kein solches Stück.

Ganz und gar nicht.

Es ist ein Stück über eine völlig andere Welt – und eine, die merkwürdigerweise im Widerspruch zu dem Mantra der Akzeptanz zu stehen scheint, das die schwule Kultur durchzieht (oder zu durchziehen scheint). Dabei ist wichtig, sich vor Augen zu halten, dass das Stück 1962 spielt und die Figuren Ansichten äußern, die größtenteils vor der freiheitsliebenden Sechzigerjahre-Stimmung, Stonewall, der AIDS-Krise und den Kampagnen für die Anerkennung der gleichgeschlechtlichen Ehe liegen.

Es ist diese seltene Theaterkreatur: ein warmes und komisches, stellenweise urkomisches Stück voller interessanter Figuren, das im Handumdrehen kippt und in einen dunklen, abweisenden Ort aus Qual, Verzweiflung und Verrat stürzt.

Mantello führt das Ganze mit großer Liebe und Sorgfalt. Scott Pasks wunderschönes Bühnenbild zeigt mehrere Schminktische und Spiegel – und dort verwandeln sich die Männer, in unterschiedlichen Stadien des Entkleidens, zu Beginn des Stücks in ihre weiblichen Alter Egos. Das ist ein bewusst schönes Entrée, das dem Abend eine Aura altmodischer Gentilität verleiht – tröstlich, sowohl wegen der Erinnerungen, die es weckt (jeder hatte eine Mutter mit so einem Schminktisch), als auch wegen der Distanz, die es zwischen Gegenwart und Stück schafft.

Das Stück ist größtenteils wunderbar geschrieben, auch wenn es sich einen Hauch zu lang anfühlt. Es gibt viele hervorragende Pointen, aber auch ein Grundton von Bonhomie, der den Text durchzieht – und der für den Erfolg des Abends entscheidend ist.

Im ersten Akt schließen sich die etablierten „Mädels“ zusammen, um der neuen Rekrutin Miranda ein mädchenhaftes Makeover zu verpassen – und diese Szene ist einer der freudigsten und herzerwärmendsten Momente, die man derzeit irgendwo auf einer Broadway-Bühne sehen kann. Sie funkelt vor Großzügigkeit und einem gemeinsamen, geteilten Wunsch nach Weiblichkeit.

Doch Fiersteins Schreiben glänzt nicht nur im Glück. Er versteht auch den Schmerz – und das wird klar gezeigt. Und er schreibt schwierige Auseinandersetzungen stark: klar, präzise und mit böser Detailgenauigkeit. So haben die Überraschungen des Textes echte Bedrohung und Wirkung.

Die überwiegend punktgenaue Besetzung hilft enorm.

John Cullum, ein alter Broadway-Haudegen (der ursprünglich in der Originalproduktion von Camelot zu sehen war), ist als ältere Matrone Terry schlicht großartig. Er landet jeden Lacher, der ihm gegeben wird, und leuchtet zugleich, wenn das dramatische Scheinwerferlicht auf ihn fällt. Seine Rede darüber, warum er sich niemals gegen die homosexuelle Community wenden würde, die ihm Freundschaft und Trost in Zeiten verzweifelter Einsamkeit geschenkt hat, ist eine Meisterklasse in exzellenter, zurückgenommener dramatischer Gestaltung.

Der vielseitige Nick Westrate ist als feurige Rothaarige Gloria grandios – voller Rock, schmale Taille und High Heels. Stahlhart und unbeugsam macht Westrate aus Gloria eine echte Naturgewalt. Ihr Schlagabtausch mit ihrem Gastgeber ist eines der Highlights des Abends, und ich werde mich lange an den Schauer erinnern, der mir über den Rücken lief, als er davon sprach, die Körper der Mädchen, die er an der Uni hatte, „zu plündern“. Das ist eine echte, kraftvolle und vollkommen stimmige Leistung. In jeder Hinsicht fabelhaft.

Tom McGowan ist als die freundliche, korpulente Bessie – mit dem Herzen aus Gold und einer Vorliebe für Oscar-Wilde-Zitate, im Männerleben Berufssoldat – ein Feuerwerk aus Chiffon, Lippenstift und herzlich-offener Fröhlichkeit. Doch er kann sich drehen wie ein Wickelrock – und er tut es, mit komischer wie dramatischer Wirkung. Eine weitere köstliche Leistung, die nie in Parodie abrutscht.

Die schwierigste Rolle – der respektierte Richter unter der Woche, Amy an den Wochenenden; der Mann mit Frau und Tochter, die seine weibliche Seite verabscheuen; der Mann, der an einem Moment der Schwäche zerbrechen kann – geht an Larry Pine, der als Judge/Amy wirklich wunderbar ist. Sein scharfer juristischer Verstand ist klar zu erkennen, solange die lockige brünette Perücke nicht aufgesetzt ist; doch sobald sie es ist, nimmt Amy den Raum ein und lässt ihn nicht mehr los. Pine liefert eine leuchtende Studie gefangener Sensibilität, eingekapselten Begehrens und törichten Vertrauens in andere.

Die Bravourleistung des Abends jedoch kommt von Reed Birney als Charlotte: der Berufspolitiker im Kleid; derjenige im orangefarbenen Business-Kostüm, der Kette raucht und Gin Martinis trinkt – die Person, die genauso gut Ihre Klavierlehrerin oder Ihr Geschichtslehrer hätte sein können oder die Krankenschwester in der örtlichen Arztpraxis. Als vollständige Verkörperung weiblicher Effizienz ist Charlotte so unerquicklich und doppelzüngig – und dabei völlig selbstgerecht empört – wie nur irgend möglich, und Birney arbeitet all das scheinbar mühelos heraus. Besonders eisig und außergewöhnlich ist er in einer langen, makellos gesetzten Rede, in der er das Leben einer der anderen „Mädels“ zerstört. Es ist eine subtil-unsubtile Leistung – was wie ein Widerspruch klingen mag, aber genau der Schlüssel zu der erstaunlichen Arbeit ist, die er hier leistet. Schauspiel in Bestform.

Birneys Figur legt einige der zentralen Fragen des Stücks frei: den Unterschied zwischen Homosexualität und Verkleiden; die Unfähigkeit der Öffentlichkeit, Abstufungen in geschlechtlichem Verhalten zu erkennen, zwischen Mann, Frau und Männern zu unterscheiden, die sich als Frauen kleiden möchten – und das Anderssein zu tolerieren. Er hat eine großartige Rede, in der seine Figur meint, dass Homosexuelle in 40 Jahren (also etwa heute) immer noch im Schatten herumhuschen würden, während Männer in Frauenkleidung so allgegenwärtig und akzeptiert wären wie das Rauchen. Es ist interessant, darüber nachzudenken, wie anders die Welt hätte sein können, wenn sich seine Figur durchgesetzt hätte (in den realen Ereignissen, auf die dieses Stück anspielt).

Auch als Neuling Miranda ist Gabriel Ebert ausgezeichnet. Sein Gefühl von Beklommenheit und blanker Angst ist greifbar – und wandelt sich nach dem Makeover zu echter Aufregung und ungezügelter Glückseligkeit. Diese Veränderung zu erleben, ist wirklich berührend, und das, was im zweiten Akt passiert, wirkt umso stärker durch das Glück, das er in den ersten Akt trägt. Seine letzte, unglaublich traurige und bewegende Szene ist brutal, herzzerreißend und absolut stimmig.

Aber es ist nicht alles eitel Sonnenschein. Die Besitzer des Gästehauses, in dem alles spielt – das Ehepaar Rita und George, gespielt von Mare Winningham und Patrick Page – funktionieren weder einzeln noch als Paar. Winningham ist als Rita viel zu flapsig, zu ungenau, um zu wirken: eine Frau, die, wie man es auch betrachtet, bewusste Entscheidungen getroffen und klare Wege gewählt hat. Unentschlossen ist sie nicht.

Page wirkt nicht wirklich glaubhaft, besonders im Kontrast zu den anderen „Sorority“-Schwestern. Er scheint mit seinem femininen Ich nicht im Reinen zu sein – ein erhebliches Problem, weil der gesamte Höhepunkt des Stücks darauf beruht, dass er an seiner weiblichen Persona festhalten muss.

Das Stück hätte weit mehr dramatische Sprengkraft, wenn diese beiden Figuren von Darstellern gespielt würden, die eher bereit sind, sich ganz in die besonderen Menschen zu verlieren, die diese Rollen sind – genau so, wie es der Rest des Ensembles tut.

Bezeichnend war, dass Page als Valentina, Georges Alter Ego, stets unbehaglich und sehr männlich wirkte. Er müsste ebenso kompromisslos mädchenhaft sein wie die anderen – und ebenso Winninghams Rita. Sie spielt eine von nur zwei Frauen, und ihre Figur ist lebendig, nachdenklich und sensibel – ein kompletter Kontrast zur anderen (Lisa Emery als kaltes, brandgefährliches, innerlich totes Kind des Richters). Winningham entscheidet sich jedoch für blasse, beiläufige Leere, obwohl sie in Wahrheit die eine Figur spielt, die Entscheidungen getroffen und konsequent an ihnen festgehalten hat – nicht nur an den Wochenenden, sondern ihr ganzes Leben lang.

Rita Ryack liefert wunderbare Kostüme, und das Haar-, Perücken- und Make-up-Design von Jason P Hayes ist großartig. Die Epoche ist klar, die Farben leuchten, und das Gefühl einer umfassenden, einladenden Weiblichkeit ist ausgesprochen köstlich. Justin Townsend beleuchtet alles sehr fein und schön – und kann mit einem Fingertipp am Schalter nachdenkliche Melancholie oder weise Heiterkeit hervorrufen. Das ist sorgfältiges, zutiefst kluges Lichtdesign, das die Stärke der Produktion immens vergrößert.

Das ist vielleicht das beste Stück, das Fierstein je geschrieben hat.

Es ist auf jeden Fall anregend und wirft Licht auf eine Subkultur, die nur selten im Rampenlicht steht. Es ist klug und durchdacht, witzig und scharf. Es braucht ein durchgängig herausragendes Ensemble – und in genau diesem Punkt wird Mantellos Inszenierung dem Text nicht ganz gerecht.